David Robert Mitchell llegó al panorama cinematográfico con un par de propuestas que llamaron la atención por su manera de retratar los márgenes de la sociedad estadounidense. 'The Myth of the American Sleepover' y 'Te sigue' funcionaban como ejercicios de estilo que indagaban en la inquietud que se esconde tras las fachadas impecables de los barrios residenciales. Ahora, con 'El final de Oak Street', el realizador californiano da un salto cualitativo al manejar un presupuesto considerablemente mayor y contar con el respaldo de Warner Bros, aunque su mirada sobre las grietas del sueño americano permanece intacta. La película sitúa a la familia Platt en un vecindario de Michigan durante 1982, donde la armonía superficial oculta un matrimonio en decadencia y unos hijos que perciben el desmoronamiento de sus progenitores sin saber cómo gestionarlo. La irrupción de un fenómeno inexplicable que transporta toda la calle a una era poblada por criaturas prehistóricas convierte el drama doméstico en una lucha por la supervivencia, pero Mitchell jamás abandona el conflicto familiar como eje vertebrador.
Greg Platt, encarnado por Ewan McGregor, sostiene la mentira de un empleo que ya ha perdido y se aferra a la rutina de repartir pizzas para mantener las apariencias, mientras Denise, a quien Anne Hathaway dota de una contención admirable, escribe a escondidas una novela donde planea el abandono de su hogar. Ambos personajes representan dos caras de una misma moneda: él se refugia en el optimismo forzado y ella en el resentimiento silencioso, y sus hijos quedan atrapados en medio de esa batalla soterrada. La llegada de los dinosaurios no resuelve sus discrepancias, sino que las amplifica al exponerlas a un peligro tangible que exige decisiones inmediatas. Mitchell propone que el auténtico terror no reside en las fauces de los depredadores, sino en la incapacidad de esta familia para comunicarse antes de que el mundo exterior se desmorone. La película muestra cómo una crisis externa puede actuar como catalizador de tensiones internas que llevaban años enquistadas, y convierte el vecindario en un microcosmos donde cada casa guarda sus propios secretos y rencores.
Los hijos, interpretados por Maisy Stella y Christian Convery, funcionan como el termómetro emocional de la cinta, ya que su percepción de la ruptura parental se agudiza al mismo tiempo que el entorno se vuelve hostil. Audrey sueña con estudiar en Cornell y seguir los pasos de Carl Sagan, pero la precariedad económica de sus padres amenaza ese futuro, mientras Brian vive el despertar de la adolescencia entre juegos callejeros y el primer flechazo. La presencia de un perro llamado Starbuck, que se convierte en motivo de discordia con un vecino gruñón, añade una capa más de conflicto cotidiano que Mitchell sabe aprovechar para subrayar lo absurdo de las disputas humanas cuando la naturaleza decide imponer sus propias reglas. La dirección opta por un ritmo pausado en los compases iniciales, construyendo una atmósfera de normalidad que resulta casi sofocante, para después acelerar la acción sin renunciar a planos secuencia que permiten apreciar la coreografía del caos. Mitchell demuestra que su habilidad para generar tensión no depende únicamente del susto fácil, sino de una construcción meticulosa del espacio y del tiempo que hace que cada rincón de Oak Street pueda convertirse en una trampa mortal.
La crítica más mordaz de la película apunta a la idealización de una década que muchos añoran como época dorada, mostrando que aquella supuesta inocencia escondía las mismas contradicciones que cualquier otra era. Los cereales en el desayuno, las bicicletas y las cintas de casete funcionan como elementos nostálgicos, pero Mitchell los utiliza con cierta ironía para recordar que el pasado nunca fue tan perfecto como la memoria lo pinta. La propia Denise encarna esa insatisfacción femenina que el cine de los ochenta solía silenciar, y su evolución a lo largo del metraje cuestiona los roles asignados a la madre abnegada que sacrifica sus aspiraciones por el bienestar familiar. La película tampoco edulcora la violencia de los ataques prehistóricos, mostrando muertes repentinas y crueles que recuerdan que la naturaleza no entiende de jerarquías sociales ni de afectos. Este realismo crudo contrasta con el tono casi lúdico de algunas secuencias, creando una dualidad que mantiene al espectador en constante desasosiego.
El compositor Michael Giacchino elabora una partitura que oscila entre la grandiosidad sinfónica y el terror contenido, acompañando cada giro narrativo con una precisión que refuerza el carácter clásico de la propuesta. Mitchell recurre a planos con dioptría dividida para subrayar la distancia emocional entre los personajes, colocando en primer plano y fondo elementos que nunca logran conectar del todo, como si la propia imagen reflejara la incomunicación que padecen los Platt. La fotografía de Michael Gioulakis envuelve el vecindario en una luz dorada que pronto se torna enfermiza, anticipando la transformación que sufrirá el paisaje cuando la vegetación prehistórica invada los jardines perfectamente recortados. La producción de J.J. Abrams imprime su sello en la manera de dosificar los efectos especiales, mostrando las criaturas a través de destellos y sombras antes de revelarlas por completo, un recurso que Spielberg popularizó y que aquí funciona con similar eficacia.
La película se permite momentos de humor negro que alivian la tensión sin trivializar el peligro, como cuando los protagonistas observan a dos saurios copulando mientras intentan escapar de su territorio, o cuando el perro Starbuck ignora las amenazas con una indiferencia canina que resulta cómica. Estos destellos de ligereza no desentonan porque Mitchell los inserta en contextos donde el absurdo de la situación se vuelve evidente, y la familia Platt reacciona con un sarcasmo que refleja su incapacidad para asumir la gravedad de lo que están viviendo. Sin embargo, el guion cae en algunas concesiones al melodrama cuando el reencuentro familiar se resuelve con demasiada premura, como si la amenaza exterior bastara para borrar años de desencuentros y silencios. La reconciliación entre Greg y Denise llega sin el desarrollo necesario, y el espectador puede sentir que Mitchell prioriza el espectáculo sobre la complejidad psicológica que había prometido en la primera mitad.
La duración ajustada, de apenas noventa y nueve minutos, obra a favor de un ritmo que no decae, pero en perjuicio de ciertos arcos secundarios que quedan esbozados sin resolución, como el del vecino conflictivo que desaparece de la trama sin mayor explicación. Mitchell apuesta por mantener el misterio en torno al origen del fenómeno, una decisión acertada que evita caer en explicaciones científicas farragosas y mantiene el foco donde debe estar: en la lucha de esta familia por mantenerse unida cuando todo a su alrededor se descompone. El director demuestra que puede moverse en terrenos más comerciales sin renunciar a sus obsesiones, y 'El final de Oak Street' se convierte así en un ejercicio de equilibrio entre la nostalgia por un cine de aventuras que ya no se hace y la voluntad de subvertir sus convenciones más manidas. La cinta, en definitiva, ofrece una reflexión sobre la fragilidad de los vínculos afectivos cuando la rutina los erosiona, y utiliza la amenaza prehistórica como metáfora de esos monstruos cotidianos que devoran las relaciones desde dentro sin que nadie sepa cómo combatirlos.
Crítica elaborada por Estela Schiaffino
