Entrevistamos a

Phoebe Bridgers

"Muchas veces mis sueños son mucho más interesantes que mi vida real porque resultan muy extraños. De esta idea parto a veces en mis temas, intentando que las canciones sean como sueños donde puedo mostrar todo tipo de contenido que se sale de lo común. "

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Phoebe Bridgers está de regreso este 19 de junio vía Dead Oceans con Punisher, su segundo LP en solitario, llegando tres años después de su debut Stranger in Alps. Acumulando experiencia a lo largo de este tiempo en proyectos como Boygenius o Better Oblivion Community Center, la artista sin lugar a dudas ha sabido dejar siempre una huella personal destacada dentro de todas esas aventuras musicales. Ahora llega el momento de seguir creciendo, encontrándonos ante una nueva referencia que la reafirma como una de las compositoras de mayor sensibilidad a la hora de plasmar momentos personales críticos y encontrar ciertas reflexiones positivas en ellas. A lo largo de este Punisher vamos a comprobar como Phoebe ha ampliado de buena forma su abanico de posibilidades, ofreciéndonos su cara más recogida y asociada a las piezas tenues, pero también ha subido enteros a la hora de expresar toda su entrega emocional a través de una mayor grandilocuencia sonora. Solo así es posible conseguir un disco de lo más poderoso, que incluso establece un listón más alto de lo logrado en su debut. Aprovechando los días de cuarentena, tuvimos el placer de entrevistar a Phoebe y preguntarle por todas las cosas encerradas en este nuevo trabajo.

En este nuevo trabajo has vuelto a contar con Tony Berg y Ethan Gruska a los manos de las producción al igual que ocurriese en tu LP debut en solitario. ¿En todo momento tuviste claro que formarían parte de este trabajo?

Lo cierto es que sí, desde un primer momento los tenía en mente. Creo que trabajamos a la perfección en el Stranger in the Alps, por lo que tenía muchas ganas de ver que podía surgir en esta ocasión si nos juntábamos de nuevo. Siempre que leo que alguien incluye dos productores en un trabajo me parece una idea tan fascinante como loca. Luego me doy cuenta de que yo hago lo mismo y que es algo muy natural que sale a la perfección gracias a la forma en la que cada uno puede adaptarse a las ideas del otro. En este disco sin lugar a dudas Tony y Ethan creo que incluso se han superado a la hora de que estas canciones suenen mucho más poderosas.

 

La lista de colaboradores en este disco es de lo más amplia, figurando artistas como Tomberlin, Nick Zinne, Julien Baker… ¿Tenías en mente colaborar con toda esta gente o más bien fue surgiendo por el camino?

Las colaboraciones fueron surgiendo más o menos con cualquiera que se pasase por el estudio, todo de una forma muy espontánea. De hecho recientemente tuve que viajar a Nashville y me di cuenta de esa sensación tan rara que resulta cuando pareces estar en todos los lugares al mismo tiempo, algo que tenía la impresión que ocurría cuando estaba en el estudio en Los Ángeles. Parecía que todo el mundo estaba allí, con mucha gente y muchos amigos que venían a verme y al final aportaba su granito de arena. Me gustó un montón todo lo imprevisible que fue lo relativo a este proceso.

En un primer momento ‘Kyoto’ me impresió debido a la mayor energía que mostraba respecto al formato de canción que sueles hacer. Sin embargo la letra sí que contenía momentos bastante agridulces y dolorosos. ¿Crees que esta canción partió de un sonido más luminoso y poderoso para vencer las malas experiencias que ocurrieron en Japón?

Sí, totalmente. De hecho inicialmente esta canción surgió como una balada. A pesar de ello, después de tener un pequeño taller de improvisación con mi sello, donde también estaba con los productores y mi banda, tratamos rápidamente de acelerarla. Así fue como poco a poco logramos dar un mayor ímpetu al tema, haciendo que todo sonase más brillante. Siempre llega un momento en el que te cansas de hacer canciones lentas y este creo que fue el caso. De hecho en la melodía inicial del tema, hay una nota de voz entrecortada que al final quedó prácticamente inaudible. Esa nota de voz es en la que pusimos de manifiesto que meterle más ritmo a la canción.

