Entrevistamos a

Waxahatchee

"La conclusión de este disco muestra lo necesario que es aceptarse a una misma y ver de esta forma la luz al final del túnel. "

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Katie Crutchfield ha decidido dar un nuevo enfoque a Waxahatchee en su reciente St. Cloud (Merge, 2020), reflejando una nueva etapa vital de mayor estabilidad donde la confianza en sí misma se hace patente y posibilita unas canciones bastante diferentes a todo lo que nos hemos encontrado en su trayectoria. Dejando de lado las guitarras noventeras y los ambientes noise propios de anteriores trabajos como Out of the Storm (Merge, 2017), en esta ocasión la influencia del country hace acto de presencia de una forma más clara. Sin moverse puramente en los terrenos del género, sino logrando que primen las melodías cargadas de empuje vocal, junto con las letras repletas de más momentos luminosos que sombríos, estos nuevos temas evidencian como el camino a recorrer siempre resultará bastante complicado pero afrontado ante todo con energía renovadas. Aprovechando lo reciente de este nueva disco, entrevistamos a Katie unos días antes de la publicación del disco, sincerándose sobre los patrones repetitivos de sus trabajos, la forma en la que ha dejado el alcohol, el nuevo acercamiento al amor en sus temas o la importancia de salir a flote por sí misma.

Out of the Storm fue un trabajo con un sonido bastante denso y marcado por las atmósferas ruidosas. Sin embargo este nuevo posee un sonido mucho más cálido y bastantes elementos acústicos. ¿Desde el principio tuviste clara la dirección que querías tomar en este disco?

Creo que Out of the Storm fue un disco que escribí en un momento de mi vida emocionalmente muy intenso para mí. Por ello quería capturar todo ello de esa forma tan poderosa. De ahí que todo sonase de una forma estruendosa y contundente, no existiendo a lo largo del disco casi ningún momento de respiro. La tarea que hicimos en él me gustó bastante porque al final representó muy bien la etapa de mi vida en la que me encontraba.

Sin embargo, a medida que fue avanzando la gira de presentación de este disco me encontré con que este sonido no era muy sostenible a largo plazo. No quería hacer otro disco orientado en esta dirección. Al tener un poco claras estas ideas, es como St. Cloud fue tomando forma, fijándome en nuevas influencias y también sintiendo la necesidad de tocar con nuevos músicos.

 

Este disco fue producido por Brad Cook, del mismo modo que Bonny Doon te acompañaron tocando en él. ¿Qué novedades principalmente te han aportado cada uno de ellos?

Trabajé por primera vez con Brad en mi anterior EP Thunder, la referencia que vio justo la luz entre estos dos últimos LPs. Desde un primer momento sentí que podíamos trabajar muy bien juntos, transmitiéndome siempre muy buena energía. Hablando en términos de producción, creo que es una persona muy reflexiva. De ese tipo de personas que trata de seguir tus ideas de una forma natural y empezar a construir sobre ellas.

Hay veces que pienso que los productores quieren guiarte por un cierto camino y dejar su sello en tus composiciones. Sin embargo Brad no trata de que esto ocurra. Él es siempre consciente de cómo la persona que ha escrito el tema tiene que guiarlo hasta su final. Además su trabajo con el resto de músicos fue un poco en esa misma dirección, haciendo que todos nosotros nos escucháramos a sí mismos la forma en la que tocábamos nuestras guitarras o cantábamos. Por todas estas cosas la forma de trabajar resultó muy sencilla.

En cuanto a Bonny Doon, desde hace unos años hasta ahora han sido una de mis bandas favoritas. Bobby Colombo, uno de los principales letristas del grupo, es mi amigo desde hace bastante tiempo. Cuando me mostró hará un par de años como iba a quedar su disco Longwave, me enamoré definitivamente del sonido que habían alcanzado. A partir de ahí le pregunté si querrían ser mi banda de acompañamiento, tocando incluso conmigo en directo antes de ponernos a grabar St. Cloud. Me ayudaron un montón a conceptualizar el disco, encontrando al mismo tiempo una nueva forma de reinterpretar mis temas anteriores y abriéndome los ojos sobre el sonido que quería lograr.

