kelz, el proyecto en solitario de Kelly Truong, construye su sonido a partir de un pop de factura casera y una sensibilidad que se nutre de las texturas electrónicas de finales de los noventa. Su segundo larga duración, 'A Sweet Passerby', ve la luz después de cuatro años de escritura marcados por pérdidas familiares y episodios depresivos. Ese trasfondo tiñe cada una de sus once composiciones. La artista vietnamita-estadounidense no rehúye la crudeza de esos acontecimientos. Los convierte en punto de partida de un relato que oscila entre la efervescencia sonora y la melancolía de sus confesiones susurradas. La producción, que en el primer avance firma a medias con Steph Marziano, evoca la densidad atmosférica de bandas como Alvvays o Japanese Breakfast. Tiende un puente entre la agresividad de los sintetizadores y la dulzura de unas melodías que se clavan en el oyente.
Truong convierte sus letras en un diario íntimo donde la psique se debate entre la aparente normalidad exterior y un torbellino interior. La canción que da título al disco se compuso en los últimos días junto a su abuela. Esa dualidad entre un ritmo bailable y un estribillo que busca evadirse del dolor se convierte en una constante. Lejos de los adornos poéticos, la escritura opta por frases cortas que encierran una complejidad emocional considerable. Aborda con sinceridad el miedo a la obsolescencia o la añoranza de la niñez, como en 'Pink Bike', donde la guitarra acaricia la duda “what's a happy day to you?”. Esa duda vertebra el disco como una búsqueda de destellos de luz en medio de la tormenta cotidiana.
El álbum se sostiene sobre un contraste deliberado entre la ligereza de los arreglos y la gravedad de su contenido lírico. La producción, que concede un protagonismo a los arpegios de sintetizador, envuelve la voz en una burbuja de color que disimula la ansiedad de los textos. Ejemplo de esa paradoja es 'Falling Behind', donde la dulzura de las guitarras acompaña un relato de parálisis y soledad. En el interludio 'Snow', la instrumentación recurre a grabaciones de campo. Así construye un universo sonoro que pretende ser un refugio, pero que se fractura ante la crudeza de las confesiones. Esa tensión entre forma y fondo mueve el álbum y exige atención a los detalles. El recorrido concluye con 'I'm Sorry', un gesto de clemencia hacia su yo pasado que pone el broche final a un proceso de duelo y autodescubrimiento. Con ese cierre, Truong no ofrece una salida fácil. Deja flotando la misma inquietud que recorre el disco: la posibilidad de hallar consuelo en la fragilidad de los momentos compartidos. Aprovechando lo inminente del lanzamiento, hemos tenido el placer de charlar con la artista.
Tu nuevo álbum, 'A Sweet Passerby', logra constantemente un equilibrio precioso entre la melancolía de sus letras y su producción brillante y edificante. ¿Cómo conseguiste unir esos dos mundos aparentemente opuestos sin que uno eclipse al otro?
Curiosamente, no me apetece escribir sobre nada “demasiado feliz”, aunque parezca lo contrario (risas). Quizás esto sea también una extensión de mi vida personal, pero creo que mis letras nacen de un lugar donde me cuesta expresarme en persona. La música siempre ha sido un lugar seguro para mí. Da menos miedo compartir esos pensamientos vulnerables y aterradores escondidos en mi música que decirlos en voz alta sin ella. En cierto aspecto, me siento más segura para expresar mis palabras y pensamientos a través de la música. Me identifico mucho con la analogía del cubo que se desborda de agua. La producción que creo es como una catarsis para mí, igual que ese cubo. A pesar de las palabras, me siento tan libre y feliz de tener por fin una vía de escape para soltarlo todo. Me identifico con mi producción como un gran golpe en el pecho en esos momentos.
Mantener la coherencia emocional de un proyecto que tomó forma a lo largo de cuatro años no debe haber sido fácil. ¿Cómo fue ver crecer esas canciones mientras también atravesabas tantos cambios en tu vida personal?