"Siempre que leo que alguien incluye dos productores en un trabajo me parece una idea tan fascinante como loca. Luego me doy cuenta de que yo hago lo mismo y que es algo muy natural que sale a la perfección gracias a la forma en la que cada uno puede adaptarse a las ideas del otro. "

En tu primer disco, en la portada incluiste un fantasma, y en este nuevo apareces vestida con un disfraz de esqueleto. Además, incluyes una canción llamada ‘Halloween’. ¿Crees que todo este imaginario relacionado con criaturas oscuras es algo que te ha llamado la atención durante toda tu vida y resulta muy importante en este proyecto?

Es algo que siempre me ha fascinado. Siempre me han obsesionado todos estos seres paranormales, aunque no siempre han estado relacionados con fantasmas las criaturas que escoge la gente para disfrazarse en Halloween. Creo que todo este imaginario también me ha servido para que mis canciones puedan coger aire, a pesar de que siempre suelan aportar ciertos sentimientos un poco más tristes. Desde que era una niña siempre me gustaron mucho los libros de Harry Potter y todo lo que en general implicase fantasía. Ahora que soy adulta leo mucho a Carmen María Machado y Gabriel García Márquez, encontrado siempre en sus obras ciertos rasgos fantasmales que son muy valiosos en mi música. Por lo tanto, siento que este componente siempre va a acabar afectando a mi música.

Hablando sobre el título de este disco, ¿crees que llegaste a él pensando en ti como una persona que se castiga a sí misma o más bien tratando de identificar a todas esas personas que a lo largo de tu vida te han castigado de alguna forma a ti?

Lo cierto es que tiene un significado algo distinto cuando lo empleé para darle título al disco que cuando escribí la canción del mismo nombre. En lo referente al título del disco siento que está más bien referido a la preocupación que sientes cuando has castigado a la gente que tienes a tu alrededor de una forma injusta. En cambio, atendiendo a la canción, está más bien orientado a arrinconar a alguien y preguntarle de forma directa los motivos por los que me castiga ignorándome y no dirigiéndome la palabra.

 

En el tema ‘Halloween’, me gusta mucho cuando cantas aquello de “Baby it’s Halloween. We can be anything”. ¿Sientes que en este disco hay bastantes momentos en los que intentas escapar de la realidad?

Efectivamente, bien visto. Con el paso de los años cada vez he ido sintiendo más que cualquier conversación que empiezas con una persona es una oportunidad para reinventarte a ti misma. Quizás me puedas decir, esta mujer es súper falsa cuando habla con los demás, pero me estoy refiriendo a contar las cosas de mi vida desde otra perspectiva diferente, no a engañar ni simular quién no soy, sino aproximarme un poco más a quién quiero ser. Creo que hay bastante de eso en estos temas, tratando de este modo de escapar a la realidad a través de los elementos que contiene.

A lo largo del disco, hay bastantes diferencias a los sueños o al hecho de sonar, como puede ser el caso de ‘Garden Song’, ‘Kyoto’ o especialmente ‘Moon Song’. ¿Para ti resulta muy importante e inspirador lo que ocurre en tus sueños y la forma de transmitir su contenido en tus temas?

¡Lo cierto es que tengo algo así como un diario de sueños! Me gusta escribir mucho lo que ocurre cuando sueño algo que me parece memorable o me llama la atención. Quiero decir que muchas veces mis sueños son mucho más interesantes que mi vida real porque resultan muy extraños. De esta idea parto a veces en mis temas, intentando que las canciones sean como sueños donde puedo mostrar todo tipo de contenido que se sale de lo común. Algo así como lograr que todo lo que cuento en ellas ocurriese en un mundo aparte. Por todo ello, junto a que el día a día muchas veces no tiene mucho que ofrecerme, me veo muchas veces escribiendo sobre los sueños.

