Entre los conciertos que pueden marcar la próxima edición del Primavera Sound Porto, varias propuestas comparten una cualidad: la sensación de estar ante artistas que han decidido definir su propio marco antes que adaptarse a uno ajeno. Más que promesas, se trata de voces que ya muestran una dirección clara y que, en directo, pueden consolidarse como hallazgos duraderos. Annahstasia encarna esa idea con especial fuerza. En ‘Tether’ sitúa su voz en el centro y la rodea de arreglos sobrios que dialogan con el soul, el folk y el jazz sin diluir su aspereza natural. Canciones como ‘Be Kind’ o ‘Villain’ examinan la tensión entre cuidado y autonomía afectiva con una precisión que gana peso sobre el escenario, donde cada matiz vocal se convierte en declaración de intenciones. Esa misma voluntad de afirmación atraviesa a Buscabulla, que en ‘Se Amaba Así’ exploran la transformación del amor y la identidad caribeña desde una perspectiva íntima y política a la vez. Emmy Curl, con ‘Pastoral’, conecta electrónica y tradición portuguesa para reivindicar territorio y genealogía femenina sin caer en folclorismos complacientes. En un registro distinto, Gelli Haha convierte el exceso y la ironía de ‘Switcheroo’ en herramienta crítica, mientras Inês Marques Lucas aborda la entrada en la treintena en ‘Trinta’ desde una mirada generacional que combina vulnerabilidad y firmeza. Joey Valence & Brae aportan una energía que mezcla rap noventero y cultura digital, transformando la euforia en comentario sobre juventud y presión social. Mari Froes apuesta por la delicadeza como forma de conexión directa. Por su parte, Model/Actriz tensan deseo y confrontación en clave post punk, mientras que The New Eves revisan el folk británico desde una óptica emancipadora. Tampoco nos olvidamos de como The Sophs juegan con teatralidad y sarcasmo para hablar de culpa y validación. Por todo ello, estos nombres dibujan un bloque coherente: artistas que entienden el escenario como espacio de afirmación, donde identidad y sonido avanzan inseparables.

Annahstasia ha construido su trayectoria desde la firmeza de quien entiende la creación como un espacio de resistencia frente a lo impuesto. En lugar de seguir la corriente que pretendía dirigirla hacia un R&B complaciente, decidió conservar la aspereza natural de su voz y el tono irregular de su interpretación como una seña de identidad. Esa decisión sostiene toda su obra: la artista escribe con una atención minuciosa al peso real de cada palabra, situando la voz en el centro de un diálogo entre el soul, el folk y el jazz. En ‘Tether’, su primer largo, esa combinación alcanza una forma clara: cada tema se apoya en arreglos que buscan mantener la sensación de presencia, evitando el artificio y apostando por la crudeza de lo inmediato. Las canciones ‘Be Kind’, ‘Villain’, ‘Take Care of Me’ y ‘Unrest’ analizan las tensiones entre la entrega y la autonomía dentro de una relación. La artista retrata la convivencia entre afecto y libertad como un terreno inestable que requiere decisión constante. ‘Silk and Velvet’ y ‘Satisfy Me’ amplían esa idea, al explorar cómo la coherencia personal puede mantenerse frente a la presión social o al deseo de agradar. En ‘All Is. Will Be. As It Was.’, acompañada por aja monet, la unión de voz y palabra genera un diálogo sobre la dependencia afectiva y el modo en que las personas se sostienen mutuamente, mientras ‘Slow’, junto a Obongjayar, convierte ese intercambio en una reflexión sobre la calma como forma de resistencia. El cierre con ‘Believer’ une los temas que recorren el disco: el aprendizaje que sigue al conflicto, la serenidad que llega tras el desorden y la comprensión de que el cariño necesita tiempo para tomar forma. ‘Tether’ muestra a una artista que entiende la creación como una forma de escucha, una manera de observar lo que permanece en medio del ruido cotidiano, sin idealizarlo, pero con la certeza de que en esa observación se encuentra su fuerza.

