Entrevistamos a

John Andrews and the Yawns

"Pensé que muchas de mis canciones son un poco tristes, son un poco tristes, y un poco amargas en cierto modo. Así que quería escribir canciones más gratificantes, relacionadas con el amor, que a la vez es un sentimiento que casa muy bien con todo."

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John Andrews es uno de esos músicos que siempre sabe como dotar a sus temas de una cercanía extraordinaria, bien sea para sumergirnos en estados de ánimo de melancolía permanente, donde no sabes muy bien en que punto se encuentra tu vida, como para bien ser capaz de transportarnos a aquellos momentos donde lo más parecido a la felicidad llama a tu puerta sin saber muy bien el motivo. A lo largo de estos últimos años nos ha dejado trabajos espléndidos sin necesidad de recurrir a recursos llamativos, más allá de su visión pausada de la vida, el disfrute de las cosas que causan admiración en nuestro entorno más próximo y el entender que la vida es un continúo equilibrio entre sucesos disfrutables y desafortunados. Una filosofía con la que afrontó tanto su debut Bit By The Fang como Bad Posture, llegando ahora el momento de ampliar su colección de temas memorables con Cookbook, disco que verá luz vía Woodsist este mismo viernes. En este nuevo trabajo el músico apuesta por ambientes que brotan directamente una vez más de su honky piano, jugueteando con melodías ligeras que a las primeras de cambio aportan ese punto de sosiego más que necesario para comprender cómo no todos los episodios vitales se tienen que vivir con urgencia y de forma totalmente apasionada. Al mismo tiempo, nos encontramos nuevas temáticas en su música, más relacionadas con dejarse llevar por los sentimientos embriagadores causados por lo más parecido al amor que se cruce en nuestro camino. Algo así como disfrutar del presente sin prisa y sin esquivar los bandazos que puede ofrecernos. Aprovechando lo inminente de este trabajo, hemos tenido el gran privilegio de que John Andrews no reciba en su bonita cocina vía Zoom.

Vives en Dover, una ciudad no muy grande que forma parte del estado de New Hampshire y que está rodeada de naturaleza. ¿Consideras que vivir en una ciudad tranquila y alejada de las grandes ciudades norteamericanas ha sido importante a la hora de encontrar un mayor estado de paz personal que se acaba transmitiendo en tu música?

Primero me mudé a New Hampshire para vivir en medio del bosque en Barrington, viviendo en una vieja granja. En ese momento de mi vida, estaba viajando mucho, así que quería estar en un lugar que fuera tranquilo. Pero sin embargo, ya no vivo en medio del bosque. Ahora vivo en una pequeña ciudad que es Dover. Y hay días que me gusta mucho. También hay días en los que no me gusta. Creo que estoy llegando a un punto en el que pienso que podría querer algún tipo de cambio. Pero aquí, definitivamente hay algunas formas que influyen en mi música y forma de vivir. No es que sea muy consciente de ello, porque aquí no hay escena musical en absoluto, por lo que no tengo grandes influencias en cuanto otros artistas que se dediquen a la música. Al final si estás viviendo en una ciudad donde todo el mundo toca más o menos un cierto tipo de música, esto podría influir de una manera específica. A pesar de todo esto siento que vivir en Dover ha afectado mucho a mi música, pero es difícil expresar en qué términos concretos lo ha hecho.

 

Buscando en Internet alguna información adicional sobre New Hampshire, descubrí que el lema del estado es “Live Free or Die”, una frase que tú mismo incluiste en la bonita canción ‘Drivers’ de tu anterior disco. ¿Desde que te mudaste a New Hampshire esta frase ha estado muy presente en tu cabeza y ha ido cambiando de significado?

Diría que esta frase sí que tiene un nuevo significado para mí. Cuando me mudé por primera vez a New Hampshire, tenía poco más de 20 años, bueno, más bien estaba de los 25. Por aquel entonces sólo quería vivir mi propia vida, ser independiente y vivir la vida a mi manera. Así que imagino que esta frase la interpretaba casi de forma literal. Todo aquello de estar prácticamente en el medio de la naturaleza, sin autoridad y fuerzas externas que me dijesen cómo se supone que debía vivir. En un contexto de estar en la veintena y tocando mucho con diferentes grupos imagino que todo era un poco así.

