Entrevistamos a

Pinegrove

"Estoy escribiendo para intentar saber que pasa en mi mente, en mi vida y en mi corazón, buscando que las canciones puedan ser reconfortantes pero también desafiantes a la hora de poder crecer como persona. "

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Pinegrove regresaron a principios de año con Marigold, su cuarto trabajo con el que lograron dejar atrás la última y complicada etapa que vivió el líder de la banda Evan Stephens Hall. Con esperanzas renovadas y un nuevo impulso compositivo, este disco nos dejó ante una cara más relacionada que nunca con el country alternativo en la ejecución de algunos temas, todo ello sin disolver por completo la impronta de sonido emo que les sirvió para despegar definitivamente en su segundo trabajo Cardinal.

A lo largo de estas canciones se puede percibir como los ambientes recreados resultan algo más favorables, o al menos conservando cierta esperanza frente al futuro. A pesar de ello, las sombras y reflexiones alrededor de la soledad, tener el corazón roto o alejarse cada vez más de uno mismo vuelven a estar muy presentes, encontrándonos ante una lírica que no se anda con rodeos y nos traslada de lleno al epicentro de sus historias. Toda una reafirmación de cómo el grupo sabe conectar con su público en el que seguramente sea su mejor disco hasta la fecha. Aprovechando estos días de ausencia de conciertos debido a la cuarentena, tuvimos la ocasión de entrevistar a Evan.

¡Hola Evan! ¿Qué tal estás llevando estos días de cuarentena?

Están siendo demasiado extraños. Aquí hoy hace el sol y estoy aprovechando un poco en el jardín, paseando en círculos tratando para hacer algo de actividad. Estos días estoy dándole muchas vueltas a cómo habrá un montón de gente en circunstancias muy difíciles.

Claro, dentro de lo que cabe habrá gente que esté en una condición más desfavorable para afrontar esto.

Eso es. Seguro que hay personas que se encuentren encerradas con otras y la sintonía entre ellos no sea muy buena, o simplemente el hecho de vivir en un espacio pequeño. Esto afecta a todo el mundo pero está claro que a unos más que a otros.

 

Vamos allá con la entrevista. Algo me que llama la atención con el paso de vuestros trabajos es cómo vuestro sonido se ha ido moviendo de algo más emo hasta un ambiente propiamente country, como bien se observa en algún momento de este trabajo. ¿Crees que este tipo de sonidos siempre ha sido muy importante para ti?

Sí, desde luego, creo que poco a poco han ido cobrando más importancia en nuestra música. Cuando era pequeño, era la música a la que me sentía conectado porque me resultaba muy melódica. Siempre me he sentido atraído por las canciones que se podían escuchar y cantar fácilmente. Quizás esto es debido a que desde pequeño escuchaba con mi madre mucho a Emmylou Harris y Lucinda Williams. Luego creo que me fui desplazando a otros artistas que también han influido mucho en la canción americana como Neil Young, e incluso me atrevería a decir que Los Beatles. De hecho siento que cada vez trata de escribir mis canciones un poco más orientado hacia estos clásicos.

Me gusta mucho como en ‘Dotted Line’, la primera canción del disco, en el estribillo cantas “'Cause I don't know how but I'm thinking it'll all work out”, mostrando una frase muy optimista y guiada por la intuición. ¿Crees que esta frase muestra un poco la intención de expresar un mayor optimismo en este disco?

En cierta medida sí. Mi intención es tratar de hacer que la música que escribo suene esperanzada en algún momento. Al mismo tiempo también estoy tratando de admitir el sufrimiento y el reconocer los retos que plantea el mundo, o al menos, mi propio mundo. Creo que es importante que todo tampoco suene muy optimista, porque nadie cree a una persona que lo es completamente. Es algo que no es algo real en un mundo plagado de tanta lucha y dolor. Por lo tanto, esta estrofa creo que sirve un poco como complemento a otras. Sin ir más lejos la primera frase del disco es “ignore the wreckage on the shoulder”, intentando crear cierta tensión entre estos polos un tanto opuestos de las canciones y aterrizar en una cara un poco más amable y optimista.