"Leo mucho a Carmen María Machado y Gabriel García Márquez, encontrado siempre en sus obras ciertos rasgos fantasmales que son muy valiosos en mi música."

La primera vez que escuché al complete el disco, pensé que en general estas canciones suenan algo más esperanzadas que en tu debut. Por ejemplo estoy pensando en cuando cantas aquello de “I feel something when I see you” en ‘I See You’ a pesar de también reflejar alguna situación bastante dura en el tema. ¿Crees que en este disco hay más esperanza que en el primero?

Definitivamente sí. Creo que está relacionado con el tipo de escritora en el que me estoy convirtiendo. Siento que ya no me apetece escribir sobre lo agónico. Esto puede deberse a que mi salud mental está cambiando para mejor, incluso ahora que estamos en cuarentena y siempre lo ves todo más amenazante. Todo ello ha surgido en el momento en el que me he dado cuenta de que en tu día a día puedes hacer pequeñas cosas que pueden mejorar tu vida y tu estado de ánimo.

‘Graceland Too’ para mí es una de las canciones más emotivas en el disco, siendo algo diferente a las demás porque en ella muestras una historia completa y no está cantada en primera persona en su totalidad. ¿Crees que el enfoque de este tema es bastante diferente al resto y que muestras sentimientos más inéditos en el disco como la amistad?

Sí, totalmente. La diseñé como una canción donde poner en alza el valor de la amistad y del amor. Además es curioso porque la compuse súper rápido. Retomando un poco lo que te comenté antes de acercarse a ser la persona en la que te quieres convertir, esta canción habla de cómo deseas que sea la vida de una persona a la que quieres. Al mismo tiempo también la intentas rescatar de su interior, tratando de que puedas servirle de ayuda. Quizás debido al hecho de escribirla muy rápido, me olvidé de mí misma y me centré en otra persona, haciendo que pudiese quedar más como una historia.

 

Hablando un poco más de esta canción, creo que es lo más cerca que estás de la música country en este disco. En términos de sonido, ¿crees que este tema está mucho más influenciado por el disco que grabaste junto a Connor Oberst?

Yo también lo creo y de hecho me encanta todo lo relativo a la música country. Crecí sin tener mucho contacto con dispositivos tecnológicos, algo que también influyó en escuchar bastante lo que teníamos por casa, donde justamente teníamos discos de John Prine, un músico también muy inspirador para Connor. Por lo tanto me encantaría algún día hacer un disco entero más orientado hacia esta dirección. Mientras tanto me conformo con darle este enfoque a alguno de los temas, algo que al final además creo que acaba cuadrando bien con el resto del trabajo.

‘I Know the End’ me sorprendió un montón por lo poderoso que resultaba su final, añadiendo más y más instrumentos para acabar de una forma más caótica. ¿Este final del tema apareció de una forma bastante inesperada buscando recrear algo así como la canción que sonaría en el fin del mundo?

Sí. Más o menos busqué la música que querría que sonase cuando se acabase el mundo, pero al mismo tiempo me encanta esa idea de acabar un disco sorprendiendo al personal. A mí me pasa que cuando escucho un disco y veo que se acerca el final, me emociona bastante saber cómo llegará. En esta ocasión fue algo así como tenemos que meter una canción más y rematamos el disco. Supuse que quizás debería ser una canción más bien triste, pero cuando estaba con ella en seguida pensé que podría trastocarlo todo y llevarla por un camino muy diferente. Al final acabó sonando hasta ciertamente esperanzada, a pesar de mostrar en ella esa sensación de que no queda otra que resignarse muchas veces por lo mal que está el mundo.

