Basta escuchar unos minutos de ‘One Is Always Heading Somewhere’ para sentir que las canciones nacen pegadas a los lugares que habitaron. Las grabaciones guardan ruidos cotidianos, espacios abiertos y rincones domésticos que no desaparecen bajo capas de producción. No hay aquí una búsqueda por sonar impecables, sino por dejar entrar el entorno, por fijar el momento en que esas canciones tomaron forma. Womb, tres hermanos repartidos entre ciudades de Aotearoa, parece lanzar un puñado de piezas que van armando una especie de mapa emocional sin necesidad de explicaciones. El disco juega con tensiones de peso y ligereza. ‘Erosion’, que lleva escrita más de diez años, arrastra un aire antiguo donde las guitarras y los sintetizadores se cruzan con baterías contenidas. ‘Georgie’s Song’, en cambio, tira de una cuerda distinta, apuntando a una reciprocidad simple y directa con ese “You lift me up / So I’ll lift you up” que habla por sí solo. El agua aparece como símbolo en varias pistas, no buscando adornar, sino reflejando el entorno cambiante que rodea a quienes crearon estas canciones. Cada tema se mueve entre lo íntimo y lo colectivo, sosteniendo un equilibrio que no busca sorprender ni deslumbrar, sino simplemente dejarse oír tal como surgió. Las piezas de ‘One Is Always Heading Somewhere’ marcan un trayecto, uno donde lo importante no es llegar a ningún lado, sino quedarse un momento en lo que se vive. Aprovechando lo reciente del lanzamiento, hemos tenido el placer de entrevistar al grupo.
El título del álbum sugiere un constante sentido de movimiento, como si la dirección importara más que el destino. ¿Cómo influye esta idea en la manera en que estructuras y desarrollas tus canciones?
El título, 'One Is Always Heading Somewhere', nació mientras escribía la letra de la primera canción del álbum, que se inspiró en un poema de Ocean Vuong, “Someday I’ll Love Ocean Vuong”: “La parte más hermosa de tu cuerpo / es hacia dónde se dirige. y recuerda, / la soledad sigue siendo tiempo pasado / con el mundo.”
Abordé este álbum como el tercer capítulo de mis dos discos anteriores. Mirando hacia atrás, el primer álbum cubría el pasado, el segundo el futuro, y este nuevo álbum se sitúa en el medio, enfocado en el momento presente durante un tiempo de muchos cambios.
Algunas grabaciones preservan sonidos ambientales accidentales, como una silla crujiendo o autos pasando. ¿Qué significa para ti dejar estos pequeños rastros de la vida cotidiana en tu música?
El álbum se grabó en muchos lugares diferentes a lo largo de Aotearoa (Nueva Zelanda), y cada uno de esos espacios aportó algo único al proceso. Incluyó casas anteriores en Te Whanganui-a-Tara (Wellington) en las que viví durante un tiempo, un estudio de danza donde pudimos experimentar con los sonidos de un entorno amplio y abierto, una residencia artística en Whanganui que nos permitió trabajar de manera concentrada, el estudio Roundhead, con su equipamiento profesional, y también las nuevas casas donde vivo ahora, repartidas entre Whakatū (Nelson) y Tāmaki Makaurau (Auckland). Todos estos lugares fueron muy importantes para el álbum, porque cada uno dejó su huella en las grabaciones, y estoy muy feliz de que puedan sentirse y escucharse presentes en las canciones, como si formaran parte del tejido mismo de la música.
Vuestra música lleva una melancolía particular, no solo en las letras sino también en la manera en que los sonidos se expanden y envuelven al oyente. ¿Sientes que ese sentido de nostalgia es algo que buscas conscientemente, o surge de manera natural en el proceso de composición?
No empiezo a escribir con un objetivo particular en mente, no me siento pensando en lograr un efecto específico desde el principio, pero sí hay muchos sonidos a los que suelo volver una y otra vez, porque me resultan familiares y evocadores. También hay sonidos en el nuevo álbum que, creo, pueden contribuir a crear una sensación de nostalgia en quien escucha, como por ejemplo el amplificador Jazz Chorus y la caja de ritmos E-Mu Drumulator. Ambos elementos son muy característicos y estuvieron presentes en los primeros discos de 4AD, lo que les da un peso y una textura especial que resuena tanto conmigo como, espero, con quienes se acerquen a estas canciones.