Sinceramente, creo que no fueron muchas las ocasiones en las que escuchaba las canciones constantemente hasta que estuvieron todas completas como álbum. Ahora, al poder volver atrás, ha sido interesante y a veces desconcertante escuchar dónde estaba entonces. En cierto modo, todavía siento que estoy en un lugar similar, especialmente con la segunda mitad del álbum. Cuando lo escucho ahora, siento que el álbum refleja una cápsula del tiempo de sentimientos más que de grandes acontecimientos vitales para mí. Creo que eso me ayuda a seguir identificándome con él y a encontrar consuelo en él, de alguna manera.
'Just Us 2' tiene una energía pop de los 90 y de la era Y2K tan contagiosa. ¿Qué te inspiró a recuperar ese sonido, y cómo fue coproducir el tema con Steph Marziano?
Crecí escuchando estos sonidos en la radio y la televisión cuando era niña. Al hacerme mayor, me he visto revisitando estos sonidos simplemente para escucharlos por placer. Son muy divertidos y todos llevan la receta básica de todos los temas que escuchamos hoy. En comparación con las otras canciones del álbum, quería que esta canción estuviera llena de alegría, tanto lírica como musicalmente. No necesité pensar mucho con esta, simplemente me divertí con ella. Había estado guardando una maqueta rudimentaria de 'Just Us 2' durante más de un año. Fue una gran experiencia trabajar con Steph en esta canción y hacerla aún más fuerte. Aprendí mucho trabajando en un estudio profesional después de haber trabajado solo en mi habitación. Al mismo tiempo, me di cuenta de que ambas usábamos las mismas técnicas de estudio, y eso validó y aportó más confianza en mí misma para el resto del disco, al comprobar que mis habilidades son igual de sólidas, a pesar de mi formación y experiencia.
"Siento que el álbum refleja una cápsula del tiempo de sentimientos más que de grandes acontecimientos vitales para mí. Creo que eso me ayuda a seguir identificándome con él."
Escuchando 'Breathe', parece que la producción se vuelve mucho más minimalista, permitiendo que tu voz ocupe el centro del escenario. ¿Era tu intención darle a esta canción un aire más despojado e íntimo?
La producción de 'Breathe' surgió primero. Me encantó lo potente que era el estribillo con solo los sintetizadores en bucle y la batería con textura. Fue una de las primeras canciones del álbum en las que me sentí más segura de que las capas sencillas de este tema serían suficientes. Naturalmente, esto ayudó a que la voz destacara más y me permitió explorar a nivel melódico y lírico, en lugar de que la producción intentara competir. Mi objetivo con esta canción era acercarme más a contar una historia.
Terminaste de escribir 'Sweet Escape' durante la última semana que pasaste con tu abuela antes de que falleciera. ¿Qué significa para ti ahora interpretar y compartir una canción que surgió de un momento tan emocionalmente significativo en tu vida?
En cierto modo, la parte del escapismo resuena cada vez que interpreto la canción. La canción siempre ha girado en torno a la huida temporal de mis diversas experiencias, como mis viajes. Hay cierta alegría y curiosidad en observar la vida como una “transetúnte” mientras evitas tus propios problemas. La canción empezó como una pregunta sobre mi futuro y todavía la escucho hoy en día, a pesar del disfraz de la producción animada.
En 'Pink Bike', haces una pregunta preciosa que realmente perdura: ¿qué es un día feliz para ti? Si te hiciéramos esa misma pregunta hoy, ¿cuál sería tu respuesta?
Un día feliz para mí sería simplemente poder disfrutar de las cosas sencillas. La primera rutina que me viene a la mente sería levantarme lo suficientemente temprano para empezar el día, prepararme o darme un capricho con una taza de té y estar con mis gatos. Comer con mis padres también sería un buen detalle. En general, un día feliz para mí ahora sería no tener planes programados y no tener que ir a ningún sitio.
Hay un fascinante tema instrumental llamado 'Snow', construido alrededor del sonido de pasos crujiendo y agua goteando durante un viaje a Japón. ¿Cómo surgió la idea de capturar un momento tan específico y convertirlo en música?
