Una sensación de movimiento constante recorre todo el nuevo trabajo de Just Mustard, como si cada pieza buscara retener ese momento exacto en el que el sonido se convierte en presencia. Desde el inicio se percibe una intención distinta, más inmediata, centrada en provocar una respuesta física antes que una interpretación mental. ‘WE WERE JUST HERE’ se construye sobre esa urgencia por permanecer, con un título que parece reclamar la atención hacia el presente antes de que desaparezca. El grupo no intenta edificar un muro de ruido para protegerse, sino abrir un espacio donde todo ocurra al mismo tiempo. La producción, firmada por ellos mismos y mezclada por David Wrench, mantiene un equilibrio entre la precisión técnica y la sensación de espontaneidad, como si cada golpe de batería y cada frecuencia de guitarra se liberaran justo en el instante necesario. Lo que transmiten es la experiencia de estar dentro de algo que se mueve, sin necesidad de explicarlo.

El arranque del disco deja claro ese propósito. En ‘Pollyanna’, el ritmo circular mantiene una cadencia hipnótica mientras la voz de Katie Ball parece deslizarse entre la luz y la penumbra. La letra se articula a través de frases que sugieren movimiento, como si cada repetición fuera un intento de sostener la emoción un segundo más. Las guitarras no acompañan; responden, se expanden, se cruzan, construyendo un espacio donde el sonido se siente más que se escucha. Ese impulso se prolonga en ‘Endless Deathless’, donde la frase “Nothing dies, it just changes” resume la filosofía sonora del grupo: el cambio como forma de permanencia. Los graves actúan como columna vertebral, el pulso se mantiene firme, y la textura general adquiere una dimensión casi física. Cada capa sonora parece empujar a la siguiente sin que ninguna domine, logrando que la densidad mantenga siempre una respiración propia.

A medida que el álbum avanza, las canciones ganan un tipo de calma que no proviene del silencio, sino de la conciencia del ritmo. En ‘That I Might Not See’, el sonido se contrae y se estira con precisión, mientras la voz se convierte en un eco que atraviesa la percusión. El grupo explora la tensión entre el deseo de desaparecer y la necesidad de permanecer visible, y lo hace sin dramatismo, con un control medido que evita cualquier exceso. Las guitarras rugen y se apagan de manera calculada, y en ese vaivén se percibe una sensación de resistencia. Cuando aparece ‘Somewhere’, esa búsqueda se transforma en algo más directo: “I’ll find you somewhere”, canta Ball con un tono que combina certeza y duda. El bajo sostiene el recorrido con un movimiento constante, casi hipnótico, y los efectos crean un entorno que parece respirar, como si cada nota tuviera su propio pulso. Todo se mantiene en suspensión, sin resolver, pero con una coherencia que mantiene la atención sin exigir esfuerzo.

Hacia el tramo central, la estructura se abre y el ritmo gana claridad. En ‘Silver’, la percusión establece un patrón firme que permite a las guitarras entrelazarse con naturalidad. La repetición de motivos crea una sensación de estabilidad, casi como si el sonido girara sobre un mismo eje sin detenerse. La voz se mantiene presente, no como un elemento externo, sino como una extensión de la base rítmica. Más adelante, en ‘Dandelion’, el tono se suaviza y las capas de distorsión dejan paso a un espacio más vulnerable. La frase “Cut me at my stem” transmite una entrega total que no se percibe como derrota, sino como aceptación. El grupo logra que esa delicadeza conviva con una textura áspera, equilibrando contraste y armonía en una misma línea. El resultado es una sensación de transparencia dentro de la densidad, una mezcla que mantiene la intensidad sin perder claridad.

El final del disco reúne todos los matices anteriores y los eleva a un punto de suspensión. En ‘Out Of Heaven’, las voces se multiplican hasta confundirse, formando una superficie sonora que se expande sin límite. Lo que en otras manos podría convertirse en cierre, aquí funciona como prolongación. La energía no decae, se transforma en una vibración continua que parece flotar incluso después del último compás. El grupo demuestra un dominio absoluto de la tensión interna, permitiendo que la intensidad se mantenga sin necesidad de explosión. Lo que queda es una impresión de movimiento perpetuo, un eco que insiste en quedarse. Cada fragmento del álbum refuerza la idea de que la música puede ser una forma de estar en el presente, un modo de permanecer dentro del tiempo sin detenerlo.

Las letras de ‘WE WERE JUST HERE’ mantienen una sencillez deliberada. No buscan elaborar una narrativa cerrada, sino acompañar la experiencia sonora. Frases como “I want to feel it all again” o “Everything happens all the time” actúan como puntos de anclaje que conectan el pulso de las canciones con la emoción del instante. Katie Ball no utiliza su voz como protagonista, sino como un instrumento que se integra en la textura general, igual que los sintetizadores o las guitarras. Esa elección da coherencia al conjunto: la emoción no se explica, se percibe. Just Mustard consiguen así un equilibrio entre control y desbordamiento, entre precisión y sensación. Cada pieza se sostiene sobre una idea común: el sonido como vehículo de presencia, la repetición como forma de permanencia y el ruido como espacio de encuentro. Lo que proponen no es escapar de la intensidad, sino convivir con ella.

El resultado final se percibe como un movimiento continuo, una secuencia de impulsos que se enlazan sin pausa. Just Mustard han construido un trabajo que entiende el ruido como lenguaje y la energía como vínculo. ‘WE WERE JUST HERE’ no busca representar una emoción concreta, sino mantenerla viva a través del ritmo, de la vibración, de la insistencia. El álbum confirma una forma de creación donde cada elemento ocupa su lugar sin imponerse al resto, donde la tensión se convierte en parte natural del equilibrio. Lo que emerge es una afirmación sencilla y rotunda: todo sucede mientras se escucha, y mientras se escucha, se está.