Quince años han pasado desde que The Pains of Being Pure at Heart irrumpieron en la escena de pop de guitarras con un debut homónimo que redefinió los límites del noise-pop. Un disco que, lejos de esconder sus imperfecciones, las elevó como una bandera de autenticidad y juventud. Con guitarras distorsionadas, melodías etéreas y letras cargadas de una melancolía vibrante, la banda se convirtió en la voz de una generación que buscaba refugio en canciones tan brutales como tiernas. Ahora, con motivo del 15º aniversario de aquel álbum que los catapultó a la fama, Kip Berman y tres de los miembros originales regresan para revivir esas canciones que, como ellos mismos reconocen, cambiaron sus vidas.
La gira de reunión, que recorrerá España entre febrero y marzo, es más que un homenaje a su legado: es una celebración de cómo la música puede trascender el tiempo y conectar con audiencias de diferentes rincones del mundo. En ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia o San Sebastián, el público tendrá la oportunidad de reencontrarse con un sonido que marcó una época, desde el fuzz guitarrero de “Come Saturday” hasta la sensibilidad emocional de “Contender”. No es solo una gira; es un reencuentro, tanto para los fans como para los propios integrantes, que vuelven a ensayar como amigos antes que como músicos.
Es imposible ignorar el simbolismo de que esta reunión comience en España, un país donde la banda siempre ha encontrado una conexión especial. Desde sus primeros conciertos en el Primavera Sound hasta las giras que los llevaron a pequeños clubes y festivales locales, España se convirtió en un segundo hogar para su música, donde el carácter quijotesco de su propuesta resonó con especial intensidad. En palabras de sus seguidores, asistir a uno de estos conciertos es más que escuchar un disco en vivo: es revivir un momento, un estado de ánimo, una forma de entender el amor, la pérdida y la esperanza.
Hoy, con Slumberland Records reeditando el disco en vinilo coloreado y una alineación que incluye a Kip Berman, Peggy Wang, Christoph Hochheim y Kurt Feldman, The Pains of Being Pure at Heart nos invitan a un viaje al pasado, pero con los ojos puestos en el presente. Porque la magia de estas canciones no radica solo en su capacidad para evocar recuerdos, sino en su relevancia constante. Y porque, como diría su MySpace en aquellos años, a veces basta con soñar con ser la banda más grande del mundo… para unas pocas personas que realmente importan.
España siempre ha mostrado un cariño especial por tu música, y has mencionado la conexión única que sientes con tu público aquí. Mirando hacia atrás en la historia de la banda, ¿qué crees que resonó más con los oyentes españoles y con otros lugares donde vuestra música tuvo un impacto duradero?
Esto es algo para lo que realmente no tengo respuesta. Me he dado cuenta de que una de las cualidades de muchas de las bandas que nos inspiraron era esta idea de "heroísmo amateur". Me gustan las bandas que no son lo suficientemente buenas para hacer lo que quieren, pero lo intentan de todos modos, y como resultado crean algo genuino. Me gusta esa esperanza quijotesca de aferrarse a ideales que nunca se pueden lograr del todo. Incluso lo impráctico de nuestro nombre, de alguna manera, se opone al cinismo y la eficiencia del mundo.
No sé por qué esa sensación parece conectar como lo hace en España. ¿Tal vez la naturaleza quijotesca de nuestra banda es reconocida y bienvenida en la tierra que dio origen a ese concepto? Sea lo que sea, venir a España es como volver a casa y ser reconocido, incluso si nuestros hogares reales están al otro lado del océano.
The Pains of Being Pure at Heart surgió con una mezcla fascinante de influencias, desde el noise-pop de The Jesus and Mary Chain hasta la energía grunge de Nirvana. Esa combinación de dulzura melódica e intensidad sonora parece un equilibrio difícil de lograr. ¿Cómo conseguisteis fusionar esos mundos en un estilo que se siente tan auténtico y atemporal, incluso años después?
Muchas gracias por estas comparaciones. Quiero decir, simplemente intentábamos escribir canciones que nos gustaran y tocarlas alto. Cuando comenzamos, solo teníamos un ritmo de batería que reproducíamos en un Sony Discman. Era de mi madre, pero nos lo prestó (risas). Pero cuando Kurt Feldman se unió en la batería, nuestras canciones obtuvieron al menos dos o tres ritmos diferentes, y eso marcó una gran diferencia. Él era mi compañero de piso y me daba un poco de miedo pedirle que se uniera, porque en realidad es increíble con la música, pero Peggy me obligó a hacerlo, y definitivamente fue una buena idea. Deberías echarle un vistazo a sus otros proyectos musicales, Depreciation Guild (pasado) y Ice Choir (actual); es un artista increíble.
Durante el apogeo de la banda, el noise-pop experimentó un resurgimiento significativo, pero desde entonces, los géneros y las tendencias han cambiado mucho. Como alguien que ayudó a definir ese sonido en su momento, ¿cómo ves el estado actual del noise-pop? ¿Crees que todavía tiene la misma capacidad de cautivar a audiencias más jóvenes?
No estoy totalmente al día con todas las nuevas bandas, así que me parece injusto hacer juicios con certeza. Pero sé que están surgiendo muchos artistas geniales, especialmente en el sudeste asiático: bandas como The Bunbury, Drizzly, Pastel Badge, y muchos otros artistas en Lisdia Records. Y Slumberland tiene una nueva cosecha de artistas como Lightheaded, Jeanines y Chime School que también merecen ser escuchados.
Creo que una gran razón para el auge de la música "suave" o "relajada" es el ascenso del streaming como formato dominante. Es música que puede existir en la periferia de la vida o mezclarse con otros sonidos similares en listas de reproducción. No es algo malo, solo diferente al mundo en el que crecimos. Para nosotros, había tanto énfasis en tocar en conciertos (nos formamos para tocar en la fiesta de cumpleaños de Peggy), y queríamos "no ser aburridos" cuando tocábamos.