"Mi intención es tratar de hacer que la música que escribo suene esperanzada en algún momento. Al mismo tiempo también estoy tratando de admitir el sufrimiento y el reconocer los retos que plantea el mundo, o al menos, mi propio mundo. "

He leído que ‘No Drugs’ al principio iba a formar parte de vuestro anterior disco Skylight. Cuándo compones tus temas, ¿normalmente los tratas de relacionar con canciones pasadas o incluso comenzarlos a escribir desde un sentimiento que te han sugerido otras de tus composiciones?

Esta pregunta es muy buena. Lo cierto es que sí, siempre busco componer temas que se puedan relacionar entre sí. Para mí, cuando te pones a escribir un disco tienes la oportunidad de contar una historia. Desde luego que ‘No Drugs’ no me encajaba muy bien en la historia que pretendía contar en Skylight, pero sí en la de Marigold. Lo que acostumbro a hacer es crear los temas y más o menos cuando están al 85% o así, me paro y pienso en qué tipo de canción estoy componiendo y cómo encaja con el resto de temas que he estado haciendo. Esta reflexión para mí es muy importante a la hora de rematar un tema y saber en qué lugar del disco irá ubicado.

‘Alcove’ quizás es el tema que se percibe de una forma más nostálgica a lo largo del disco porque mencionas a tu familia y a los amigos del este. ¿Crees que durante tus procesos creativos sueles tener muy en mente a la gente que echas de menos?

Desde luego. Muchas veces cuando estoy escribiendo pienso mucho en todas las cosas que me rodean y la gente que me importa, esté cercana o no. Pensar en todo ello es lo que me aporta la electricidad en mis temas. Es donde realmente voy a encontrar el amor y el dolor aparte de asaltar las grandes cuestiones de la vida. Creo que todos estos sentimientos siempre se encuentran en los rincones de tu mente donde están las personas a las que amas.

 

Adentrándonos un poco más en la forma en la que afrontas tus temas, nunca has ocultado situaciones difíciles como las presentes en este trabajo en ‘Moment’ cuando cantas “I'm in this moment And I can't see past it I'm in this disaster”. ¿Sientes que en muchos de tus temas te estás enfrentando todo el rato a tus miedos y las situaciones más críticas?

Lo cierto es que esto me ocurre bastante. En muchas ocasiones estoy tratando de crear canciones que de forma explícita me puedan proporcionar ánimo. En este tema en cuestión, ‘Moment’, traté de explorar un poco la forma en la que hay que ser paciente en la vida. Sin embargo no acabé del todo reflejándolo, del mismo modo que esta frase que me mencionas no hace referencia concreta a ningún episodio de mi vida. Más bien creo que al final lo que me encontré en este tema fue más bien ese sentimiento doloroso que es la impaciencia y como te hace sentir triste.

Un poco la conclusión podría ser que aunque estés en un momento muy crítico, hay que tratar de ver que simplemente es eso, un momento. Por ejemplo si estás en un atasco terrible, debes de saber esperar y saber que no te queda otra. Intentar de tratar de enmarcar esa experiencia en algo concreto y ver cómo puedes empatizar con la situación.

"En muchas ocasiones estoy tratando de crear canciones que de forma explícita me puedan proporcionar ánimo. "

‘Neighbour’ es una canción en la que hablas en cierto sentido del maltrato animal y como se debería tener en cuenta más a todas las criaturas. ¿Crees que a través de este tema intentas combatir un poco la frustración que te producen situaciones de este tipo?