"Cuando llegó la adolescencia me interesé mucho más por la música punk y el indie más underground, rechazando bastante el country. "

Quizás la influencia de la canción americana resulte mucho más prominente en esta ocasión. ¿Trataste de profundizar un poco en este género o lo has tenido bastante interiorizado a lo largo de tu vida?

Siempre han sido bastante familiares estos sonidos para mí. Crecí en Alabama, por lo que la música country siempre ha estado presente en mi infancia y en buena parte de mi vida. Quizás esto es lo que me ha llevado hasta aquí también. Sin embargo cuando llegó la adolescencia me interesé mucho más por la música punk y el indie más underground, rechazando bastante el country. Sin embargo en estos últimos años poco a poco me he ido acercando de nuevo hacia él. Me gusta también bastante como el género se ha ido volviendo más variado con el paso del tiempo, intentando también contribuir en cierta medida a ello. Así que creo que, en definitiva, estos sonidos han impregnado buena parte de este disco.

A lo largo de este disco, especialmente en temas como ‘Arkadelphia’, parece que tienes bastante presentes recuerdos de tu niñez. ¿Crees que mientras componías estos temas has ido rememorando ciertos momentos bastante lejanos y los has incluido en tus temas?

Siempre creo que cuando me pongo a escribir un disco aparecen ante mí esta especie de flashbacks. A pesar de ello, creo que en este disco en particular utilizo de forma más deliberada ciertos detalles de cuando era mucho más joven. Pienso que todo esto viene de la influencia de Lucinda Williams, la artista a la que más cosas tendría que agradecer debido a sus canciones y la forma en la que me hace sentir su música. En sus temas tiene la capacidad de conducirte de forma directa al lugar que está describiendo. Quizás de manera análoga aposté por hacer un disco en el que realmente quería incluir detalles muy precisos de escenarios en los que se ha desarrollado una parte muy importante de mi vida.

"Lucinda Williams es la artista a la que más cosas tendría que agradecer debido a sus canciones y la forma en la que me hace sentir su música. En sus temas tiene la capacidad de conducirte de forma directa al lugar que está describiendo. "

Me encanta como en ‘Hell’ logras una canción llena de confianza y que conecta de buena forma con esa necesidad dejar atrás a las personas que te han hecho daño. ¿Crees que en este nuevo disco este tipo de situaciones las expresas de una forma mucho más directa y sin rodeos que anteriormente?

Resulta curioso porque en este disco creo que me he distanciado un poco a la hora de mostrar mis sentimientos de la forma tan directa que lo hice en Out of the Storm. En él sentí que quería plasmar las cosas tal cual me llegaban, sin ningún tipo de filtro. Algo así como un arma arrojadiza que a la mínima se disparaba. Sin embargo, en este nuevo disco, creo que he encontrado un espacio más cercano a lo verdadero para mí. Esto se debe en parte a que también he sido muy crítica conmigo misma, y cuando una realiza este tipo de reflexiones es porque una está siendo honesta consigo misma. Siento que quizás antes lo veía todo un poco desde la perspectiva más inmediata, como si estuviese metida de lleno en la tormenta. Ahora dejo que pase un poco más el tiempo y por eso también creo que se refleja en el hecho de haber logrado un disco más calmado.

Una canción que creo que es crucial en este disco es ‘Fire’, mostrando esa necesidad de aceptarte a ti misma y ser consciente de cómo vas evolucionando. ¿Crees que esta canción representa de buena forma tu nueva etapa vital y la forma en la que afrontas lo que te llega?

Efectivamente. De hecho estas son unas de las razones por las que la elegí como el primer single. Aunque en su apartado sonoro creo que no te da una idea global de cómo va a sonar la mayoría del trabajo, en el apartado lírico creo que arroja bastante luz, por lo que creo que estás en lo cierto. En ella se encapsula muy bien todo lo que quiero transmitir, mezclando muy bien ciertos momentos bastante oscuros que sin embargo no ocultan un lado esperanzado. La conclusión de este disco muestra lo necesario que es aceptarse a una misma y ver de esta forma la luz al final del túnel. Debido a ello creo que líricamente es uno de los pilares del trabajo.