Buscabulla representan uno de los proyectos más sólidos y singulares del panorama latino actual. Formado por Raquel Berrios y Luis Alfredo Del Valle, el dúo puertorriqueño ha trazado una trayectoria que une la herencia caribeña con las texturas del pop contemporáneo. Su segundo trabajo, ‘Se Amaba Así’, continúa el relato iniciado con ‘Regresa’, donde reflexionaban sobre el regreso a su tierra tras el huracán María. En esta nueva etapa, el foco se traslada a la intimidad de su relación y a la manera en que el amor se transforma con el paso del tiempo. El álbum se abre con ‘El Camino’, que plantea la sensación de desorientación dentro de una relación marcada por los ciclos de partida y reencuentro. Berrios articula en ‘Miraverahí’ el deseo de distancia como forma de renovación afectiva, mientras que en ‘De Lejito’ aparece la esperanza del reencuentro como motor de deseo. La voz de Luis Alfredo Del Valle toma protagonismo en ‘El Empuje’ y ‘Mortal’, aportando una perspectiva complementaria sobre la entrega y el riesgo compartido. Ambos logran equilibrar la serenidad con la tensión, construyendo un retrato honesto sobre los vínculos amorosos y sus fracturas. ‘Mi Marido’ introduce una mirada hacia la tradición mediante un fragmento de Paquitín Soto que se funde con la dulzura pop del dúo. La canción celebra la complicidad como fuerza política: el afecto entendido como pacto de resistencia frente a la inercia emocional y la precariedad cotidiana. El tema que da nombre al disco, ‘Se Amaba Así’, condensa esa búsqueda de redención a través del reconocimiento del pasado familiar. En conjunto, el trabajo reafirma a Buscabulla como cronistas de la experiencia caribeña moderna, capaces de conectar la ternura con la crítica social sin perder precisión poética.

Catarina Miranda, conocida como Emmy Curl, nace en Vila Real en 1990 y convierte su origen transmontano en eje creativo desde 2007. Cantautora y productora, desarrolla un proyecto que enlaza electrónica atmosférica, canto tradicional y sensibilidad pictórica, ya que también trabaja como artista visual. Su trayectoria incluye colaboraciones con papercutz en giras europeas, experiencia que amplía su proyección y refuerza su dominio escénico. El primer álbum, ‘Cherry Luna’, inaugura una etapa marcada por pop etéreo y pulsión sintética. Con ‘Navia’ afianza una conexión con mitología atlántica, evocando divinidades fluviales para reflexionar sobre pertenencia territorial. ‘ØPorto’ introduce una mirada urbana que dialoga con saudade y modernidad, mientras ‘15 Years’ revisa su recorrido con voluntad de balance artístico. Esa evolución culmina en ‘Pastoral’, obra distinguida con el Prémio José Afonso en 2025, reconocimiento que la sitúa en una genealogía de voces comprometidas con cultura portuguesa. ‘Pastoral’ actúa como homenaje al folclore precristiano del norte de Portugal. La propia autora describe el proyecto como exploración de cantos de montaña y comunicación ancestral entre aldeas. Piezas como ‘Mirandum’, compuesta en vísperas del nacimiento de su hija, vinculan creación artística y maternidad desde una perspectiva que asocia cuidado y fortaleza. ‘Senhora do Almortão’ reformula una figura ritual tradicional y le otorga presencia femenina, gesto que plantea una revisión simbólica del papel de la mujer en celebraciones rurales. Su participación en el Festival da Canção en 2018 con ‘Para Sorrir Eu Não Preciso De Nada’ y su regreso en 2025 con ‘Rapsódia da Paz’ evidencian interés por intervenir en espacios de difusión masiva. Emmy Curl articula así un discurso donde identidad, espiritualidad y emancipación dialogan con industria cultural y patrimonio colectivo, construyendo una obra coherente que enlaza raíz y contemporaneidad.