En este tema creo que trato de explorar un poco mi relación con las criaturas de este mundo, de una forma que no solo alcance a cómo me relaciono con los humanos. El sentir un poco lo que significa pertenecer a una comunidad y que supone todo ello en relación a la naturaleza, intentando salirme un poco del concepto de comunidad solo formada por seres humanos. Vivo al norte de Nueva York, en un entorno rural bastante bonito, con tierras de cultivo donde también hay muchos animales. De hecho hay mucha vida animal pero también mucha muerte. Realmente las estadísticas de animales muertos son sorprendentes.

Es difícil no sentirse un poco responsable porque si bien es cierto que a veces estas muertes son accidentales, en muchas otras ocasiones son totalmente intencionadas a manos de la gente. Puede ser desde la obsesión por la caza o por un accidente de coche, o simplemente un insecto que mato en mi jardín cuando tan solo tiene dos días de vida. Todas estas cosas me hicieron replantearme mi lugar en el mundo y considero que al escribir una canción como esta, quizás alguien que la escucha pueda también replantearse todo esto de una forma parecida.

 

‘Endless’ es una de mis canciones favoritas en el disco, mostrando de una forma precisa ese sentimiento de que todos los días son el mismo pero reflejando un final algo esperanzado. ¿Crees que tu rutina diaria también supone un estímulo para escribir?

En esta canción más bien trataba de describir el sentimiento de soledad que deja el paso de los días. Ya sabes, cuando tienes esa sensación de que todo se repite. Una sensación similar a guando un paciente siente que pasan los días y se encuentra totalmente solo. Esta fue un poco mi intención. Sin embargo hay un mensaje aún más claro que es el de saber que esto no siempre va a ser así, que vas a encontrarte situaciones mejores en el futuro. Quizás esto no te va a ocurrir en el mismo sitio en el que estás ahora, pero sí que lo vas a explorar a través de por ejemplo en un grupo de amigos que conocerás en otra ciudad.

Simplemente se trata un poco de darte cuenta de la situación es la que es, algo que puede ser un poco duro. Creo que el sentimiento de sentirse solo es algo que compartimos todos, por lo que resulta bastante fácil ser empático cuando te encuentras a alguien en esa situación. Esto te llevará a abrirte a los demás y poder entenderlos mejor. Lo que me encontré con esta canción fue el hecho de identificar el dolor y el sufrimiento y saber que supone un reto dejarlo atrás para poder conectar con los demás.

Creo que tus letras siempre resultan muy directas, mostrando las acciones que tienen lugar y los sentimientos de una forma muy clara. A la hora de escribir tus letras, ¿siempre tratas de evitar caer en un lado críptico o confuso?

Trato que mis letras sean accesibles para la gente. Que puedan identificarse dentro de las situaciones planteadas. Siempre que canto lo hago en primera persona porque siento que es una buena oportunidad para que otra persona pueda cantar conmigo y localizarse en un lugar imaginario sintiéndose el protagonista. Por lo tanto, mi esperanza es que las canciones sean lo suficientemente flexibles a la hora de que la gente se pueda introducir de lleno en ellas. Al mismo tiempo, estoy escribiendo para intentar saber que pasa en mi mente, en mi vida y en mi corazón, buscando que las canciones puedan ser reconfortantes pero también desafiantes a la hora de poder crecer como persona. Me parece muy bonito pensar que todo esto que hago pueda ayudar a otras personas.

"Siempre que canto lo hago en primera persona porque siento que es una buena oportunidad para que otra persona pueda cantar conmigo y localizarse en un lugar imaginario sintiéndose el protagonista. "

Me gusta mucho como ‘The Alarmist’ muestra una especie de conversación interior contigo mismo. ¿Ves esta canción como el momento del disco como un punto de inflexión a la hora de mostrar aún más de tus pensamientos?

Sí, un poco sí. Creo que a lo largo del disco hay varios. Se trata de un ejercicio de honestidad. Busco revelar todas esas cosas sobre mí mismo que no entendía cuando comencé a escribir el tema. El objetivo es el de bucear en ti de una forma honesta. Hacerte preguntas aunque las respuestas sean muy raras, pero teniendo en cuenta que lo importante es plantearte las cosas.

