Sarah Meth ha encontrado en las limitaciones económicas una forma de ampliar sus posibilidades creativas. La londinense entiende que sacar adelante sus canciones implica aprovechar los recursos disponibles, recurrir a las personas que tiene cerca y conceder espacio a ideas que quizá habrían quedado fuera de un proceso más planificado. Esta manera de trabajar atraviesa ‘Something Shameful’, su primer álbum de larga duración, publicado a través de su propio sello, Wishbone. Meth asume buena parte de las tareas de composición, producción y mezcla, aunque también reserva un lugar esencial para quienes participan en sus grabaciones. En su opinión, la independencia artística puede convertirse en una exigencia especialmente pesada para las mujeres que trabajan en solitario, acostumbradas a sentir que deben acreditar constantemente sus capacidades. Frente a esa presión, ha aprendido a conceder prioridad a las necesidades de cada canción, recurriendo a colaboradores cuando sus aportaciones permiten llevar las ideas más lejos.
Esa disposición también explica la importancia que concede a los vínculos que mantiene con otros músicos. A través de las fiestas Wishbone, Meth reúne a artistas cercanos y convierte sus inquietudes creativas en encuentros compartidos. Sus amistades también alimentan su manera de escribir, como sucede en ‘Something Shameful’, un disco cuyos personajes proceden en buena medida de las personas que conoció durante un viaje a Nueva York en 2024. Aquellos encuentros le permitieron descubrir cómo cambiaba su forma de relacionarse consigo misma al encontrarse fuera de Londres. Esta mirada hacia las relaciones personales adquiere otra dimensión en ‘Don't Touch Me You're My Hero’, canción en la que aborda las situaciones incómodas que afrontan las mujeres dentro de la industria musical. Meth recurre al humor para transformar esas vivencias en una pieza que señala los comportamientos y las relaciones de poder que todavía condicionan el trabajo creativo. La libertad que encuentra al convertir determinadas situaciones en canciones también aparece en su forma de organizarse, rodeándose de personas con las que comparte inquietudes y ganas de hacer cosas. Entre la autonomía que reclama para sus composiciones y el valor que atribuye a las aportaciones ajenas, Sarah Meth mantiene abierta una cuestión que atraviesa su trabajo: hasta dónde puede llegar una idea cuando deja de pertenecer exclusivamente a quien la imaginó.
¿Cómo recuerdas tus primeros encuentros con la música durante la infancia? ¿Hubo algún momento decisivo que te hiciera darte cuenta de que querías dedicarte a esto para siempre?
Mi madre siempre ha contado que de pequeña cantaba en el váter. Una vez me recogió del colegio y mi profesor le dijo que llevaba un rato fuera de clase y que, cuando me encontraron en el váter, se sorprendieron al oírme con semejante vozarrón. Enseguida empecé a dar clases de guitarra con el profesor de música del colegio, que se llamaba Alan y me enseñaba los acordes de las canciones que me gustaban para poder acompañarme. Él organizaba las asambleas de música del colegio todos los viernes y un día me llamó y toqué 'Hallelujah', de Leonard Cohen, que había visto cantar a Alexandra Burke en 'X Factor' y luego había descubierto la versión de Jeff Buckley. A partir de ahí se volvió algo habitual: subirme a la asamblea y cantar delante de todo el colegio de primaria. Desde Coldplay y Black Eyed Peas hasta canciones que había escrito yo a esa edad. Todo esto suena muy de Rachel Berry, pero se acabó cuando empecé el instituto y me volví cada vez más tímida y me daba vergüenza escribir canciones o cantar. Seguí haciéndolo estrictamente en la intimidad de mi habitación y no fue hasta que entré en la BRIT School cuando volví a tocar delante de mucha gente.
Creciste rodeada de armonías corales y clases de guitarra tocando tus canciones favoritas. ¿Cómo dirías que ese bagaje inicial influye hoy en tu proceso de composición?
Me entrenó el oído, que es básicamente la razón por la que puedo hacer cualquier cosa musical, porque nunca he sabido leer música ni sé cómo se llaman la mitad de los acordes que escribo. También me enseñó mucho sobre trabajar como un equipo para crear un muro de sonido. Mis canciones suelen tener muchos coros y armonías, y eso ha sido una seña de identidad mía desde que empecé a grabarlas. Creo que viene de una mezcla entre estar en ese coro y crecer escuchando mucho a bandas como The Beach Boys o The Mamas and the Papas.