Angel Abaya, nacida en Boise en 1996, impulsa Gelli Haha como alter ego tras una primera etapa bajo su nombre propio. Durante aquellos años publica el EP ‘Quaranmood’ en 2020 y el álbum ‘The Bubble’ en 2023, trabajos vinculados a pop de guitarras y herencia psicodélica. En 2021 se instala en Los Ángeles y, junto a Sean Guerin, redefine su proyecto hacia una identidad marcada por color rojo, humor absurdo y universo conceptual llamado Gelliverse. El giro cristaliza en ‘Switcheroo’, editado en 2025. La obra se apoya en electrónica de pulso bailable que dialoga con electroclash y disco mutante. ‘Funny Music’ abre el repertorio planteando tensión entre deseo de agradar y afirmación de rareza propia, tensión que provoca euforia y, al mismo tiempo, cierta ansiedad escénica. ‘Bounce House’ transforma ruptura sentimental en celebración casi infantil, utilizando rimas juguetonas para encubrir tristeza derivada de una relación fallida. ‘Spit’ encadena palabras que empiezan por s sobre base insistente, recurso que convierte fonética en ritmo y sugiere saturación mental. ‘Normalize’ enumera términos clínicos y sociales, generando sensación de vértigo ante la patologización contemporánea. El episodio narrativo de ‘Piss Artist’ eleva una anécdota escatológica a parábola sobre exhibicionismo y pertenencia grupal, mientras ‘Tiramisu’ estira su título hasta revelar añoranza afectiva. El cierre con ‘Pluto Is Not a Planet It's a Restaurant’ introduce temor ante el porvenir mediante metáfora cósmica teñida de ironía. Gelli Haha formula así un pop experimental que emplea teatralidad, humor y baile como herramientas críticas frente a normas culturales rígidas. Su trayectoria describe una metamorfosis consciente donde identidad, performance y composición convergen para convertir rareza en estrategia artística sólida y coherente.

Inês Marques Lucas nace en Oeiras en 1995 y comienza su relación con la música a los cinco años, cuando estudia piano antes de abrazar la guitarra y otros instrumentos de cuerda y viento. Tras su paso por ‘The Voice Portugal’ en 2021, decide iniciar carrera en solitario y perfila un cancionero vinculado al pop alternativo portugués, con atención especial a la lengua materna como vehículo expresivo. Su debut ‘Horas Mortas’, publicado en 2023 y producido por Choro, reúne composiciones escritas en etapas vitales distintas. Los sencillos ‘Do Avesso’, ‘Não Restou Nada’ y ‘Sofá’ obtienen difusión radiofónica inmediata y la sitúan en salas de referencia como Casa da Música. En esas canciones aborda inicio de relaciones, miedo a la pérdida y necesidad de cuidado mutuo. ‘Sofá’, inspirada en una etapa temprana junto a la actriz Raquel Tillo, describe el vértigo del enamoramiento y la responsabilidad afectiva que surge al conocer fragilidades ajenas. El EP ‘Trinta’, editado en 2025, introduce un concepto cohesionado alrededor de la llegada a la treintena. Temas como ‘Quantos Queres?’ presentan metáforas sobre identidad y género, trasladadas al escenario mediante cambios de vestuario que simbolizan capas sociales impuestas. En ‘Eu vou aprender’ integra una grabación de su infancia para dialogar con su yo adulto, recurso que convierte crecimiento personal en estructura narrativa. Abiertamente lesbiana y comprometida públicamente con Raquel Tillo en 2025, Inês Marques Lucas incorpora vivencias propias en letras que reflexionan sobre maternidad potencial, deseo y libertad individual. Su propuesta articula pop de estribillos nítidos con sensibilidad visual heredada de su formación en diseño, configurando una trayectoria donde biografía, activismo y melodía se entrelazan dentro del panorama portugués actual.

Joey Valence & Brae forman un dúo de Pensilvania integrado por Joseph Bertolino y Braedan Lugue, cuya notoriedad despega tras el impacto viral de ‘Double Jump’ en 2022. Desde entonces encadenan giras internacionales y colaboraciones de alto perfil, al tiempo que consolidan una ética de trabajo constante con tres álbumes en tres años. Su trayectoria reciente culmina en ‘HYPERYOUTH’, publicado en 2025 bajo RCA. El dúo se sitúa en la intersección entre rap de herencia noventera, cultura EDM y actitud punk. La influencia de Beastie Boys resulta evidente en la dicción cortante y el intercambio dinámico de barras, aunque su propuesta amplía ese legado con producción digital exuberante y referencias a cultura pop contemporánea. En trabajos previos como ‘Punk Tactics’ y ‘No Hands’ ya mostraban inclinación por ritmos acelerados y estribillos coreables, aunque ‘HYPERYOUTH’ refuerza cohesión conceptual. El álbum despliega energía desbordante desde ‘BUST DOWN’ hasta ‘THE PARTY SONG’, piezas que convierten ironía y fanfarronería en combustible festivo. ‘WASSUP’, junto a JPEGMAFIA, intensifica esa pulsión mediante un cruce de cadencias que eleva la agresividad rítmica. ‘SEE U DANCE’, con Rebecca Black, introduce un matiz melódico que suaviza el frenesí sin diluirlo. Bajo esa superficie lúdica aparece un discurso sobre prolongación de la juventud y temor a madurar. ‘LIVE RIGHT’ articula esa inquietud al vincular amistad y miedo al cambio generacional. El cierre con ‘DISCO TOMORROW’ combina ambición profesional y recuerdo de empleos precarios, trazando un arco que conecta euforia y responsabilidad. Joey Valence & Brae convierten así hiperactividad sonora en vehículo para explorar identidad generacional, mezclando sarcasmo, nostalgia y deseo de permanencia en una escena que exige constante reinvención.

