El Festival Tomavistas vuelve un año más para deleitarnos con una edición cargada de talento y emoción. Esta cita primaveral en la capital se ha convertido en un imprescindible para los aficionados a la escena musical independiente y alternativa, ofreciendo año tras año una programación que se mueve en los márgenes de las programaciones festivaleras que nos encontramos a lo largo de la península. En 2024, Tomavistas promete ser más grande y mejor que nunca, con un cartel que combina figuras consolidadas del panorama nacional e internacional con nuevos valores emergentes listos para conquistar los escenarios. Como cada año, uno de los grandes atractivos del festival será descubrir las últimas tendencias y sonoridades que están marcando el rumbo de la música independiente. Nombres pujantes de la escena mostrarán sus trabajos más recientes, ofreciendo un avance de lo que se cuece en los circuitos underground de medio mundo. Pero Tomavistas 2024 también rendirá homenaje a grandes iconos y veteranos del indie que siguen cautivando a las nuevas generaciones con su vigencia artística. Grupos míticos de culto reeditarán sus obras más aclamadas mientras que solistas de renombre desplegarán sus nuevas composiciones cargadas de alma y sentimiento. Más allá de los escenarios, el festival promete una inmejorable experiencia para los asistentes con su recinto ampliado en la Caja Mágica. Dos s días mágicos en los que dejarse seducir por las propuestas más frescas, rompedoras y apasionantes del panorama musical alternativo de nuestros días. Una auténtica inmersión sonora que promete dejar un reguero de emociones, nuevos descubrimientos y recuerdos inolvidables. Ante lo inminente de su celebración, te proponemos 10 bandas que no deberías perderte.

Bodega

‘Our Brand Could Be Yr Life’, el más reciente LP de Bodega, representa un ejercicio de retrospectiva y reinterpretación para Bodega, un grupo neoyorquino conocido por su visión crítica y satírica de la cultura contemporánea. Tras alcanzar cierto reconocimiento en la escena indie rock, los integrantes Ben Hozie y Nikki Belfiglio han decidido revivir un proyecto anterior, ‘Bodega Bay’, remozando y dando un nuevo enfoque a canciones compuestas hace ocho años. En su forma original, estas piezas fueron grabadas de manera rudimentaria, con una meticulosidad paradójica que implicaba la utilización de un micrófono de computadora portátil para capturar lo que pretendía ser una epopeya de proporciones wiliamsianas. Aquel lanzamiento prácticamente pasó desapercibido fuera de los confines de Bushwick, pero mantuvo un lugar especial en el corazón de sus creadores, ya que representaba la cristalización de su filosofía y música en un solo paquete. Ahora, con la madurez que otorga el paso del tiempo y el perfeccionamiento de su oficio, Bodega ha decidido abordar ese material primigenio desde una perspectiva renovada. Al igual que un cineasta que reinterpreta una de sus antiguas películas, la banda ha optado por regrabar y reacondicionar esas canciones, dotándolas de nuevos arreglos y una producción más robusta.

Belle And Sebastian

Belle and Sebastian, la emblemática banda escocesa de indie pop, lanzó duodécimo álbum de estudio, 'Late Developers', apenas nueve meses después de su anterior trabajo 'A Bit of Previous'. A primera vista, podría pensarse que se trata de un conjunto de descartes de ese disco previo, pero nada más lejos de la realidad. 'Late Developers' se presenta como una colección de canciones grabadas durante las mismas sesiones que 'A Bit of Previous', pero con una personalidad propia y diferenciada. Lejos de ser un mero apéndice, este nuevo álbum constituye una obra independiente y coherente, que explora nuevos territorios sonoros para la banda. El disco arranca con 'Juliet Naked', una canción de corte minimalista y crudo, que evoca los sonidos de Billy Bragg en sus comienzos. A partir de ahí, el álbum se sumerge en una variedad de estilos y atmósferas, yendo desde el pop alegre y bailable de 'Give a Little Time' hasta el aire existencialista de 'When We Were Very Young'. Uno de los aspectos más destacables de 'Late Developers' es la presencia notable de Sarah Martin, violinista y vocalista del grupo. En temas como 'When You're Not with Me', su voz adquiere un protagonismo inusual, aportando un matiz funky y sensual poco habitual en la discografía de Belle and Sebastian.

Dinosaur Jr.

Tras casi cuatro décadas de trayectoria, la banda de rock alternativo Dinosaur Jr. ha logrado revitalizar su sonido con 'Sweep It Into Space', su decimosegundo álbum de estudio. Este nuevo lanzamiento demuestra que el trío proveniente de Amherst, Massachusetts, conformado por J Mascis, Lou Barlow y Murph, aún conserva la esencia que los caracterizó en sus inicios, al tiempo que explora nuevos territorios musicales. La apertura del disco, 'I Ain't', sienta las bases de lo que será una experiencia auditiva cargada de energía. Las guitarras distorsionadas y los potentes ritmos de batería se entrelazan con la voz rasposa de Mascis, quien plasma sus reflexiones existenciales con una franqueza desarmante. A pesar de las letras introspectivas, el ambiente sonoro transmite una vibra esperanzadora, propia de la llegada de la primavera. A lo largo del álbum, Dinosaur Jr. demuestra su habilidad para fusionar elementos del rock clásico con toques de shoegaze y grunge. Temas como 'I Met the Stones' y 'Hide Another Round' presentan riffs contundentes y solos de guitarra apabullantes, mientras que en cortes como 'Take It Back', el grupo incorpora destellos de piano y ritmos dub, ampliando su espectro sonoro.

