Entrevistamos a

Japanese Breakfast

"Gran parte de mi música y de lo que ocupa la mayor parte de mis pensamientos en general es como tratar de ser una buena persona. "

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Michelle Zauner publicará este viernes vía Dead Oceans el nuevo trabajo de su proyecto Japanese Breakfast, encontrándonos ante un disco con un enfoque completamente radical a los dos logrados hasta la fecha. Después de afrontar todo lo que supuso la pérdida de su madre en el magnífico Soft Sounds From Another Planet, ahora llega el momento de luchar por su propia felicidad, plasmándolo en este nuevo Jubilee. A lo largo de estas composiciones la artista expresa de buena forma todo aquello que supone atravesar etapas vitales complicadas siendo consciente de como hay que remar en una dirección con la que poder emerger a la superficie y coger aire. De ahí que este conjunto de temas posea un espíritu más arrebatador e inmediato a la hora de ejemplificar como detrás de los tiempos oscuros se puede encontrar una voluntad por sentir que hay algo mejor. Manifestándose todo esto de forma clara en canciones como la inicial ‘Paprika’ o el single más claro de su carrera como es ‘Be Sweet’, Michelle otorga a sus temas de un mayor cúmulo de arreglos preciosistas, todo ello sin renunciar al componente electrónico tan pronunciado en algunos tramos de su carrera. Estando de este modo ante su trabajo más meticuloso y escrito desde una perspectiva vital más favorable, esta obra la confirma una vez más como una letrista atrevida y con una gran capacidad para transitar entre lo real y lo ficcionado de una forma muy natural. Aprovechando lo inminente de este nuevo trabajo, hemos tenido el placer de entrevistarla.

El título del disco, la forma en la que suenan parte de estas canciones y la actitud encerrada en ellas, nos conduce de lleno a esa esa lucha e ilusión por tratar de encontrar tiempos mejores. ¿Consideras que a la hora de componer las canciones de este disco reflexionaste mucho sobre la idea de lo que podría ser la felicidad y cuál podría ser el camino para estar más cerca de ella?

Sí, creo que como escribí dos álbumes basados en gran medida en el dolor y la pérdida, y luego escribí un libro entero sobre ello, sentí que estaba lista para comenzar un nuevo capítulo y no estar encasilla en los terrenos de las canciones tristes. Así que para mí, sentía que lo más inesperado que podía hacer como artista independiente con ganas de incorporar nuevas narrativas, era escribir sobre la alegría y todo lo que implica su experiencia humana. Así que fue muy divertido explorar la alegría en su más amplio sentido, ya que no todas las canciones de este disco se remiten a ese tipo de alegría plena. Hay canciones que hablan de la lucha por sentir la alegría o de cómo aprender a forjar la alegría para ti misma y luego protegerla. Incluso también hay una parte relacionada con recordarte a ti misma que debes sentir la alegría. Por todo ello me pareció que era un tema muy bonito para tratar de abordarlo en estas canciones.


 

Una frase que me ha llamado mucho la atención en el disco es el inicio de ‘Slide Tackle’ con “I want to be good. I want to navigate this hate in my heart somewhere better.” ¿Consideras que esta frase podría ser un buen resumen de todo lo que tratas de encontrar en este disco?

Sí, totalmente. Eso es, esta frase me parece un resumen genial. De hecho nadie me ha preguntado por esta frase hasta el momento. Creo que gran parte de mi música y de lo que ocupa la mayor parte de mis pensamientos en general es como tratar de ser una buena persona. Siempre me interesa saber que se espera de mí, a la par de como moverme por la vida luchando por ser la versión más inteligente, eficiente y generosa de mi misma. Así que creo que siempre he luchado por sentir eso o comprobar como siempre lo tengo en mente.