Cuando grabé esas muestras, no esperaba usarlas para mi música. Solo quería capturar la alegría simple y cotidiana de estar en un lugar lejano, como ver a mi pareja caminar sobre la nieve por primera vez. Me alegra que haya cerrado el círculo, ya que ahora veo este interludio también conectado con el interludio anterior del álbum llamado 'Pink Bike'.
"Un día feliz para mí sería simplemente poder disfrutar de las cosas sencillas. Ahora mismo implicaría no tener planes programados y no tener que ir a ningún sitio."
En canciones como 'Rendezvous', parece que dejas de preocuparte tanto por los demás y, en cambio, abrazas tu propia compañía. ¿Ha sido aprender a sentirte cómoda contigo misma una de las mayores lecciones detrás de este álbum?
Al cien por cien. No ha sido un camino fácil y la mayor parte fue extremadamente incómodo tener que sentarme y, finalmente, aceptar mi realidad actual. Un tema principal de este álbum gira en torno a la aceptación de mi infelicidad y las razones fundamentales de mi deseo de escapar (ya sea con otros o en diferentes lugares), a pesar de las alegrías temporales que a veces puede aportar.
Como multiinstrumentista y productora, tienes el control total de tu sonido. Cuando estabas construyendo el mundo sonoro de 'A Sweet Passerby', ¿qué tipos de texturas o sintetizadores sabías que querías explorar?
Al principio de este álbum, ¡estaba muy inspirada por los clásicos de vuelta! 'Movin’ Melodies' de ATB fue muy importante, así como el estilo de producción general de Timbaland. Por ejemplo, sentía mucha curiosidad por el JV1080, que era un sintetizador común durante los años 2000. Al mismo tiempo, poco a poco me di cuenta de que quería mantener las cosas simples y dejar que los sintetizadores usados brillaran por sí solos. Me centré en sintetizadores pulsantes y suaves para las melodías, mientras me retaba a mí misma con la batería para que tuviera su propio carácter. Usé mucho mi Prophet 6 en la mayoría de las canciones. 'Breathe' es un buen ejemplo de cómo mantengo la sencillez, pero dándole a cada sonido su propio carácter distintivo para complementar mi voz.
Tu música reúne desde el dream pop y el synth pop hasta elementos del trip hop y la música dance. ¿Quiénes dirías que han sido tus mayores influencias musicales a lo largo de este viaje?
Toro y Moi es el que más me inspira. Admiro lo fluido que es con los géneros y es una gran inspiración de cómo me gustaría que siguiera mi carrera. No quiero que me conozcan ni me restrinjan a un solo género, como el “bedroom pop”. Lorde es otro gran ejemplo, no solo por su trayectoria artística, sino también por su sonido en general, desde 'Pure Heroine' y 'Virgin'. También una gran mención especial al artista Gold Panda. Admiro cómo su música no necesita voces y, sin embargo, me conmueve tanto con sus texturas y su estilo melódico.
Para el videoclip de 'Sweet Escape', elegiste filmar en Little Saigon, tu ciudad natal, e incluiste pasteles tradicionales. ¿Qué importancia tuvo para ti conectar este proyecto con tus raíces vietnamitas y tu comunidad local?
Sentí una conexión más profunda con mi herencia vietnamita cuando viajé por primera vez a Vietnam con mis padres a finales de 2024 y luego de nuevo en 2025. Llevé esas historias y perspectivas al proyecto, especialmente con los visuales y la perspectiva que adquirí. Personalmente, no me he encontrado con muchos artistas vietnamitas-estadounidenses, así que quería esforzarme al máximo para destacar la cultura a través de mis ojos y, al mismo tiempo, conectar con mi propia identidad. La cultura vietnamita está arraigada en el colectivismo, en lugar del individualismo de nuestra cultura occidental. Encuentro este contraste en mi música bastante interesante. Soy muy introspectiva sobre mí misma en las canciones, pero también soy muy pequeña en el gran esquema de las cosas. ¡El mundo es tan grande!