Mari Froes se consolida como una de las voces más reconocibles de la nueva Música Popular Brasileira gracias a una trayectoria que combina tradición y proyección internacional. Su carrera comienza en internet, donde publica versiones de clásicos y pronto capta atención por una interpretación delicada, de dicción clara y fraseo cercano al susurro. A partir de 2019 inicia repertorio propio con sencillos como ‘Moça’ y ‘Rosa e Laranja’, piezas que presentan una escritura centrada en afectos cotidianos y vínculos íntimos. El EP ‘Nebulosa’, editado en 2020, amplía su alcance y la sitúa en circuitos digitales con millones de reproducciones. La canción ‘Vaitimbora’, inspirada en el universo del folclore brasileño, se convierte en fenómeno global tras circular en redes y recibir apoyo público de figuras políticas como Lula da Silva y Emmanuel Macron. Ese impulso desemboca en una colaboración con el dúo francés Trinix, que remezcla el tema y refuerza su presencia en Europa. Su estilo integra bossa nova, samba, jazz y elementos contemporáneos con naturalidad. La voz actúa como hilo conductor que transmite serenidad cuando aborda despedidas amorosas y esperanza cuando evoca reencuentros. Esa cualidad provoca una sensación de cercanía que explica la fidelidad de su audiencia. Cada interpretación parece una conversación directa, donde el matiz y la respiración adquieren valor narrativo. Las giras recientes por Portugal, con paradas en Lisboa, Braga, Oporto y Coimbra, confirman una base sólida fuera de Brasil. Mari Froes presenta en directo un repertorio que equilibra delicadeza y firmeza, proyectando una identidad artística que celebra la herencia cultural brasileña y la adapta a escenarios internacionales. Su trayectoria describe así una expansión sostenida, basada en composición cuidada y conexión genuina con el público.

Model/Actriz irrumpen desde Brooklyn con una propuesta que tensiona post punk, electrónica industrial y cultura de club queer hasta convertir cada concierto en un espacio de confrontación y celebración. El cuarteto, integrado por Cole Haden, Aaron Shapiro, Ruben Radlauer y Jack Wetmore, debutó en 2023 con ‘Dogsbody’, un álbum que apostaba por aristas cortantes, ritmos obsesivos y una teatralidad vocal donde Haden alternaba susurro, gruñido y provocación. Aquella obra funcionaba como exorcismo personal y exploración del deseo en entornos urbanos marcados por la culpa y la represión. Dos años después publican ‘Pirouette’, trabajo que mantiene intensidad aunque desplaza el foco hacia estructuras más bailables y confesionales. El arranque con ‘Vespers’ introduce un pulso luminoso que contrasta con la aspereza previa. ‘Cinderella’ revisita la infancia de Haden y el deseo frustrado de celebrar un cumpleaños temático de princesa, episodio que sintetiza presión social y construcción de identidad. ‘Doves’ y ‘Diva’ exhiben tensión erótica y agresividad contenida, combinando estribillos casi pop con guitarras serradas y percusión mecánica. La pieza hablada ‘Headlights’ relata su primer enamoramiento adolescente hacia otro chico, describiendo vergüenza y anhelo con crudeza directa. En ‘Acid Rain’ emerge un registro más frágil, donde la observación de colibríes se convierte en metáfora de ausencia afectiva. El tramo formado por ‘Departures’, ‘Audience’ y ‘Ring Road’ recupera contundencia industrial, evocando pista de baile como lugar de catarsis colectiva. El cierre con ‘Baton’ suaviza el tono y sitúa la melodía en primer plano, revelando una sensibilidad que amplía su espectro expresivo. Model/Actriz construyen así una trayectoria que integra confrontación sonora y relato íntimo, defendiendo visibilidad queer dentro de un panorama rock que aún arrastra inercias conservadoras. Su evolución muestra ambición estética y capacidad para convertir deseo, culpa y orgullo en materia rítmica de alta tensión.