Sin embargo, al ir creciendo, y especialmente debido a la forma en el que el mundo se encuentra ahora, el significado de la frase tiene menos de un efecto menos potente en mí, porque hay unas reglas marcadas que son muy importantes. Todo lo relacionado con el Coronavirus era realmente una locura aquí, con algunas personas que no estaban usando mascarillas en la tienda de comestibles, sin ir más lejos. Creo que tienen esta mentalidad y concepto de que nadie les puede cortar su libertad y se amparan en su derecho de no usar mascarilla. No son conscientes de lo que pueden perjudicar a los demás. Así que volviendo a esta frase, ahora mismo veo que tiene nuevos matices, porque no deja de ser una declaración necesaria de libertad, porque obviamente quiero que la gente se sienta libre y vivir la vida de la manera que quieren vivir, pero también hay que ser consciente de no hacer daño ha nadie. La libertad desde luego no puede consistir en dañar a otras personas.

Este nuevo trabajo fue grabado en tu estudio que está localizado dentro de un granero. ¿Consideras que a lo largo de estos años te ha resultado difícil adaptar este espacio y convertirlo en un estudio?

Ese granero era sólo parte de nuestra casa, así que no pensamos demasiado en como lo podíamos transformar. Era nuestro lugar favorito para tocar. Si tocábamos en casa, podríamos estar molestando a otros compañeros de la casa, en cambio el granero estaba al otro lado de la calle, por lo que era el lugar perfecto para dar rienda suelta a mis composiciones y ensayos. Por lo tanto se convirtió en algo tipo a un estudio con el tiempo. Y antes de grabar yo allí, también fueron grabados muchos otros discos. Hay una banda psicodélica llamada Mmoss que está encabezada por Doug Tuttle y que también estuvieron un tiempo haciendo su música allí. Hay una banda llamada Herbcraft que Jeremy sacó con Woodsist que también grabó allí. Al final todo se produce a través de una serie de casualidades con las que poco a poco se ha ido acomodando el espacio a las necesidades que teníamos la gente que ha ido pasando por allí.

"Me gusta que las canciones puedan existir tal cual como son grabadas desde el primer momento. "

En este nuevo disco has trabajado durante tres años. ¿Crees que las canciones sufrieron muchos cambios a lo largo de todo este tiempo?

Trabajé en el disco durante mucho tiempo. Al principio grabé ‘New California Blue’ y la dejé como estaba. Tan solo creo que al final regrabé un poco las voces, pero quedó bastante intacta, sentía que sonaba perfecta sin hacerle nada más, ya que si la seguía retocando podría perder su encanto original. Me gusta que las canciones puedan existir tal cual como son grabadas desde el primer momento. Luego el resto de canciones fueron grabadas a lo largo de tres años, así que fue un proceso continuo de alegrías y tristezas a medida que iban tomando forma. Realmente no recomiendo trabajar solo en un álbum durante tres años. Es mejor sacarlo todo de una forma más rápida para que se mantenga el toque espontáneo.

Analizando un poco las temáticas presentes en este trabajo, parece que hay más contenido relacionado con el amor y el romanticismo, estando muy presente en canciones como ‘Aint that right?’ donde aparecen frases como “I love you every day of my life”. ¿Consideras que en este trabajo ha tenido más protagonismo que nunca el amor y todo lo que suscita?

Básicamente escribí un montón de estas canciones de amor hace un par de años, después de que un amigo me pidió que tocara en su boda. En seguida pensé si realmente quería que fuese él que tocase en su boda, porque todas mis canciones son canciones de ruptura como bien se muestra en Bad Posture, que es un disco que básicamente se adentra en todo lo que deja una ruptura sentimental. Incluso Bit By The Fang también tiene elementos propios de un disco de ruptura. Pensé que muchas de mis canciones son un poco tristes, y un poco amargas en cierto modo. Así que quería escribir canciones más gratificantes, relacionadas con el amor, que a la vez es un sentimiento que casa muy bien con todo. En ese momento, de hecho no estaba en una relación ni nada parecido. Por aquel entonces sentía que a través de las giras, tocando las mismas canciones tristes cada noche, manifestaba una forma en la que no me quería encontrar más. Por lo tanto me propuse escribir de otra forma para intentar cambiar la realidad de aquel momento.

 

Considero que en este disco también has logrado unas letras más directas y menos crípticas. ¿Cuándo comenzaste a componer el disco tuviste como objetivo que estas letras fuesen más sencillas e inteligibles o simplemente surgieron naturalmente en esta forma?