Muchas de mis canciones en realidad empiezan así. De hecho el principio del último disco empieza con esa idea de ser una mujer fuerte y esa idea de quiero sentirme mejor. Siempre siento que tengo que soportar la angustia que me hace cuestionarme si he trabajado lo suficiente para llegar a algún sitio concreto. Creo que muchas de estas cosas son una especie de recordatorio para saber que tengo que disfrutar de las cosas, porque nuestro tiempo en este mundo está muy limitado. Muchas veces cuando siento que he alcanzado logros increíbles, me olvido de disfrutarlos porque estoy centrada en seguir trabajando duro y creo que el capitalismo y el mundo se basan en olvidar eso a veces. Así que siento que este álbum es como un recordatorio para protegerme a mí misma de esto.

Si no me equivoco este es el disco en el que has incluido un mayor número de instrumentos, apareciendo arreglos muy orquestales como los de ‘Paprika’ o ‘Kokomo, IN’ que también cuenta con unos arreglos de cuerdas muy bonitos. ¿Desde un primer momento decidiste que en este disco te ibas a centrar más que nunca en todo relacionado con los arreglos de las canciones?

Creo que fue natural que las canciones necesitaran eso, pero también creo que por primera vez tuve la confianza para considerar escribirlas de esta forma. Mi co-productor Craig Hendricks escribió los arreglos de cuerda y trompa conmigo. Tal vez antes en mi carrera simplemente no habría tenido la confianza o el coraje de hacer algo así. Luego, en los últimos cuatro años de gira llegué a tocar con más músicos de cuerda y trompa, sintiendo la confianza de escribir algo para ellos. Ahora que hay mucho software que hace que sea más sencillo poder imaginarte el resultado final de todo, he estado trabajando con un programa increíble llamado Spitfire donde me bajo plugins y comienzo a hacer cosas de cuerda y teclados. También te digo que fue la primera vez que tuve el presupuesto para poder incorporar cuerdas de esa manera y al final creo que las canciones se prestan naturalmente a eso, a tener esa sensación de que todo suene un poco más grandilocuente.

"Siempre me interesa saber que se espera de mí, a la par de como moverme por la vida luchando por ser la versión más inteligente, eficiente y generosa de ti misma. Así que creo que siempre he luchado por sentir eso o comprobar como siempre lo tengo en mente. "

Algo que me fascina del disco es como logras una gran variedad de canciones que van desde un formato de pop guitarrero como el de ‘Savage Good Boy’ hasta un tono más clásico y reposado como el de ‘Tactics’, sin olvidarnos tampoco de los momentos más bailables como los de ‘Be Sweet’. ¿En algún momento te preocupó la coherencia sonora que pudiese tener el disco en su conjunto o sentiste desde un primer momento que las canciones estaban bien relacionadas entre sí en su sonido?

La verdad es que es algo que nunca he sentido, quizás porque pienso que todos mis discos son realmente una gran amalgama muy amplia de sonidos. Nunca me preocupo demasiado acerca de cómo se relacionan entre sí, porque en última instancia, yo soy la que está detrás de ellos, relacionándose entre sí de esa manera debido a que yo los escribí y fui una parte importante en su producción. Me gustan mucho los discos donde las canciones suenan realmente diferentes entre sí. También tengo la sensación de que la gente a la que no conozco siempre les ha gustado esa parte mía en los discos. Las canciones necesitan lo que necesitan y mi objetivo es simplemente poder proporcionarle a la canción lo que precisa de forma natural.

‘Be Sweet’ fue escrita junto a Jack Tatum y creo que contiene un poco la esencia también de la última etapa de Wild Nothing, sobre todo en los sintetizadores ochenteros. ¿Cómo fue el proceso a la hora de escribir la canción?