Si miras atrás, a las canciones que te han acompañado a lo largo de tu vida, ¿hay algún tema o disco que sientas que definió por completo tu adolescencia?
Probablemente tendría que ser 'I Know It's Over', de The Smiths. Lo descubrí con unos 17 o 18 años y enseguida se convirtió en mi canción favorita para versionar. Todavía la canto de vez en cuando en mis bolos en solitario y es como encontrarte con un ex. Me recuerda mucho a esa etapa de transición en la que dejas el colegio y empiezas a ser una persona en el mundo. Antes pensaba que la cantaba sobre relaciones pasadas, pero cuanto más la cantaba más me daba cuenta de que la cantaba sobre mí misma, como todas las grandes canciones, en mi opinión.
"Mucho de hacer las cosas de forma “DIY” consiste en aprovechar lo que ya tienes alrededor."
Durante tu etapa en la BRIT School coincidiste con gente como Black Midi, Olivia Dean y Lola Young. ¿Cómo era el ambiente allí y cómo te marcó compartir ese periodo con ellos?
Veo esa etapa como algo fundamental para quien soy ahora como artista. Era un lugar especial y único, sin duda. Empecé en la BRIT obsesionada con Amy Winehouse, y resultó que todas las demás cantantes de allí también lo estaban. Eso me empujó a empezar a escuchar a otra gente, como Karen Dalton o Linda Perhacs, y a descubrir mucha música por la que nunca pensé que me influiría. Entré en ese colegio con un plumífero de North Face y salí con una cesta de madera y pulseras hasta el codo. Era muy distinto del colegio normal porque había muy pocas plazas y todos los de la rama de música éramos críos raros con ganas de crear cosas. A los 16 años nos obligaban de verdad a cuestionarnos y a descubrir quiénes estábamos siendo como individuos. Si alguien intentaba “encajar” y ser como otro, cantaba muchísimo, porque ya éramos todos muy distintos entre nosotros. También fue una experiencia muy valiosa tener por primera vez adultos que creyeran en nuestras creaciones musicales privadas y que nos tomaran en serio como personas creativas. Me siento muy afortunada de ser de Londres y de haber entrado. Debería haber BRIT Schools en todas partes para quienes no crecieron con el mismo acceso.
En el videoclip de tu single 'Don't Touch Me You're My Hero' aparecen figuras de la escena como Charlie Steen y Charlie Forbes, de Shame, además de Louis O'Bryen y Lincoln Barrett, de Sorry. ¿Cómo surgió la idea de darle esa mirada juguetona a los clichés de la industria?
Estaba sentada en el metro, yendo de un sitio a otro para ver a varios amigos, y tuve una idea genial. Mucho de hacer las cosas de forma “DIY” consiste en aprovechar lo que ya tienes alrededor. Creo que las limitaciones económicas pueden traer una libertad que te hace pensar de otra manera y asumir más riesgos creativos. Tengo muchos amigos en bandas y tenía en la cabeza esta imagen de chicos de bandas devolviéndome el reflejo de cómo me han hecho sentir.
Un viaje bastante caótico a Nueva York supuso un punto de inflexión en tu proceso creativo reciente. ¿Qué significó para ti escribir y conectar con gente nueva en un entorno tan distinto de Londres?
Significa muchísimo para mí. Tengo la suerte de estar en Londres, pero poder conocer a músicos de otros lugares y escuchar cómo eso ha influido en su trabajo me parece fascinante e inspirador. Sobre todo este año: conocer bandas en SXSW de Estados Unidos, México y Australia, muchas de las cuales aún no habían tocado en el Reino Unido. Ver música en los patios y las casas de la gente en los conciertos no oficiales fue algo muy especial. En Londres hay una falta real de ese tipo de experiencias creativas, aunque creo que eso está empezando a cambiar. ¡En Texas hubo un concierto en un supermercado!
Has mencionado que te encargas de gran parte de la producción y la mezcla, pero también te rodeas de amigos cercanos y colaboradores. ¿Cómo compaginas ese lado más casero e independiente con el trabajo en equipo?