"Mirando hacia atrás, el primer álbum cubría el pasado, el segundo el futuro, y este nuevo álbum se sitúa en el medio, enfocado en el momento presente durante un tiempo de muchos cambios."
El estudio de grabación y el escenario son dos espacios muy diferentes para una canción. ¿Cómo cambia tu relación con una canción cuando pasa del proceso íntimo de grabación a la interpretación en vivo?
Me gusta que las canciones se sientan vivas y que tengan la capacidad de cambiar de forma o crecer con el paso del tiempo. Siempre estoy explorando y descubriendo nuevas maneras de interpretar una canción, encontrando detalles o matices que quizás no había notado antes. A menudo, cuando toco una canción por primera vez frente a una audiencia, siento un nerviosismo emocionado, una mezcla de expectativa y vulnerabilidad. Con el tiempo, mi relación con las canciones evoluciona, se transforma y se enriquece, porque las canciones, para mí, son seres que sienten: tienen su propia energía y presencia, y viven y respiran más allá del momento en que fueron creadas.
Varias canciones presentan imágenes recurrentes, como si fueran pensamientos que siguen regresando con el tiempo. ¿Crees que esta repetición de símbolos es una forma de darle sentido a ciertas experiencias?
Me atraen los álbumes que tienen su propio léxico, y aquellos que hablan del lugar donde fueron escritos y grabados. Mi amigo Ben Woods, que canta en la canción ‘Take’, es un escritor increíble en este sentido, y su música encarna perfectamente el lugar donde vive, en el puerto de Lyttelton, Ōtautahi. Los símbolos son geniales para darle sentido al mundo que te rodea.
El sonido del álbum tiene momentos de densidad y otros donde hay mucho espacio, casi como si el silencio mismo formara parte de la música. ¿Cómo trabajas esa tensión entre la plenitud y el vacío en tu sonido?
Somos una banda de tres integrantes, así que a menudo somos conscientes de las limitaciones de los sonidos que podemos crear al tocar en vivo. Este ha sido un desafío especial para nosotros y probablemente también ha llevado a nuestra apreciación del espacio y los momentos de austeridad. Buscamos que 'One Is Always Heading Somewhere' sea más dinámico, con grandes momentos contrastados con espacio.
El agua aparece en varias canciones, ya sea en forma de lluvia, ríos u océano. ¿Qué peso simbólico tiene para ti y cómo crees que se conecta con los otros elementos recurrentes en tu música?
Aotearoa (Nueva Zelanda) está rodeada de agua. Tiene una enorme línea costera, donde nunca estás muy lejos del océano. También se asienta sobre dos placas tectónicas, por lo que las altas cordilleras proveen muchos ríos y lluvia. Estar en este entorno significa que el simbolismo del agua encuentra su camino hacia la música. El agua también puede ser la mejor forma de describir cosas.
"Para mí las canciones, son seres que sienten: tienen su propia energía y presencia, y viven y respiran más allá del momento en que fueron creadas."
Hay un fuerte sentido de conexión en muchas de vuestras canciones, no solo en un sentido romántico, sino en un sentimiento más amplio de estar vinculado a otros. En ‘Georgie’s Song’, “You lift me up / So I’ll lift you up” parece capturar ese espíritu de reciprocidad. ¿Sientes que las personas que son importantes para ti han jugado un papel importante en este álbum?
Georgie es la batería de Womb y esta canción fue escrita hace varios años y tocada en vivo muchas veces antes de que finalmente la grabáramos. La conexión es definitivamente una gran parte de este álbum y de los anteriores. A veces, la música es la mejor forma de comunicarle un mensaje a alguien.
En todas nuestras entrevistas, nos gusta pedirles a los artistas que dejen una pregunta para la próxima banda que entrevistemos. ¿Cuál es la tuya?
Me gustaría preguntar al próximo artista qué hace cuando quiere tomarse un descanso de pensar en música.
De la misma manera, tengo una para ti de parte de Chase Petra. Dice: Si tuvieras que escribir un libro, ¿de qué trataría y por qué?
Hombres gays en el campo.