Fue algo genial. Jack Tatum y yo tenemos la misma compañía editorial, la cual me dijo que a Jack le encantaba mi música y que estaría bien que participase en su nuevo disco. Luego ocurrió al revés, que yo les comenté que también me encantaba lo que hacía él. Así que los dos nos reunimos sabiendo que queríamos colaborar en las canciones del otro. En lugar de pensar que podríamos escribir una canción pop y venderla a otros artistas, decidimos que mejor tenía que jugar a nuestro favor y que viese la luz en nuestros propios trabajos. Esto fue en febrero de 2018 cuando llegué con esa especie de línea de sintetizador. Luego creo que le mostré esta banda de funk coreana llamada The Bunny Girls con su canción ‘Boomerang’.

De esta forma surgió a esta increíble línea de bajo que realmente inspiró toda la canción. Jack es un auténtico maestro para las melodías, tiene un oído increíble para el tono y es súper perfeccionista, algo que contrasta con mi forma a veces de trabajar que es más azarosa. Por lo tanto unir nuestras cualidades fue algo muy bonito y acertado. Al final la veo muy diferente a las canciones que suelo hacer en solitario, porque tal vez al principio no estábamos pensando que este tema iba a ser para nosotros, pero me encantó la canción tanto que quería mantenerla. El tema tiene también algo de Janet Jackson, Whitney Houston y Madonna, con un tipo de sensación de los años 80. Desde un primer momento tuve la intuición de que estábamos construyendo un gran tema.

 

‘Posing in Bondage’ es una canción que llama mucho muy atención, atravesando diferentes fases y destacando sobre todo los momentos electrónicos donde los graves resultan muy destacados. ¿Consideras que a través de esta canción intentaste salir de tu zona de confort y explorar nuevas texturas relacionadas con una electrónica más oscura y densa?

Cuando escribí esa canción, tenía este tipo de producción en mente, pero no sabía cómo llegar allí. Jack Tatum produjo la mayor parte de ella y supo realmente por donde la quería llevarla yo, haciendo que ese sinte estuviese cargado de tensión y tuviese esa calidad extra para que todo sonase con más fuerza. Resulta muy apropiado para la letra de esa canción porque recoge el dolor que sientes cuando estás aprisionada. También quizás me inspiré en lo que se supone que aparece cuando alguien está llamando al amor, siendo esto una situación muy completa donde los arreglos requerían de unas texturas sintéticas más industriales y oscuras.

‘Sit’ es otra de esas piezas poderosas donde logras incluso que los sintetizadores suenen casi metálicos y poderosos. ¿Crees que a la hora de componer esta canción buscaste llevar más lejos toda la oscuridad e intensidad que se muestra en la parte sintética?

Sí, realmente me peleé mucho con esa canción. No sabía como quería que fuese durante mucho tiempo. De nuevo esta también tiene un cierto tono romántico y lleno de deseo y anhelo. En este caso Craig fue el productor sabiendo que quería lograr algo más bien extraño. Yo la empujé con todo lo que sugiere la guitarra, alternando entre momentos tormentosos y otros totalmente ligeros. Ahora pienso que esta canción representa tanto el cielo como el infierno, porque tiene algo liberador y que al mismo tiempo te hace sentir sentimientos turbulentos. De ahí que me tuviese que tomar mi tiempo y desentrañar el misterio que encerraba.

"Muchas veces cuando siento que he alcanzado logros increíbles, me olvido de disfrutarlos porque estoy centrada en seguir trabajando duro y creo que el capitalismo y el mundo se basan en olvidar eso a veces. "

Escuchando detenidamente las letras de este disco, respecto a lo que mostraste en ‘Soft Sounds from Another Planet’, creo que en esta ocasión están más enfocadas a mostrar algo parecido a las páginas de un diario, resultando muy directas y confesionales. ¿Crees que en este disco ha cambiado algo respecto a tu forma de escribir las letras?