Creo que ambas cosas son realmente esenciales para que me sienta realizada. Cuando eres una artista solista y mujer, y además independiente, puede haber una necesidad creativa o una expectativa interiorizada de hacerlo absolutamente todo tú misma. De hacer exactamente lo que quieres hacer y construir el mundo como quieres, pero también de “demostrar” que puedes. Tener esa cualidad está genial y es necesaria para tener tu propia identidad como artista, pero he aprendido, sobre todo con este disco, que la prioridad siempre tiene que ser lo que es mejor para las canciones. A veces eso es una misión en solitario en la que lo haces todo al estilo Lena Dunham (escribir, interpretar, producir, hacer el vídeo, el artwork y todo tú misma), pero mis capacidades en solitario tienen un límite a la hora de ejecutar todo el universo de una canción. Una colaboración de algún tipo, ya sea grabar a la banda con un ingeniero o coproducir con una amiga, crea un momento musical que va más allá de lo que mi cerebro podría imaginar por sí solo y hace que algo bueno sea más grande que todos nosotros. ¡Es la mejor sensación del mundo!
"Las limitaciones económicas pueden traer una libertad que te hace pensar de otra manera y asumir más riesgos creativos"
Tu sonido mezcla elementos de jazz de salón, pop atmosférico y toques de folk, con una voz muy cálida. ¿Cómo definirías la evolución de tu identidad musical desde tus primeros temas hasta ahora?
Creo que he ganado mucha más confianza en mis propias capacidades, y eso se nota en el plano sonoro. También he encontrado a las personas y la comunidad adecuadas con las que trabajar, tanto entre bastidores como en lo musical. Siempre ha habido ciertos temas que se han mantenido constantes, como los coros y armonías destacados o mi timbre de voz. Pero, igual que he evolucionado de adolescente a adulta, la música también lo ha hecho.
Has mencionado que te encantaría pasar una hora con figuras como James Baldwin o Ian Dury. ¿De qué manera crees que su habilidad con las palabras inspira tus propias letras?
Supongo que porque ambos son muy ellos mismos. Los dos tienen la capacidad de ser extremadamente juguetones y, a la vez, profundamente profundos. A menudo pienso que esas dos capacidades están conectadas en la vida y que se necesitan mutuamente.
Tienes una conexión muy especial con la escena musical en directo de Londres y su circuito de salas independientes. ¿Qué es lo que más valoras de actuar en espacios pequeños e íntimos, cerca del público?
Actuar en un espacio íntimo sin duda te expone más, y puede ser una oportunidad para probar material que también es vulnerable. Creo que también está la sensación de que quien está allí es porque realmente quiere estar. Aporta una sensación de comunidad a ciertos espacios que guardan muchos recuerdos distintos a lo largo de los años. Me parece especial tener salas donde amigos y yo hemos tocado en el mismo escenario en distintos momentos de nuestras vidas y carreras. Creo que siempre que voy a la George Tavern...
Estás muy metida en la escena musical de Londres y en su red de artistas. ¿Cómo describirías el ambiente que hay y qué es lo que más te gusta de formar parte de él?
Desde fuera, puede ser fácil que parezca que hay una gran escena en Londres, pero creo que la realidad es que hay muchísimas escenas distintas que se mezclan y brotan unas de otras. Lo que más me gusta es tener acceso a tanto talento versátil; es genial para mantenerme inspirada y motivada.
Sigues de cerca el talento emergente de la ciudad. ¿Hay alguna banda joven o artista nuevo de por allí que nos recomiendes escuchar ahora mismo?
LOLA. Son un trío afincado en Londres, aunque la cantante, Laura, es originaria de Alemania. Hemos tocado juntos en varios conciertos y me encanta su música. El primer y único concierto en una casa en Londres en el que he tocado lo organizó ella.
En todas nuestras entrevistas nos gusta que los artistas dejen una pregunta para la próxima banda que entrevistamos. ¿Cuál es la tuya?
¿Qué canción tuya le recetarías a la tú de 10 años y a la tú de 80?
Del mismo modo, tenemos una para ti de Death Valley Girls: si pudieras elegir a cualquier músico o banda de cualquier época para versionar uno de tus discos, ¿quién sería y por qué?
Quizá Tom Waits, porque mi padre y mi amiga Lula se pondrían muy contentos.