 

En la canción ‘Wtiches’ mencionas gente importante para ti como puede ser el caso de Allison o Lindsey. ¿Consideras que a lo largo del proceso creativo de este tema y, en general de este trabajo, has tenido en mente a las personas que quieres?

Creo que sí. En cada uno de mis discos siempre hablo de canciones románticas y de relaciones que se rompen de forma irremediable. También siempre trato de que al menos una canción abarque un amor más platónico, lo que vendría a ser una buena relación de amistad, familiar o algo similar. Me gusta mucho explorar este tipo de relaciones, por lo que en este caso ‘Witches’ es la canción de este trabajo en la que hablo de como hay relaciones que se refuerzan pese al paso del tiempo, como me ocurre con las amigas tan cercanas que aparecen aquí.

‘Can’t Do Much’ quizás es la canción de amor más clara de todo el disco, mostrando como no puedes hacer nada por tratar de evitar estar enamorada. ¿Cree que esta es la primera vez que hablas del amor de esta forma o ya ha aparecido anteriormente en tus trabajos?

En mis discos no suelo incluir canciones que hablen de relaciones sentimentales de esta forma, como mucho habrá un par de aproximaciones en mis anteriores trabajos. En este de forma clara ‘Can’t Do Much’ aparece como la canción de amor más notable, pero sí que es cierto que hay más canciones de amor que en ningún otro anterior. A lo largo de mi carrera tampoco me he sentido especialmente atraída porque mis trabajos resultasen bastante poblados con estos temas. A pesar de ello en esta ocasión, la perspectiva que he tomado ha sido un poco diferente.

Lo he abordado como un sentimiento en el fondo sombrío, donde al final descubro que estoy frustrada por estar enamorada y encontrarme ante todos esos sentimientos cálidos y hermosos del amor que parece que alejan a una del que era su camino. Mucho de esto hay en ‘Can’t Do Much’, apareciendo esa sensación de encontrarme distraída de las cosas que hago en mi vida por culpa de estos sentimientos.

"En este nuevo disco, creo que he encontrado un espacio más cercano a lo verdadero para mí. Esto se debe en parte a que también he sido muy crítica conmigo misma, y cuando una realiza este tipo de reflexiones es porque una está siendo honesta consigo misma. "

Cambiando de tema. Creo que el título de St. Cloud se refiere a la ciudad localizada en Minnesota. ¿Cuál es tu conexión con esta ciudad?

Sí que es Saint Cloud, pero la de Florida, que es mucho más pequeña y menos popular que la que mencionas en Minnesota. Escribí la canción que da título al disco antes de saber que lo titularía de esta forma. Es curioso porque el primer verso de este tema está escrito sobre Nueva York. En contraste a este verso, necesitaba encontrar una ciudad americana con la que sentir un poco el contraste de ciudad pequeña, algo así como cualquier ciudad que puebla el país y te puedes ver reflejado en ella.

La escogí porque mi padre nació allí y además me encanta como suenan seguidas las dos palabras que la forman. ‘St. Cloud’ estuvo en el tracklist durante todo este tiempo, pero hasta un buen día no se me ocurrió la idea de titular el disco de esta forma y de este modo ofrecer un pequeño homenaje a mi padre.

Hay algo que me llama mucho la atención que se menciona en la nota de prensa del disco. Es acerca del punto de inflexión que sufriste en Barcelona. ¿A qué episodio hace referencia?

Fue justo el momento en el que pude dejar el alcohol. Tuvo lugar en Barcelona cuando tocamos hace unos años en el Primavera. Creo que este tema no ha surgido todavía en la entrevista así que es buen momento para abordarlo. Hace un tiempo que decidí dejar el alcohol y permanecer siempre sobria. Cuando llegamos al Primavera ya llevaba una temporada que estaba dejando de beber pero no podía del todo. Al final cuando comenzó la gira con nuestra primera parada en Barcelona sentí que lo había logrado, por eso veo este momento como aquel en el que comenzó el camino hacia este nuevo trabajo. Siempre tendré Barcelona en mi corazón por este motivo ya que este episodio supuso un momento muy importante de mi vida.