He escrito más canciones de ficción de lo que la gente cree, ya que me gusta mucho pensar desde la perspectiva de un personaje. Sin embargo creo que puede ser más evidente en este álbum, porque los dos últimos, como la narrativa principal fue mucho sobre mi vida y la pérdida, sonaban más apegados a mí. Una cosa que es realmente maravillosa acerca de escribir canciones es que resulta bastante fácil fluir sin problemas entre la ficción y la no ficción. A veces partes de la experiencia humana se explora mejor a través de tus experiencias personales y a veces se explora mejor a través de otras perspectivas como ponerte a pensar en personajes, dependiendo de lo que quieras escribir. Para la canción como ‘Savage, Good Boy’, leí un titular sobre multimillonarios comprando búnkeres y me interesaba explorar esa perspectiva de un multimillonario que puede racionalizar este acaparamiento de riqueza a un nivel realmente alto.

Nunca he tenido un búnker, pero ciertamente siento que, puedo relacionarme con esa perspectiva de querer sentirme protegida, como saber que estaré a salvo si pasa algo. Por la cabeza de todo el mundo puede pasarse en algún momento algo así. Luego ‘Kokomo, IN’ es sobre un chico que vive en Kokomo, Indiana y se despide de su amante. Nunca he sido un chico joven en Kokomo despidiéndose de su amante, pero he sido una adolescente creciendo en un pueblo pequeño y sé lo que es tener una relación antes de sentir que realmente estás preparada para tener una. Así que me gusta realmente poder reflejar diferentes perspectivas vitales.

En ‘Paprika’ me encanta cuando cantas “How’s it feel to be at the center of magic? To linger in tones and words?” Creo que resulta una fase muy poderosa y sugestiva. ¿Te resultó complicado llegar a ella?

Sí, esa canción es como una especie de reflejo del bloqueo del escritor, en cierto modo. Creo que fue una especie de recordatorio para mí misma de tomarme las cosas con más calma y dejar que sucedan de forma natural. Ya sabes, es casi como una conversación entre dos partes de ti misma donde siento que debo pasar por algún tipo de angustia con el fin de hacer buenas canciones. Por otra parte me digo a mí misma que tengo que disfrutar de la vida que siempre he querido, ya sabes, todo lo bueno que tiene ser artista. Finalmente he llegado a ello y no tengo que sentirme constantemente angustiada todo el tiempo.

 

Seguramente la parte más nostálgica, triste y emotiva del disco llega con canciones como ‘In Hell’ y ‘Tactics’. ¿Crees que estas dos canciones quizás sugieren sentimientos bastante diferentes al del resto del disco?

Siento que hablar de nostalgia le sienta muy bien a estas canciones. Quiero decir, escribí ‘In Hell’ pensando en como mi padre que se ha convertido en un auténtico extraño para mí. Fue realmente difícil sentarme y escribir sobre ello, pero al final, tuve que darme cuenta de que tenía que anteponer mi felicidad por encima de mi sentido de la responsabilidad, una decisión complicada de tomar. Al mismo tiempo suena como una canción de amor sobre distanciarte de alguien, ya sabes, la necesidad también de hacer eso por tu salud mental. Para poder proteger y preservar mi alegría, necesitaba alejarme de alguien del que era muy difícil de alejarme. Así que me siento como si pusiera mi alegría en primer lugar. Es una decisión muy difícil que tienes que afrontar en la vida y que encaja muy bien con la temática del disco. Quizás la canción más triste que he escrito. Creo que en cierto modo existe en este disco porque es una especie de prueba de que la alegría sigue siendo posible incluso después de pasar por algo así.

‘Posing for Cars’ es una canción que también muestra sentimientos a flor de piel, recuperando ciertos recuerdos del pasado para acabar de una forma muy liberadora e intensa con un gran solo de guitarras. ¿Desde el primer momento concebiste este tema pensando en que tuviese dos partes bien diferenciadas y con un gran contraste?

Sí, me inspiró mucho la canción de Wilco ‘At Least What’s You Said’. Me encanta la idea de poder tener una canción muy acústica y tranquila en el disco. El tema en cuestión trata de dos personas que luchan por entenderse. Siento que el solo de guitarra se supone que representa todo lo que no se puede decir, ya sabes, es como una narrativa de todas las cosas que no puedes decir en voz alta con palabras.