Como te comenté antes, sólo quería escribir canciones de amor tipo pop, y muchas de esas canciones están inspiradas en la de los años 60, donde las letras son muy simples, nada que se adentre en frases complicadas. Así que muchas de las letras que están en el disco, fueron las letras iniciales que simplemente salieron de mi conciencia cuando estaba escribiendo las canciones. Dejé que la primera cosa que me vino a la mente fuera la letra final para muchas de los temas. En mi próximo disco, en el que estoy trabajando ahora, quiero pasar más tiempo escribiendo las letras. Así que he estado guardando un pequeño cuaderno con un montón de pequeñas frases escritas de las que elijo las que más me gustan. Después de Cookbook quiero que las letras no solo vengan de mi propio subconsciente. Luego pensándolo con perspectiva, en algunas de estas nuevas canciones las letras son casi cómicas, sobre todo la forma en la que riman y encajan con la música.

Otra canción muy destacada del disco es ‘River of Doubt’, encontrándonos ante partes iniciales más bien amargas junto con otras mucho más esperanzadoras. ¿Compusiste este tema intentando contraponer una primera parte más llena de momentos descorazonadores y una segunda más enfocada hacia lo luminoso?

Los versos del tema surgen como una llamada de auxilio, básicamente. Y el estribillo es como un agradecimiento a alguien por responder a tu llamada de auxilio. Por lo tanto sí que hay una contraposición como tú dices. Los versos están llegando a alguien y en el curso del río aparece una persona que te ayuda, mostrándole tu agradecimiento.

"Muchas de las letras que están en el disco, fueron las letras iniciales que simplemente salieron de mi conciencia cuando estaba escribiendo las canciones. Dejé que la primera cosa que me vino a la mente fuera la letra final para muchas de los temas. "

En este disco has incluido una canción instrumental llamada ‘Song for Gonz’ en referencia al skater callejero Mark Gonzales. ¿Cómo apareció la idea de dedicarle una canción?

Soy un gran fan de Mark Gonzales. Es un artista increíble, y he sido un fan de él durante mucho tiempo. Y realmente no sabía cómo llamar a esa canción en particular. Solo se que estas melodías me recordaron a su forma de hacer skateboarding por alguna razón. Así que se lo dediqué a él. No solo esta canción, sino también de algún modo el disco entero. La temática presente a lo largo del disco está muy relacionada con dar las gracias y mostrarte agradecido a la gente que te inspira. Ya sabes, tengo una canción dedicada a Joni Mitchell porque hay una parte de mi vida en la que escuchaba mucho su música y estaba realmente feliz con las cosas que proporcionaba a través de sus letras. Como te dije, ‘River of Doubt’ se basa en dar las gracias a alguien que te ayuda, también la última canción del disco se titula ‘Thank You’. Así que quería dedicar otra canción a otra persona que me ha inspirado e influido a lo largo de los años.

La portada de este disco fue realizada por Salvador Charlí. ¿Le diste alguna pauta para su realización o simplemente el pintó lo que le sugería tu música?

Sí, tuvimos conversaciones sobre la composición, los colores y todo. En realidad dibujé con lápiz un poco lo que quería que tuviese. Juraría que lo tengo por aquí, pero ahora no se donde lo he metido. Dibujé con lápiz una versión básica de cómo quería que fuera. Me quería ver sentado en el piano, un montón de comida que sale del piano deletreando “cookbook” y sobre todo que apareciese mi cocina con sus colores. De hecho mira, los colores del suelo y las paredes son los mismos. Me gusta esta habitación de mi casa y paso mucho tiempo trabajando en ella. Por eso le di ese título al disco. Así que sí, le di algunas indicaciones, pero también confié en sus decisiones artísticas. Es un pintor increíble.

 

Analizando las influencias de tus canciones, quizás podríamos pensar que provienen más bien de artistas del pasado. De hecho en una de tus fotos promocionales aparece un disco del Remember (Walking in the Sand) de The Sangri-Las ¿Intentas estar al día de las novedades musicales que se publican o prefieres descubrir más bien discos publicados en épocas pasadas?

