En el arranque de ‘En sueños’ se percibe un pulso sereno, casi hipnótico, como si la historia quisiera fluir al ritmo de la respiración de sus personajes. Alex Woo y Erik Benson, responsables de esta producción de Netflix, proponen una narración que se desarrolla en el interior de una familia que vive instalada en la rutina, entre instrumentos desafinados, tareas domésticas y silencios que pesan más que las palabras. Desde ese espacio familiar tan reconocible se abre un territorio imaginario que desborda la lógica cotidiana. El punto de partida parece sencillo: una pareja que se distancia, dos hijos que observan desde su habitación la grieta que crece entre los adultos y un hallazgo inesperado que lo cambia todo. Pero esa simplicidad inicial oculta una trama donde cada sueño se convierte en espejo de lo que se calla. El filme se instala así en una zona intermedia entre lo real y lo imaginado, donde las emociones se transforman en imágenes y los miedos se vuelven materia visible.

El eje narrativo gira en torno a Stevie y Elliot, dos hermanos cuya curiosidad los lleva a descubrir un libro antiguo que promete alterar la realidad a través del sueño. Esa idea, que en otras manos podría quedarse en anécdota, aquí se convierte en el motor de una aventura que combina ternura, extrañeza y reflexión. En su recorrido, los niños se adentran en un mundo poblado de figuras absurdas, colores vibrantes y espacios en los que la lógica se descompone. Todo lo que viven está atravesado por el deseo de conservar intacta la unidad familiar. Cada criatura del sueño representa una versión de su angustia: el miedo a que los padres dejen de quererse, la sensación de que el amor adulto es frágil, la frustración ante la falta de control. Esa lectura simbólica no se esconde detrás de metáforas crípticas, sino que se ofrece con claridad, mostrando cómo los sueños reflejan los conflictos reales que viven los personajes.

Los padres encarnan dos modos de entender la vida adulta. Él, un músico que todavía mira hacia atrás con nostalgia, se aferra a una carrera que ya no avanza. Ella, una profesora que intenta reorganizar su presente, se muestra dividida entre la estabilidad familiar y el impulso de empezar de nuevo. La película no los juzga ni los convierte en modelos de virtud o de fracaso, sino que los presenta como seres cansados, incapaces de escucharse. Woo y Benson construyen con paciencia esa distancia emocional que se cuela en los gestos cotidianos: el desayuno compartido sin miradas, la puerta que se cierra a destiempo, la conversación interrumpida por el ruido de un instrumento. En ese clima, los hijos actúan como mediadores involuntarios. Su imaginación se convierte en una forma de defensa frente al desmoronamiento del entorno. La infancia aparece así no como refugio inocente, sino como un espacio donde se elaboran las heridas que deja el desencuentro adulto.

La dirección utiliza la animación con un propósito narrativo claro. La mezcla de técnicas digitales y trazos manuales genera una textura que mantiene el equilibrio entre lo tangible y lo fantástico. Las secuencias oníricas funcionan como prolongación del estado emocional de los personajes, y los cambios de color marcan las oscilaciones entre calma y desasosiego. Los tonos cálidos dominan los momentos de convivencia familiar, mientras los fríos envuelven el territorio del sueño. La puesta en escena renuncia al exceso y apuesta por una cadencia visual que refuerza el sentido de las imágenes. Esa decisión estética sitúa la película en una tradición de animación más cercana a la sensibilidad de Mamoru Hosoda o Tomm Moore que al efectismo del gran estudio comercial. Woo prefiere el detalle al impacto, y en esa contención encuentra la manera de conectar la fantasía con la emoción más directa.