Dry Cleaning

La formación británica no ha perdido el tiempo a la hora de facturar su segundo LP, llegando prácticamente un año después de su debut ‘New Long Leg’. Aprovechando el reprís de esta referencia que les proporcionó tan buenos resultados, el grupo del sur de Londres ha optado por no darle muchas vueltas a aquello de publicar el segundo disco de consolidación, apostando por unas estructuras patentadas en su primer trabajo, pero también otorgándose una mayor libertad en todo lo relacionado con redondear su propuesta. Si en su anterior LP predominaban constantemente la urgencia y las narrativas donde los pensamientos compulsivos afloraban en su máximo esplendor, en esta nueva referencia hacen que todo lo que rodea los temas adopte un aire menos dramático. Solo de esta forma es posible hablar de situaciones marcadas por la ansiedad sin que resulten consumidos por ella, procurando para ello que sus guitarras no resulten tan angulosas e incluso se intuyan ambientes más relacionados con el jangle pop. Tratando de entremezclar historias que apelan al surrealismo y las bromas internas más cambiantes, se podría decir que Dry Cleaning siempre esconden dos caras. La primera, sin lugar a dudas está relacionada adoptar un tono huidizo para alejarse de las acciones puramente displicentes que nos describen, mientras que en la segunda definitivamente bajan al barro para provocar un estado de estupor relacionado con descubrir ciertos funcionamientos elitistas que rigen las normas sociales.

Georgia

Tras una notable carrera que la ha consolidado como una de las voces femeninas más prometedoras del pop-dance británico, Georgia vuelve ahora con Euphoric, un álbum brillante, luminoso y esperanzador que nos recuerda el poder sanador de la música para elevar el espíritu. Grabado en Los Ángeles junto al reputado productor Rostam, Euphoric capta una euforia más personal e íntima en Georgia, esa sensación de libertad que nace cuando uno se desprende de lastres emocionales y abre nuevos horizontes vitales. Hay optimismo en este disco, un anhelo por vivir al máximo tras tiempos difíciles. Georgia lo transmite con su característico estilo de pop-dance caleidoscópico, ahora teñido de nuevos matices gracias a la presencia de Rostam: guitarras orgánicas, arreglos de cuerda y sintes con un halo casi psiédélico. Su voz ligera y celestial permanece en pleno centro, transmitiendo emoción con cada nota. El álbum fluye inspirado por la euforia del enamoramiento, ya sea en la pista de baile o en instantes más introvertidos. Georgia canta sobre entregarse a los sentimientos, dejarse llevar, rendirse ante el vértigo del romance. Hay himnos bailables como ‘About Love’ o ‘Mountain Song’, pero también momentos ensoñadores como ‘Keep On’ o la sensacional ‘Give It Up For Love’, con ecos de Madonna.

Hinds

Las aclamadas Hinds anuncian su cuarto álbum ‘VIVA HINDS’ y comparten el principal sencillo ‘Boom Boom Back’ con Beck. Después de debutar hace una década, la agrupación española superó un obstáculo al cambiar su nombre de Deers a Hinds por razones legales. Pero cuando sus seguidores las vitoreaban ‘VIVA HINDS!’, se dieron cuenta que lo que pareció un final, era en realidad un nuevo comienzo. Escrito por las co-fundadoras Carlotta Cosials y Ana Perrote tras una serie de finales, ‘VIVA HINDS’ representa su trabajo más logrado, sonoramente aventurero, honesto y celebratorio. Atravesaron un bache creativo tras ‘The Prettiest Curse’, con la partida de su bajista y baterista, la separación de su management y sin discográfica. Pero cuando Perrote y Cosials volvieron a componer, su vínculo «millonario en amistad» bastó para sobrellevarlo. ‘VIVA HINDS’, con canciones en español e incorporando a Beck y Grian Chatten de Fontaines D.C., será lanzado el 6 de septiembre por Lucky Number. Grabado en Francia rural y producido por Pete Robertson.