"He tenido mucha experiencia en todo lo relativo a lo que supone exponerse al público. El ser músico es un medio realmente único en el que como la mayoría de la gente puedo difundir mi vida personal a través de algo artístico. "

Aunque no sueles incluir referencias muy claras a temas políticos, en ‘Savage Good Boy’ reflejas muy bien la figura de un hombre totalmente avaricioso con una gran ironía, que se enfatiza con los coros que aparecen en el tema. ¿Crees que esta canción quizás puede abrir la puerta para que en un futuro introduzcas canciones con mayor temática política y social o crees que es algo muy puntual en tu música?

Es una canción que representa muy bien los tiempos que corren, por lo que no resultó nada forzada. No me siento una mente brillante en cuestiones políticas, pero al mismo tiempo me gusta poder mostrar el sentido de la responsabilidad que una tiene que tener cuando es una artista y posee cierta visibilidad. Al mismo tiempo, cuando quiero mostrar cuestiones políticas, tienen que llegar a mi música de una forma muy auténtica y natural. No quiero forzarlo. Así que, por suerte, esa canción surgió del sentirme preocupada. Solo espero que lleguen más de este tipo de canciones porque siento que representan cuestiones importantes.

Recientemente has publicado el libro ‘Crying in H Mart’ en el que repasas determinados momentos de tu vida. ¿Para ti fue difícil el proceso de escribir un libro con tantos detalles tan personales o en ningún momento sentiste miedo o dudas a la hora de compartir momentos tan íntimos de tu vida?

Intento no pensar en ello. Quiero decir, hubo algunos momentos en los que me dio por pensar, pero la mayoría de las veces intenté no pensar en otras personas y centrarme en la historia como si fuera totalmente privada. Creo que en cierto modo he tenido mucha experiencia en todo lo relativo a lo que supone exponerse al público. El ser músico es un medio realmente único en el que como la mayoría de la gente puedo difundir mi vida personal a través de algo artístico. Así que creo que estaba mejor preparada para escribir unas memorias en ese sentido, porque estoy acostumbrada a que la gente sepa mucho sobre mi vida.

 

El año pasado publicaste un EP junto a Ryan Galloway de Crying, creando de este modo la banda Bumper. ¿Consideras que a través de este proyecto pudiste obtener alguna idea nueva para desarrollar en la música de Japanese Breakfast o crees que son proyectos muy diferentes y para nada conectados?

Son proyectos realmente diferentes. Jubilee de hecho se hizo antes de que surgiese Bumper. Realmente en este disco no quería escribir sólo música pop, quería escribir algo realmente único, extraño e interesante. Pero por supuesto, tiene algo de sensibilidad pop. Sin embargo, con Bumper sólo quería escribir música pop, algo así como las canciones más pegadizas y divertidas que pudiera. Eso fue muy divertido, el lograr un lanzamiento así, en el que no estuviese preocupada por lo que la gente pensase de mí como artista. Todo esto de escribir canciones pegadizas lo veía como un experimento, enfocándolo todo en una dirección más clásica y menos electrónica.

 

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para la siguiente banda a entrevistar. ¿Cuál es la tuya?

Bien, me gustaría preguntar, ¿qué es algo que aprendiste de tu último disco que aplicaste para tu nuevo álbum? O si este es su primero, ¿qué es algo que aprendió en el proceso de escribir su nuevo disco que sabe que le conducirá al próximo?

Del mismo modo tenemos para ti una a cargo de Ian Sweet: si pudieses ser un animal, ¿cuál serías?

Oh, conozco a Jilian, me gusta mucho lo que hace. Creo que sería una nutria. Me encanta mucho su comportamiento apacible.

Joven teleco que escribe sobre grupos guays. Woods y Jeremy Jay me molan mucho.

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