El guion incorpora figuras que funcionan como mediadores simbólicos. El Sandman, ser enigmático que controla el sueño, encarna la tentación de manipular lo que escapa a nuestro dominio. Su papel no es el del villano clásico, sino el de una conciencia que advierte sobre los riesgos de alterar el orden natural de las cosas. Frente a él, los niños representan la inocencia del deseo de reparación. El viaje que emprenden no busca un tesoro ni una victoria, sino la restauración de una armonía perdida. A lo largo del relato, la película plantea una reflexión sobre la necesidad de aceptar los límites, y lo hace a través de imágenes más que de palabras. Las secuencias de mayor fuerza visual coinciden con los momentos en que los personajes aprenden a convivir con la imperfección. Esa enseñanza se desprende de los gestos mínimos: una mano que se estira para tocar otra, un silencio que se prolonga sin miedo, una risa que interrumpe la tensión.

El relato se sostiene en una estructura que alterna lo doméstico y lo fantástico con una fluidez que impide distinguir con exactitud dónde acaba un plano y empieza el otro. Ese entrelazado permite que la película aborde asuntos complejos como la ruptura familiar, la comunicación emocional o la búsqueda de sentido sin convertirlos en discurso moral. Lo político aparece de manera implícita en la representación del hogar como espacio de desigualdad invisible, donde las tareas y los sacrificios se reparten de forma asimétrica. Lo moral se filtra en la evolución de los personajes, que aprenden que la convivencia exige escucha, paciencia y renuncia a la imposición. Lo social se percibe en la mirada hacia la infancia, tratada aquí con respeto y sin paternalismo. El filme concede a los niños la capacidad de interpretar la realidad y de actuar sobre ella, algo poco habitual en la ficción contemporánea.

Stevie emerge como el centro de gravedad emocional. Su carácter reservado y su empeño por mantener el orden funcionan como reflejo de la necesidad de controlar lo que se escapa. A medida que avanza la historia, su aprendizaje consiste en asumir que el desorden también forma parte de la vida. Elliot, en cambio, actúa como fuerza impulsora, guiado por la curiosidad y la confianza. Su papel sirve de contrapunto a la rigidez de su hermana y de catalizador de la reconciliación. Ambos trazan un recorrido que simboliza el tránsito de la dependencia al descubrimiento del propio criterio. En su evolución se percibe la idea de que crecer implica aprender a aceptar sin entenderlo todo, y que el afecto puede sostenerse incluso cuando las certezas desaparecen. El sueño, en ese sentido, se presenta como territorio donde la imaginación ofrece una vía para recomponer lo que el mundo despierto fragmenta.

La música de John Debney actúa como hilo conductor que acompaña los cambios de tono y refuerza la carga emocional sin saturar las escenas. Las melodías, a medio camino entre la orquesta y el pop atmosférico, dotan a la película de una identidad sonora reconocible. Las canciones interpretadas por los propios personajes se integran en la acción con naturalidad, subrayando la importancia del arte como vehículo de comunicación dentro de la familia. El montaje alterna ritmo ágil y pausas prolongadas, lo que genera un efecto de respiración constante. Esa combinación evita el aburrimiento sin recurrir a la velocidad gratuita, y da tiempo a que cada emoción madure dentro del plano. Woo demuestra así una comprensión precisa del equilibrio entre contenido y forma, entre lo que se muestra y lo que se sugiere.

A través de esta estructura, ‘En sueños’ consigue algo poco habitual: retratar los conflictos familiares sin dramatismos ni idealizaciones. La película plantea que el amor no desaparece, sino que cambia de forma, y que la imaginación infantil tiene la capacidad de reconstruir lo que los adultos deterioran. Esa lectura, aunque sencilla en apariencia, encierra una visión ética sobre la necesidad de cuidar los vínculos cotidianos. Los directores eligen la fantasía como vía para hablar de temas tan concretos como la responsabilidad emocional, el desgaste de la convivencia o la fragilidad de los afectos. En el último tramo, cuando los personajes despiertan y la luz recupera su tono natural, el espectador percibe que el sueño ha dejado una huella real. Los conflictos se transforman en algo más habitable, más íntimo en su imperfección. ‘En sueños’ termina donde empezó: en una casa cualquiera, con una familia que sigue adelante, consciente de que imaginar también es una forma de sanar.