Más detalles sobre este tema. En el plano lírico, también parece que el giro que pega es brutal, cambiando completamente el contenido. Desde regresar a casa hasta que llegue el fin del mundo. ¿Desde el principio sentiste que el tema se podría dividir en una especie de dos partes?

Efectivamente, lo veo también un poco así. De hecho al principio tenía dos letras completamente diferentes y el tema hablaba principalmente sobre una ruptura. Luego ya llegaba, por así decirlo, la segunda parte. Lo que ocurrió es que me puse a escribir de nuevo la primera parte buscando un poco más de lógica y sentido, pero al final sin darme cuenta lo que ocurrió es que acabó contrastando más. Al final me gustó la idea de mostrar ciertos momentos más esperanzados con otros que no lo son para nada.

Creo que este disco está repleto de un montón de arreglos muy precisos, como puede ser el caso del tema que da título al trabajo, en el cuál aparecen ciertos coros muy suaves y tu voz por momentos parece de lo más fantasmagórica. ¿A lo largo del disco te resultó difícil saber cuándo una canción estaba realmente terminada?

Sí, para mí siempre me resulta muy difícil identificar si se puede meter o quitar algo a un tema. Muchas veces me queda aquella sensación de pensar que ojalá tuviese la canción en mis manos cuando la estaba componiendo y tirar por otro camino. Afortunadamente me encuentro rodeada de gente estupenda que me hace ver cómo podrían quedar las canciones si añadiese más elementos y así saber cuándo parar. Creo que hay una tendencia general a añadir siempre más cosas a las canciones y no saber si realmente estás cerca o no de tenerla acabada. Por eso siempre me resulta de mucha ayuda tener a alguien cerca que me diga, creo que esto ya está bien así y ya no lo vamos a tocar nunca más.

"Siento que ya no me apetece escribir sobre lo agónico. Esto puede deberse a que mi salud mental está cambiando para mejor, incluso ahora que estamos en cuarentena y siempre lo ves todo más amenazante. "

Imagino que grabar el video de ‘Garden Song’ tuvo que ser una experiencia inolvidable, debido al hecho de fumar en tu habitación y tener la cámara delante. ¿Al principio pensaste que la idead de hacer este vídeo era un poco descabellada?

En realidad fue todo una especie de combinación entre humor y tristeza. Es algo que ocurre cuando te pones a fumar hierba por ti sola. Hacer el vídeo resultó muy divertido, porque no fumo hierba y en cambio a mi hermano, que es quién grabó el vídeo, le ocurre lo contrario. Así que lo acabé viendo como una especie de proyecto artístico sobre mi reacción, dejándole a él al final que fumase tranquilo.

Eres una usuaria muy active en Twitter. ¿Crees que esta red social en ciertos momentos resulta casi terapéutica a la hora de liberar algunas ideas u opiniones?

Aunque no lo parezca, creo que Twitter es un buen lugar donde compartir tus sentimientos. Además es como una vía de escape súper rápida. Me ha ocurrido que incluso alguna vez he borrado algún tweet porque quería meterlo como letra de alguna canción. Esto me lleva de nuevo a esa forma de querer aproximarte a lo que quieres ser, identificando en este caso algunos pensamientos mostrados en esta red. Al final me doy cuenta de que cuando twitteo y hago canciones estoy usando una parte muy similar de mi cerebro.

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para la siguiente banda a entrevistar. ¿Cuál es la tuya?

¿Crees que Nick Cave habrá aprovechado bien la cuarentena?

Del mismo modo tenemos una para ti a cargo de Maria de I Break Horses: si pudieses llevarte un instrumento a una isla desierta, ¿cuál sería?

Probablemente me llevaría una guitarra llamada bajo acústica, aunque si justamente antes me pilla un outlet por el camino, desecharía esta idea y me compraría un omni chord.

Noé R. Rivas

Joven teleco que escribe sobre grupos guays. Woods y Jeremy Jay me molan mucho.

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