En realidad buceo un poco en todo. Definitivamente escucho mucha música de los 60, 70, 90 y y 90. Escucho música de todas las décadas, básicamente. Es fácil para mí indagar en todo ese material. Me lo paso bien descubriendo música a mi ritmo y a mi aire. A veces, cuando las cosas se me imponen, no siento la necesidad de verificarlas y decidir si me gustan o no. Por eso escucho mucha música del pasado, porque estas cosas ya existen y es como una aventura para mí rebuscar en viejos LPs y verlo que me llama la atención. Sin embargo también escucho mucha música de hoy. Así que es una especie de equilibrio, escuchar música del pasado y escuchar mucha música de hoy en día.

A lo largo de estos años has realizado un montón de animaciones excelentes para artistas como Cut Worms, Homeshake, Woods… logrando que tu estilo sea inconfundible. ¿Consideras que hacer dibujos y animaciones para ti es algo muy diferente respecto a hacer canciones o sientes que ambos procesos creativos tienen algo en común?

Creo que todo es lo mismo. Todo sigue saliendo de mí. Así que viene de este mismo lugar, es como si se manifestara de un pensamiento o una idea tomada de mi propio interior, por lo que realmente no importa la forma en la que se acabe expresando. Si es una canción, un dibujo, una animación o lo que sea .Creo que todos los tipos de arte son una representación de lo que es mi persona. Y sí, creo que todo viene del mismo lugar. Hay días en los que no me apetece dibujar y toco el piano, y hay días en los que no me apetece tocar el piano, así que dibujo, depende de mi estado de ánimo, ¿sabes?

"La temática presente a lo largo del disco está muy relacionada con dar las gracias y mostrarte agradecido a la gente que te inspira. "

Hablando un poco más de tu faceta como dibujante, ¿consideras que a lo largo de tu vida ha habido algún otro dibujante o incluso algún tipo de dibujos animados que te hayan inspirado mucho?

He estado dibujando toda mi vida desde que era un niño pequeño. No me importaba si era bueno o no en ello, simplemente es algo que no he parado de hacer. A lo largo de cada etapa vital he tenido influencias diferentes, pasando por muchas fases diferentes en las que me gustaban muchas cosas distintas. Así que hay un montón de artistas e ilustradores que me han influenciado. Pero sí, cuando era muy joven, me encantaban los cómics, me gustaban los cómics de X Men, Batman y Spider Man. Tengo grandes colecciones de todos ellos. En casa de mi padre, me gustaba mucho Beavis y Butt-Head. También me encantan las animaciones de Mike Judge. Sí, Mike Judge ha sido una inspiración continua a lo largo de mi vida. Sus primeras animaciones son realmente inspiradoras para mí.

Dos de tus aficiones más destacadas son el ice hockey y el skate, incluyendo incluso una referencia a este segundo en ‘River of Doubt’. Si no te hubieses dedicado a la música y las ilustraciones, te hubiese gustado tener una carrear profesional en alguna de ellas o siempre las has visto como un hobbie?

No habría sido lo suficientemente bueno para ser un patinador profesional. Me di cuenta al principio de mi adolescencia, que me encantaba el skateboarding, pero no creía que una carrera en el skate fuese a tener sentido para mí. Sabía que no iba a ser patinador profesional, pero muchos de mis amigos eran muy buenos. Y algunos de mis amigos se convirtieron en patinadores profesionales. Así que yo era más bien un imitador de ellos. Era como el niño que siempre estaba en la pista de skate filmando todos los trucos y editando los videos para juntar todo el material.

Alrededor de mi 20 años, o quizás un poco antes, dejé de filmar a la gente haciendo skate. Esa fue la época en que empecé a tocar música. Así que sí, la música se apoderó de mi vida de la misma manera que lo habían hecho antes las filmaciones. Pero si nunca hubiese empezado a tocar música, apuesto a que habría continuado con los vídeos de skate. Quizás si que podría haber desarrollado una carrera de ello, o simplemente involucrado más en la creación de películas. ¿Quién sabe si ese John en potencia sigue ahí en alguna parte? (risas). No sé lo que estará haciendo. Quizás esté haciendo anuncios, pero en un mundo paralelo.

Mira, ahora se me viene a la cabeza Spike Jones. Spike Jones filmaba a skaters al principio. Y luego finalmente comenzó a dirigir películas y más cosas. Honestamente, si yo no estuviese tocando música, estaría orgulloso de ser parte de la industria del cine, de una forma y otra. Para eso fui a la escuela. Fui a la escuela para el cine y lo dejé para empezar a tocar. Así que sí, probablemente estaría haciendo películas.