 

Me gustaron un montón las dos canciones de Jason Molina que versionaste junto a Kevin Morby hace un par de años. ¿En algún momento habéis hablado de alguna nueva colaboración e incluso un trabajo conjunto?

Sí, justo es algo que estamos abordando estos días. Como vivimos juntos, y estamos pasando también la cuarentena juntos haciendo algún streaming, hemos retomado algo que teníamos pendiente hace tiempo. Comenzamos el año pasado a hacer un disco de versiones y grabamos algunos temas como pudimos. Pero como ninguno de nosotros somos buenos ingenieros de sonido, sonaba un poco mal y lo olvidamos. Hace un par de noches nos acordamos de ello y dijimos que no era mala idea retomarlo. De hecho nos dimos cuenta de que podría estar bien. A lo mejor en su momento fuimos demasiado críticos con nosotros mismos y no pensamos en lo bonito que podría crear. Siento que trabajamos muy bien y que nos encantar acompañar nuestras voces, así que ahora que estamos encerrados en esta casa con un futuro tan incierto es un plan bastante bueno.

Hablando de Jason Molina, ¿siempre has sido gran admiradora de su música?

Suena un poco triste esto que te voy a decir, pero hasta que no falleció nunca me puse en serio con sus composiciones. Lo tenía en el recuerdo y me acuerdo como un montón de músicos mostraron todo su amor por él en sus memoriales, creo que en 2013. A partir de ahí es cuando comencé a meterme de lleno en su música y a sentir inmediatamente como conectaba con sus letras. Su voz profunda y triste me emocionaba mucho, encontrando una combinación maravillosa de elementos de la canción americana, incluso algo de country y por supuesto un tono algo más rock. Un poco más tarde Kevin me sugirió cantar juntos ‘Farewell Transmission’, un tema que siempre me fascinará. Creo que todo lo que sea rendirle homenaje será siempre bienvenido.

"El amor en este trabajo lo he afrontad en el fondo como un sentimiento sombrío, donde al final descubro que estoy frustrada por estar enamorada y encontrarme ante todos esos sentimientos cálidos y hermosos del amor que parece que alejan a una del que era su camino. "

Un poco a modo de anécdota, leí en tu web que tu amiga Marlee Grace actuaría contigo en algún que otro concierto ofreciendo una performance de baile. ¿Cómo resultó la experiencia?

Marlee y yo somos amigas desde hace mucho tiempo. Siempre habíamos querido colaborar de alguna forma porque ella es una gran bailarina, sin embargo no sabía si mi música podía quedar un poco extraña con una actuación de este estilo. Así que poco a poco pensamos en como podíamos colaborar juntas ya que ella comprende a la perfección mis canciones. Lo llevamos a la práctica y la gente respondió muy bien. La semana pasada Marlee ofreció un streaming donde bailaba con mi música y quizás esta semana haga otro. Al final creo que no lo habíamos llevado a cabo hasta el momento debido a nuestra timidez.

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para la siguiente banda a entrevistar. ¿Cuál es la tuya?

Quizás como todo el mundo está en cuarentena ahora mismo y seguro que vas a poder hacer un montón de entrevistas estos días, voy a preguntar algo muy apropiado. ¿Cuál es la comida más rica que has cocinado en estas dos últimas semanas?

Del mismo modo tengo una para ti a cargo de Erik Urano: ¿Qué disco que ha salido recientemente y crees que se seguirá escuchando dentro de 20 años?

Te voy a decir el último de Soccer Mommy. Creo que es un disco que la gente lo tendrá muy en la cabeza porque además contiene unos cuantos hits que ayudan a ello.

Noé R. Rivas

Joven teleco que escribe sobre grupos guays. Woods y Jeremy Jay me molan mucho.

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