The New Eves se han convertido en una banda clave dentro del nuevo folk británico por su capacidad para unir fuerza, teatralidad y una mirada crítica sobre los mitos heredados. Formadas en Brighton por Nina Winder-Lind, Ella Russell, Josie Rea y Grace Vardy, las integrantes parten de la tradición inglesa para darle una nueva vida a través de arreglos directos y una interpretación que combina agresividad y control. Su primer disco, ‘The New Eve Is Rising’, parte de una idea clara: recuperar el mito de la mujer salvaje como una figura libre de culpa y obediencia, capaz de tomar el deseo como una forma legítima de poder. Esa intención se mantiene firme en todas las canciones, que mezclan percusión seca, violines tensos y voces que se alternan entre la dulzura y la rabia, con un resultado que se siente físico y convincente. El disco se inicia con ‘The New Eve’, donde la frase “eats what she wants to, every fruit from every tree” resume la base conceptual del grupo: una libertad que no se justifica y que se asume como derecho. En ‘Highway Man’, reescriben el poema clásico de Alfred Noyes desde la mirada de la amante, dándole un sentido de justicia y coraje que antes estaba ausente. ‘Cow Song’ combina momentos de serenidad con explosiones descontroladas, mientras ‘Astrolabe’ explora la relación entre sensualidad y violencia con un tono casi ceremonial. ‘Volcano’ cierra esa tensión con una intensidad que parece surgir del suelo, condensando la energía que atraviesa todo el disco. ‘The New Eve Is Rising’ representa una manera de entender el folk como herramienta política y vital, donde lo ancestral deja de ser símbolo de docilidad para transformarse en un espacio de rebelión compartida. The New Eves plantean una obra que reivindica la autonomía femenina desde la acción y no desde la teoría, utilizando el sonido como una forma directa de reivindicar poder y pertenencia.

The Sophs se han ganado un lugar propio dentro del panorama del rock alternativo por su manera de mezclar humor, crítica y desahogo con una naturalidad que evita cualquier pose. El grupo, integrado por Ethan Ramon, Sam Yuh, Austin Parker Jones, Seth Smades, Devin Russ y Cole Bobbitt, parte de una idea clara: la ironía puede servir como una herramienta para hablar de la culpa, la necesidad de validación y la frustración que genera el deseo de encajar en un sistema que premia la apariencia. Su debut, ‘GOLDSTAR’, editado por Rough Trade, es un trabajo que convierte el exceso en su principal argumento. El disco está lleno de contrastes: teatralidad y crudeza, humor y rabia, exhibición y vergüenza. Esa combinación los sitúa en una posición incómoda pero también muy real, donde la honestidad no se expresa desde la solemnidad, sino desde la exageración. El álbum abre con ‘THE DOG DIES IN THE END’, una especie de cabaret retorcido que expone pensamientos crueles sobre una base de acordeón. ‘GOLDSTAR’ refuerza ese carácter paródico con un rasgueo flamenco que acompaña una reflexión sobre la moral y la necesidad de reconocimiento. ‘DEATH IN THE FAMILY’ juega con melodías luminosas mientras mantiene un tono sarcástico, y ‘SWEAT’ lleva la tensión a su punto más alto alternando calma y estallido. ‘SWEETIEPIE’ presenta la ternura como una trampa, y ‘BLITZED AGAIN’ transforma la rabia en celebración mediante un coro casi espiritual. ‘A SYMPATHETIC PERSON’ muestra a un narrador que utiliza la compasión como defensa, una figura que resume la ambigüedad que atraviesa todo el disco. El cierre con ‘I’M YOUR FIEND’ concentra el sentido del conjunto: la sinceridad y la farsa pueden convivir sin anularse. ‘GOLDSTAR’ convierte la imperfección en un principio de trabajo y demuestra que The Sophs logran que la contradicción se escuche como una forma honesta de mirar la realidad sin dramatismo.