Si no me equivoco, participaste en el último disco de Purple Mountains en la canción ‘Storyline Fever’. ¿Qué supuso para ti aportar tu granito de arena al último disco de David y cómo fue trabajar con él?

Fue realmente increíble. Estoy muy agradecido de haber sido invitado a esas sesiones. Jarvis y Jeremy de Woods son los que me invitaron a esas sesiones cuando no había coincidido con David antes. De hecho sólo lo conocí ese día cuando estábamos en el estudio. No es que estuviese muy cercano a él cuando hizo el disco ni mucho menos. Recuerdo que el día que grabamos, él tenía mucho sueño, y se estaba echando una pequeña siesta en el suelo, usando una mochila como almohada justo al lado del piano mientras yo lo tocaba. De vez en cuando levantaba la cabeza y decía, oh, el piano suena muy bien. Luego se volvía a tumbar y a dormir. Y esa fue la mayor parte de mis interacciones con ellos utilizan realmente como sí, ya veo.

Parecía un tipo realmente interesante y muy divertido. Pero sí, como he dicho, yo no lo conocía en absoluto realmente. Antes de que me pidieran que grabara en ese disco, admito que ni siquiera escuché mucho del catálogo de Silver Jews. No lo conocía. Conocía unas pocas canciones aquí y allá, como ‘Random Rules’ y ‘Honk if you're Lonely’.

De alguna manera no me subí a su barco cuando era un adolescente y esa música estaba surgiendo. Pero cuando Jarvis me dijo que estaban trabajando en ese disco, y me pidió que tocara en él, me dije, vale, tengo que explorar su catálogo porque vergonzosamente no conozco su música muy bien. Entonces fue cuando empecé a escuchar sus temas. Me di cuenta de que este tipo es un genio básicamente. Estoy eternamente agradecido de haber sido parte de ese disco, incluso hasta los detalles más diminutos del álbum son preciosos. Todavía me sorprende ver mi nombre en los créditos.

Si no recuerdo mal, tu última gira fue junto a Hand Habits en Europa. ¿Qué es lo que más echas de menos de no poder girar?

Echo mucho de menos de no ir de gira, echo de menos todas las gasolineras raras en las que acabas pasando el tiempo mientras conduces todo el día. Todos los restaurantes extraños de la ciudad a los que acabas yendo y que nunca habrías visitado si no estuvieras en esa ciudad. Echo de menos tocar música con mis amigos. No he tocado música con banda desde el último show de Hand Habits en la gira de Angel Olsen. Esa sensación de estar en un lugar escuchando y sintiendo la música que estoy haciendo con mis amigos. Es algo que extraño mucho. Echo de menos todas las cosas extrañas y aleatorias que suceden a lo largo del día y que no están planificadas, que nunca podrías esperar. Luego eso da pie a pequeñas historias que acabas contando a la gente sobre tus viajes. También echo de menos conocer gente nueva cuando de gira todo el tiempo. Siempre estás conociendo a gente nueva y muy buena. Y sí, este último año de vivir en esta pequeña ciudad sin salir, siento que no he conocido alguien nuevo en mucho tiempo. Hay muchas cosas que echo de menos de las giras, pero espero que vuelvan pronto.

"Me lo paso bien descubriendo música a mi ritmo y a mi aire. A veces, cuando las cosas se me imponen, no siento la necesidad de verificarlas y decidir si me gustan o no. "

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para la siguiente banda a entrevistar. ¿Cuál es la vuestra?

Como ya me has desvelado que la pregunta será para una banda de Filadelfia, pues vamos a hacer que tenga relación con la ciudad. Por lo tanto, les preguntaría: ¿dónde creéis que habéis ofrecido más conciertos, en el Johnny Brenda o en el Boot & Saddle?

Del mismo modo tengo una para ti a cargo de Anlaki: ¿cuál es el ambiente o situación idóneo para disfrutar de tu música?

Si pudiera crear un ambiente para que alguien escuchara correctamente mi álbum, probablemente tendría en mente como objetivo que la gente se sintiese un poco como cuando lo estaba arreglando y armando, que quería que fuera una especie de banda sonora de una pequeña cena para cocinar en tu cocina e invitar a los amigos a venir. El hilo musical de un rato de lo más agradable. Pondría el disco en un sistema estéreo mientras estoy cenando con ellos y así poderlo escuchar bien.

Joven teleco que escribe sobre grupos guays. Woods y Jeremy Jay me molan mucho.

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