Molly Nilsson atraviesa un momento de madurez creativa que se refleja en la claridad de su discurso y en la manera directa con la que articula cada composición de ‘Amateur’. Su trayectoria ha girado siempre en torno a una tensión entre la independencia personal y la observación crítica del mundo contemporáneo, y en este trabajo esa relación se condensa en una mirada que combina ironía, lucidez y un deseo firme de construir sentido en medio de un entorno saturado por la productividad y la comparación constante. Desde esa perspectiva, la artista reformula el significado del título y lo convierte en una especie de declaración vital: entender la práctica artística como un acto de afecto antes que como una carrera hacia la excelencia. El resultado sugiere un desplazamiento consciente hacia una forma de creación que reivindica la imperfección como espacio de libertad.

La secuencia de canciones conforma un conjunto que se mantiene cohesionado por una idea central: la posibilidad de seguir deseando sin que ese impulso quede condicionado por los valores del rendimiento o del éxito. En ‘Die Cry Lie’ la artista traza una sátira del entusiasmo forzado, jugando con la repetición como herramienta de crítica. Esa apertura marca el tono de todo el álbum, donde la celebración convive con la sospecha. En ‘Valhalla’, por ejemplo, la voz adopta un tono casi confesional mientras expone la contradicción entre la esperanza y el desencanto. El verso “It’s going to get better now, you’ll see” resume una sensación de resistencia más que de optimismo: una voluntad de sostener la ilusión aunque la realidad avance en sentido contrario. Cada canción parece escrita desde un punto intermedio entre la convicción y la duda, un territorio donde Nilsson construye una ética del error entendido como gesto de afirmación.

En ‘How Much Is The World’ se percibe con nitidez la orientación política del disco. La artista examina el vínculo entre valor y deseo, planteando la equivalencia absurda entre la vida y su precio. El tono mantiene un equilibrio entre la ternura y la ironía, una combinación que recorre todo el trabajo y que permite que las letras adquieran una densidad particular. El estribillo “How much is it worth, an honest life worth living” sintetiza la inquietud central: cómo preservar la integridad en una época donde todo tiende a convertirse en mercancía. Nilsson transforma esa preocupación en una reflexión íntima sobre la relación entre trabajo, placer y sentido, evitando la tentación del sermón y apostando por un lenguaje que se apoya en imágenes concretas y situaciones reconocibles.

Esa misma tensión aparece en ‘Swedish Nightmare’, donde la artista reformula la dualidad entre deseo y desencanto a través de una narración casi alegórica. La pesadilla que menciona no funciona como amenaza, sino como condición de la vigilia; la idea de que la plenitud siempre implica una sombra. El planteamiento sugiere que toda aspiración comporta un riesgo, y que en esa exposición reside la verdadera vitalidad. Nilsson emplea melodías que alternan entre la calidez y el pulso repetitivo, reforzando la sensación de ambigüedad. El contraste entre la voz contenida y los arreglos electrónicos contribuye a generar una distancia emocional que nunca se resuelve del todo, como si cada tema fuera una conversación inacabada con el propio tiempo.

La dimensión más dinámica del álbum se condensa en ‘Get A Life’, donde la artista canaliza la energía del desencanto colectivo hacia una especie de baile rabioso. El ritmo adquiere una función expresiva que no busca la evasión, sino la descarga. En ‘Classified’, en cambio, esa vitalidad adopta un matiz hedonista que no excluye la reflexión: el movimiento se convierte en una forma de supervivencia cotidiana. Ambos temas funcionan como contrapunto a los pasajes más contemplativos del álbum, completando una estructura interna que alterna impulso y recogimiento sin caer en la dispersión. Nilsson consigue que cada fragmento dialogue con el anterior, de modo que el conjunto avance con una lógica emocional precisa, casi narrativa.

En ‘Big Life’ la artista transforma la idea de aspiración en una mirada hacia la continuidad. La letra se orienta hacia la persistencia del deseo y la necesidad de mantener vivo el impulso creativo frente al agotamiento. Esa insistencia se repite en ‘All The Way’, donde se condensa una especie de manifiesto vital: “Take it all the way, and never get it back”. La frase funciona como resumen de todo el disco, un reconocimiento del carácter efímero de cada experiencia y de la importancia de atravesarla sin cálculo. El cierre con ‘The Bitter End’ refuerza esa lectura, articulando un canto a la amistad que se aleja de la nostalgia y apuesta por la continuidad de los vínculos. En conjunto, las letras configuran un retrato coherente de una artista que se asume dentro de un sistema que observa con distancia y que combate con canciones que funcionan como pequeños manifiestos de resistencia cotidiana.

La producción refuerza esa claridad conceptual. Las bases electrónicas son directas, sin artificio, lo que permite que las melodías respiren y que las palabras adquieran protagonismo. La sencillez formal no implica ausencia de matices; al contrario, la estructura rítmica contribuye a generar un entorno que sostiene la voz sin disolverla. Nilsson mantiene una coherencia sonora que prolonga su estética habitual, pero introduce una sensación de urgencia que imprime dinamismo a cada tema. El resultado no se percibe como ruptura, sino como consolidación de un método que prioriza la espontaneidad sobre el control. Cada decisión parece orientada a capturar el instante en que la idea se convierte en forma, antes de que la planificación la desgaste.

En ‘Amateur’, Molly Nilsson formula una lectura del presente desde la perspectiva de quien acepta el riesgo de la vulnerabilidad y lo transforma en método. El álbum se estructura como un itinerario que atraviesa la ironía, el desencanto y la ternura para llegar a una idea de libertad ligada a la imperfección. La artista construye un espacio donde la creación vuelve a tener sentido como acto de deseo y no como estrategia de reconocimiento. Esa posición define la relevancia del trabajo: un ejercicio de coherencia que plantea la posibilidad de seguir creando sin someterse al ritmo del mercado ni a la lógica del mérito. En ese gesto se resume la persistencia de una voz que continúa observando el mundo desde un lugar propio, siempre en movimiento, siempre consciente del valor de lo que todavía puede desearse.

Molly Nilsson estará presentando este nuevo disco en nuestro país.