Hurray For The Riff Raff

‘The Past Is Still Alive’ es el noveno álbum de estudio de Hurray For The Riff Raff, el proyecto musical liderado por la cantautora no binaria Alynda Segarra. Grabado tan solo un mes después del fallecimiento de su padre, este trabajo discográfico supone una mirada introspectiva a su pasado a través de once canciones de folk rock Americana que exploran temas como el duelo, la adicción y la búsqueda de la propia identidad. El disco arranca con ‘Alibi’, un tema optimista sobre la capacidad de cambiar el propio destino que evoca sonidos de órgano y pandereta. La letra, dirigida a un amigo con problemas de adicción, transmite un mensaje de esperanza sobre la posibilidad de reinventarse antes de que sea demasiado tarde. ‘Snake Plant (The Past Is Still Alive)’, el tema homónimo, relata vivencias de la etapa en que Segarra se marchó de casa siendo adolescente, viajando en trenes de mercancías y ganándose la vida en las calles tocando la guitarra. Imágenes de una infancia humilde en Nueva York se entremezclan con escenas de marginalidad, pero la canción termina lanzando un mensaje de resistencia colectiva ante la crisis de los opiáceos. ‘Colossus of Roads’ es tal vez el tema más desgarrador, escrito tras el tiroteo homófobo del Club Q en Colorado Springs. La voz de Segarra transmite dolor pero también esperanza en la capacidad de la comunidad LGTBIQ+ de sobreponerse a la tragedia amparándose los unos en los otros.

La Luz

‘News of the Universe’, el próximo disco de La Luz, llegará a nuestros oídos esta primavera, encontrándonos también ante una banda rejuvenecida, ya que Shanna se rodea en esta ocasión de Audrey Johnson, Maryam Qudus y Lee Johnson. Este nuevo disco marca un giro significativo en su trayectoria, abordando temas existenciales y reflexiones sobre la vida y la muerte, derivados de la experiencia personal de su líder, Shana Cleveland, al enfrentarse directamente al cáncer. El álbum se construye como un lienzo sonoro que captura las emociones contrastantes vividas por Cleveland durante su difícil travesía. Mientras que algunas canciones reflejan la incertidumbre y el miedo ante lo desconocido, otras transmiten una sensación de esperanza y aceptación. La apertura del disco, ‘Strange World’, nos sumerge en un ambiente psicodélico y etéreo, con un coro que actúa como un mantra reconfortante. Este tema establece el tono introspectivo que permea a lo largo de la producción. Destacan también piezas como ‘Poppies’ y ‘Dandelions’, donde Cleveland utiliza metáforas naturales para explorar el ciclo de la vida y la inevitabilidad del cambio.

Lætitia Sadier & The Source Ensamble

‘Rooting For Love’ es el quinto álbum en solitario de la cantante y compositora francesa Lætitia Sadier, conocida principalmente por ser la voz y fundadora de la banda Stereolab. Este trabajo discográfico marca el regreso de Sadier tras siete años sin publicar material propio, tiempo durante el cual Stereolab volvió a los escenarios. En este último disco, Sadier continúa explorando su característico sonido que mezcla elementos del pop, el rock indie, la música lounge y la electrónica con innovadoras estructuras y arreglos. Las letras, tanto en inglés como en francés, abordan temas humanistas y espirituales sobre la búsqueda del autoconocimiento y la sanación. Musicalmente, ‘Rooting For Love’ cuenta con una instrumentación ecléctica que incluye órgano, guitarra, bajo, sintetizadores, trombón y vibráfono, así como batería en vivo y programada. Destaca la presencia de un ensamble vocal mixto llamado The Choir que realiza elaboradas armonías, otorgándole una dimensión coral al disco. De acuerdo con Sadier, las canciones actúan como un bálsamo transformador para ayudar en el proceso de sanación del trauma colectivo, a la vez que instan a un realineamiento interno y a canalizar el poder del corazón para estar mejor preparados ante la incertidumbre del futuro.

Villagers

En su más reciente entrega discográfica, el músico irlandés Conor J. O’Brien, líder de Villagers, nos invita a sumergimos en un viaje introspectivo y filosófico. ‘That Golden Time’ explora la nostalgia, los recuerdos distorsionados y la complejidad de las relaciones humanas, todo envuelto en un envoltorio sonoro cautivador. Desde el primer instante, la apertura con ‘Truly Alone’ establece un tono desafiante y resiliente, recordándonos que incluso en los momentos más oscuros, debemos mantenernos firmes y mostrar lo mejor de nosotros mismos. Esta canción funciona como un manifiesto de resistencia frente a los juicios apresurados y la intolerancia que a menudo imperan en la sociedad actual. A lo largo del álbum, O’Brien aborda temas profundos con una honestidad desarmante. En canciones como la propia ‘That Golden Time’ y ‘Brother Hen’, nos confronta con la realidad de que nuestros recuerdos pueden engañarnos, idealizando el pasado y ocultando verdades incómodas sobre aquellos que alguna vez consideramos cercanos. No obstante, el músico no se limita a presentar una visión oscura del mundo. En ‘No Drama’, encontramos un atisbo de esperanza y una invitación a soñar con un futuro mejor, libre de conflictos y divisiones. Esta pieza destaca por su enfoque teatral y su ironía sutil, desafiando nuestras expectativas y demostrando la habilidad de O’Brien para jugar con las emociones del oyente.