Durante un tiempo, Otto Benson se presentó en directo acompañado por un glockenspiel controlado por un sistema MIDI que él mismo había diseñado. El instrumento, mitad máquina y mitad juguete, interpretaba melodías mientras el artista tocaba la guitarra, como si quisiera dialogar con un reflejo digital de sí mismo. Con el paso de los años, esa invención dejó de resultarle útil. Decidió guardarla, convencido de que la distancia entre la persona y la tecnología había crecido demasiado. Ese gesto explica el origen de ‘Peanut’: un intento de recuperar la presencia física en la música, de volver a un terreno donde la ejecución y la voz sustituyen a la automatización. La decisión coincide con un periodo de transición personal. Tras varios alias y proyectos enredados en la estética electrónica (Memo Boy, Ronnie P o el hiperactivo OTTO), Benson eligió firmar con su propio nombre un conjunto de canciones que funcionan como un regreso a lo esencial.

El arranque de ‘Peanut’ con ‘Mr. Peanut’ deja ver ese cambio de enfoque. La percusión inicial parece hecha para sacudirse la electricidad acumulada de sus años anteriores, y enseguida cede espacio a una guitarra de cuerdas de nailon que marca el tono del disco. Los compases se arrastran sin prisa y el silencio se integra en el ritmo, como si cada pausa formara parte del relato. A continuación, ‘Red and Neon’ introduce la voz de Benson en un registro casi quebrado. “I’ve been here for hours / or maybe days”, canta con un temblor que transmite una mezcla de desconcierto y calma. El paso del tiempo se vuelve impreciso, reflejo de una mente que ha aprendido a convivir con la confusión de la exposición constante. En ‘Raisin’, ese desajuste se transforma en observación; la persecución de un insecto que termina siendo una pasa se convierte en una metáfora del modo en que la realidad cotidiana se distorsiona cuando se examina con exceso de atención.

La voz de Benson funciona como un hilo que une todos los fragmentos del disco. Su timbre fino y ligeramente rasgado transmite una sensación de fragilidad que busca claridad. ‘Tumor’ representa ese principio de manera directa. “There’s a tumor / it’s growing bigger”, repite sobre acordes lentos y una progresión que se desintegra en un zumbido sostenido. La canción reproduce la idea de algo que crece sin control, asociada al peso de su pasado como fenómeno viral. El cierre abrupto del tema deja al oyente en suspensión, sin alivio posible. En ‘Car Wash’, el tono cambia hacia la ironía: “I am clean / like the head of butterbean”, una línea absurda que convierte la limpieza en parodia del intento de purificación. Este contraste define gran parte del disco: Benson alterna la seriedad con el humor para describir el mismo proceso de desprendimiento, una manera de reconciliarse con su propia historia sin dramatismo.

La estructura del álbum da la impresión de un ciclo cerrado sobre sí mismo. ‘Soy Beans’ introduce un ritmo más ágil, con percusiones ligeras y coros que expanden el espacio sin romper la continuidad. ‘Witnessing’ se apoya en una guitarra que parece respirar entre los acordes, y los silencios actúan como partes del discurso. En el tramo final, ‘Catch You Later’ ofrece una despedida serena, un adiós sin dramatismo que reafirma la estabilidad alcanzada. Ninguna pieza busca imponerse sobre las demás, y esa uniformidad construye un relato coherente donde cada fragmento sirve para sostener al siguiente.

El tratamiento del sonido en ‘Peanut’ deja claro el propósito de Benson: reducir el espacio entre la acción y el resultado. Las guitarras mantienen un tono áspero, los pianos suenan lejanos y los pequeños ruidos del entorno se integran en la textura general. El oyente percibe cada detalle de la grabación, desde la respiración hasta el roce de las cuerdas, como si formaran parte de la composición. La elección del registro lo-fi no obedece a una nostalgia estética, sino a una forma de sinceridad. Benson ha preferido conservar las irregularidades antes que corregirlas, buscando que el sonido refleje la ejecución real. Esa decisión introduce un sentido de proximidad que convierte cada tema en un documento de presencia, una muestra tangible de la relación entre el artista y su instrumento.

El trasfondo de ‘Peanut’ está atravesado por una historia de exposición y desgaste público. Durante su etapa como Memo Boy, Benson vio cómo canciones grabadas en su habitación eran utilizadas por millones de usuarios en redes sociales y, en algunos casos, asociadas a mensajes de violencia o desesperación. Esa apropiación masiva lo llevó a abandonar su empleo en una empresa de sintetizadores y a replantear su vínculo con la música. Desde entonces, su trabajo se ha orientado hacia la búsqueda de contacto real con la audiencia, sin depender de los mecanismos que imponen las plataformas. Cantar y tocar la guitarra se transformaron en actos de resistencia frente a un sistema que convierte la creatividad en mercancía digital. ‘Peanut’ de Otto Benson recoge esa postura y la traduce en un conjunto de canciones que defienden la lentitud y la atención frente a la saturación de estímulos.

En las letras, Benson combina imágenes de lo cotidiano con un lenguaje directo que evita la abstracción. Prefiere hablar de objetos, lugares y situaciones concretas antes que recurrir a conceptos vagos. En ‘Raisin’, la insistencia sobre una fruta seca encierra una reflexión sobre la importancia de lo mínimo, y en ‘Tumor’ la figura del crecimiento incontrolado sirve para describir el efecto corrosivo de la fama viral. Su manera de narrar recuerda por momentos al tono sencillo de Arthur Russell, aunque Benson prefiere un registro más terrenal, apoyado en la observación y en el humor discreto. Esa combinación genera una sensación de cercanía: el oyente percibe que cada imagen tiene una referencia concreta, que todo lo descrito procede de algo vivido o contemplado.

‘Peanut’ plantea una idea clara: la necesidad de restablecer la conexión entre quien crea y quien escucha. Cada tema funciona como una conversación, no entre iguales abstractos, sino entre una persona que intenta comunicarse y otra que decide prestar atención. Benson entiende esa relación como un acto político en un entorno dominado por la automatización. Su apuesta por la sencillez y la transparencia implica un posicionamiento: el arte se construye a través del encuentro, no del cálculo. Por eso el disco evita los artificios espectaculares y se sostiene en la constancia del ritmo, en la voz que apenas se eleva, en el detalle que persiste. ‘Peanut’ de Otto Benson se convierte así en una reivindicación de la calma frente al ruido, un recordatorio de que la intensidad puede expresarse sin estridencias. En la carrera de Otto Benson, representa el momento en que el músico deja atrás los alias, asume su nombre propio y decide medir el valor de su obra por la honestidad del contacto que genera con quien la escucha.