"En este disco abordo la aceptación de mi infelicidad y las razones fundamentales de mi deseo de escapar (ya sea con otros o en diferentes lugares), a pesar de las alegrías temporales que a veces puede aportar."
Para el vídeo de 'Just Us 2', en cambio, viajaste a Nueva York para crear algo mucho más conceptual, centrado en un fuerte de mantas hecho por ti misma. ¿Qué querías expresar visualmente a través de ese regreso a la infancia?
No quería necesariamente un vídeo que tuviera que asociarse con otra persona. En cambio, llegué a escuchar 'Just Us 2' como una canción de independencia y quería tener un vídeo que reflejara más esa asociación. Igual que lo que la canción significa para mí, quería que se convirtiera en un espacio seguro lleno de calidez, nostalgia y, por supuesto, ¡diversión!
El vídeo de 'Breathe' explora la idea de que los recuerdos se distorsionan o fragmentan con el tiempo. ¿Cómo fue el proceso de dar vida a esa estética visual junto a Christian Y Kim, Estephanie Barrera y Jenny Nayoung Kim?
Ha sido un placer y un honor tener a estos tres como parte de mi equipo. Christian y Estephanie han estado conmigo desde el inicio de la dirección visual del álbum. Sus antecedentes en identidad visual y diseño ayudaron a dar forma a lo que ahora se documenta. Al venir de un entorno musical, los visuales siempre me han resultado abrumadores y un territorio nuevo para mí, aunque siempre los he asociado con mi música. Simplemente nunca supe por dónde empezar. Pero ellos me han ayudado a articular mis ideas iniciales y a explorar cómo hacerlas realidad. Jenny también se unió a nosotros al principio, cuando estábamos fotografiando la portada del álbum. Siempre me ha ayudado a sentirme cómoda y en mi elemento, manteniéndome fiel a mi estilo y ayudándome a construir una nueva conexión con mi autoexpresión. 'Breathe' da un giro más experimental de todos mis vídeos musicales hasta ahora. Quería explorar la idea de mostrar la frustración y el trauma en pantalla, y la idea de Christian de representarlo además a través de una pantalla dividida de «memoria» fue muy divertida y gratificante de ver hecha realidad. He aprendido mucho a través de todos los visuales que hemos hecho y ha sido un proceso muy satisfactorio y curativo para mí. Me ha encantado poder explorar esta nueva parte de mi creatividad con la ayuda de mis amigos y equipo.
Pronto interpretarás estas canciones en directo en tu concierto de lanzamiento en Los Ángeles. ¿Cómo estás adaptando la rica producción de estudio del álbum y todas esas capas de sintetizadores para que se traduzcan en la energía de una actuación en vivo?
Ya sabes, ¡todavía estoy descubriéndolo yo misma! En un futuro ideal, me encantaría tener a más músicos a bordo para que me ayuden con mi música en el escenario. Por ahora, suelo actuar como un trío, incluyéndome a mí misma. Tengo muchas ganas de intentar incorporar sintetizadores más complejos en el escenario. Al mismo tiempo, estoy aprendiendo que, como cantante, también tengo que dar un paso atrás a veces y mantenerlo lo suficientemente sencillo para mí. Me encanta hacerlo todo yo misma y mantenerme ocupada, pero también estoy muy emocionada por soltar y centrarme más en cantar en futuros conciertos. Todo sigue siendo un rompecabezas mental que estoy tratando de adaptar según las diversas circunstancias.
En cada entrevista que hacemos, nos gusta pedir a cada artista que deje una pregunta para el próximo artista al que entrevistaremos. ¿Qué pregunta te gustaría dejar?
¿Cuáles son tus logros o momentos de los que te sientes más orgullosa en tu carrera hasta ahora?
Del mismo modo, tenemos una pregunta para ti de parte de Holy Wave. Aquí está: Si tuvieras que empezar una banda tributo, ¿a qué artista o banda elegirías para rendir homenaje?
¡A Lorde o a la banda canadiense llamada Seoul! 'I Become a Shade' de Seoul es una joya que lo empezó todo para mí en cuanto a los sonidos iniciales que me influenciaron.