‘Marigold’, el tema que cierra el disco, llega de una forma totalmente instrumental y muy ambiental. ¿Desde el principio tuviste caro que el disco se iba a cerrar de esta forma?

Efectivamente, lo tenía planeado desde el principio. Me sentía bastante atraído por la idea. En primer lugar lo hice porque me gustaba mucho un sonido más complejo y que al mismo tiempo aportase bastante paz, ya que resulta una canción bastante meditativa. Al final solo grabamos 6 minutos del tema, sin embargo cuando escucho canciones de este estilo me encuentro que duran desde 15 a 45 minutos.

La intención consistía en que el tema pudiese llevar al oyente a un espacio reflexivo y que a partir de ahí la gente se tomase su tiempo para pensar en sus cosas. Algo así como el disco está acabando, voy a procesar las emociones que me hayan podido sugerir las canciones.

Me gusta pensar que alguien va a ponerse a escuchar en Spotify algún tema y por algún motivo le va a aparecer este tema, ya que algunas veces el algoritmo no tiene el control absoluto sobre lo que vamos a escuchar. Esa idea de que sirva de transición entre lo que has escuchado y vas a escuchar me gusta mucho.

 

A lo largo del disco también hay alguna referencia interesante como la que aparece en ‘Dotted Line’ donde cantas “just another day in the polar vortex”. ¿Esta frase hace referencia a lo duros que son los inviernos en tu ciudad Montclair?

Eso es. Desde hace un tiempo vivo a dos horas y media conduciendo al norte de Nueva York. Sin embargo soy de Montclair, que para que te hagas una idea básicamente es el oeste de Manhattan. Es casi como una extensión de Nueva York, pero tiene también universidad. Es una ciudad bastante grande, aunque en comparación lógicamente a lo que te sueles encontrar en Estados Unidos es pequeña. Crecí aquí y conocí al resto de miembros de la banda también aquí a excepción de un par de ellos.

Nos mudamos al norte de Nueva York más o menos hace tres años, justo cuando grabamos Skylight. A partir de ahí hemos vivido en la misma casa. Te puedes hacer una idea que estando más al norte el invierno puede ser bastante duro. Estamos más o menos a tres horas y media conduciendo del sur de Canadá, por lo que es algo que al final se nota. Tampoco es que esto sea Alaska, pero sí que cuando llega esta época del año todo se vuelve más desapacible y nadie sale de casa, gastándote un montón de dólares en mantener tu casa caliente. Todo esto lógicamente también tiene implicaciones ambientales.

"El objetivo es el de bucear en ti de una forma honesta. Hacerte preguntas aunque las respuestas sean muy raras, pero teniendo en cuenta que lo importante es plantearte las cosas."

Para ir terminando, en todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para la siguiente banda a entrevistar. ¿Cuál es la tuya?

Me gusta siempre preguntar mucho sobre los procesos de composición de los músicos, como es su relación con la realidad de las cosas que les rodean. Así que mi pregunta sería: ¿cuál realidad y cuanta ficción hay en los temas que compones?

Tenemos una para ti a cargo de Jared de los Black Lips: ¿Cuál es la mejor cosa que ha hecho alguien por ti en tu vida?

Te podría contar un montón de cosas buenas que la gente ha hecho por mí a lo largo de estos años. La más emocionante seguramente sea alguna que desde fuera se pueda percibir como algo más pequeña, pero para mí es muy importante. Se trata de mi amistad con Zach, el batería de la banda. Nos conocemos desde que teníamos 7 años y desde entonces no ha habido nadie en mi vida como él. Existe una especie de compromiso invisible por tratar de crear juntos y entendernos el uno al otro. Todos estos gestos para mí son una cosa muy bonita.

Noé R. Rivas

Joven teleco que escribe sobre grupos guays. Woods y Jeremy Jay me molan mucho.

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