"Me gustan las bandas que no son lo suficientemente buenas para hacer lo que quieren, pero lo intentan de todos modos, y como resultado crean algo genuino."
Vuestro álbum homónimo de 2009 marcó un momento crucial en la música pop con guitarras. Ahora, con esta gira que celebra ese trabajo, ¿hay alguna canción del álbum que ahora escuches o toques desde una perspectiva completamente diferente?
Creo que la canción ‘Contender’ fue escrita porque me encantaban The Exploding Hearts (RIP). Vivía en Portland cuando estaban activos y trabajaba en el turno de noche en un centro de llamadas, sin lograr mucho, y deseaba poder estar en una banda como esa. Supongo que ahora, al tocarla, me doy cuenta de que tal vez alguien pueda sentir lo mismo con lo que fue nuestro grupo. Y solo quiero decir: "Oye, no te preocupes, todo estará bien; sigue haciendo las cosas que te importan y mantén la cabeza en alto".
Después de tantos años y cambios en la formación de la banda, habéis vuelto a ensayar casi más como un grupo de amigos que como una banda tradicional. ¿Cómo crees que esta dinámica afecta la forma en que os estáis preparando para esta gira en comparación con cómo trabajabais al principio?
Creo que en aquel entonces también éramos un grupo de amigos, pero siempre quería que fuéramos "una banda de verdad" y me preocupaba mucho que "no lo fuéramos". No me daba cuenta de que la forma en que éramos estaba bien. Ahora creo que lo que nos hizo "una banda de verdad" fue que no éramos una banda de "portada de revista" con un gran "equipo" que llegaba en autobús y era perfectamente perfecta. Éramos simplemente nosotros, amigos reales que se conocían en la vida antes de la música y solían ensayar con un reproductor de CD como batería en la oficina de Peggy después de que su jefe se iba. Solo intentábamos darle sentido a nuestras vidas y escribir las mejores canciones que podíamos, y las cosas que me preocupaban que nos frenaran eran, en realidad, lo que atraía a la gente a nuestra música.
A menudo mencionas que en los primeros días compensabais la falta de experiencia técnica con pasión e intuición. Ahora, con más conocimientos y habilidades, ¿cómo miras hacia atrás en esas limitaciones? ¿Crees que desempeñaron un papel esencial en la formación de vuestro estilo?
¡Ja! Bueno, no sé qué tan profesionales nos hemos vuelto. Esta formación no ha tocado un concierto desde probablemente 2011 o 2012, así que pasamos mucho tiempo en los ensayos diciendo cosas como: "¿Empiezo yo esta canción?" o "Oh, mierda, se me han desenchufado los pedales otra vez, un segundo chicos". Mi parte favorita de los ensayos es cuando hacemos una pausa y vamos a la bodega, nos relajamos, hablamos un rato y nos ponemos al día sobre nuestras vidas. Pero eso es lo que siempre me gustó de la banda: éramos genuinamente amigos primero y, finalmente, descubrimos el lado musical de las cosas.
El nacimiento de tus hijos y la pandemia fueron momentos clave que desviaron tu atención de la música como prioridad. Ahora que tus hijos son mayores y estás de vuelta en la gira, ¿cómo ha cambiado tu perspectiva sobre ser músico mientras formas una familia?
Antes de ser padre, me preocupaba que eso me impidiera salir de gira, como si solo pudiera verlo en términos de cómo limitaría lo que esperaba hacer. Pero el minuto en que nació mi hija, genuinamente no quería estar lejos de casa para nada. Ahora que mi hija es mayor y me ve yendo a ensayar, me pregunta si soy famoso, como Taylor Swift u Olivia Rodrigo, y le digo: "No, pero a algunas personas en España les gusta mi música, y eso es bastante guay".
"Ahora creo que lo que nos hizo "una banda de verdad" fue que no éramos una banda de "portada de revista" con un gran "equipo" que llegaba en autobús y era perfectamente perfecta."
Las letras de la banda siempre han capturado una mezcla de juventud, vulnerabilidad y romance. Mirando vuestra discografía, ¿hay canciones que sientas como mensajes enviados a tu yo futuro, o quizás un tipo de diálogo con tu pasado?
Muchas de nuestras canciones son un diálogo con el pasado, especialmente las del primer disco. Ahora, con perspectiva, si busco una temática común en las canciones del primer disco, es que hay muchas sobre amigos o personas que conocí que no lograron pasar sus vidas jóvenes sin heridas. Ya sea ‘Contender’, ‘Stay Alive’, ‘A Teenager in Love’, ‘The Tenure Itch’, ‘Hey Paul’, ‘Gentle Sons’ o ‘Higher Than the Stars’, todas esas canciones son sobre personas perdidas o dañadas, o los límites incómodos o poco claros entre la amistad y algo más. El título original del álbum iba a ser ‘Romantic Friendship’, una frase de ‘Brideshead Revisited’, una novela que gira en torno a temas similares.
Sin embargo, nuestro segundo álbum, ‘Belong’, era completamente lo opuesto. Fue un disco escrito con una ausencia intencional de reflexión. En cambio, tratamos de capturar y celebrar esa inmediatez vívida y desorientadora: quiénes éramos, lo que estábamos pasando como banda y como personas también.
Revisitar el repertorio de vuestros primeros años debe ser emocionante y desafiante a la vez. ¿Cómo ha sido revivir esas canciones y esa energía, no solo musicalmente, sino también emocionalmente?
Cada vez que tocamos ‘Come Saturday’ o ‘Everything With You’, se siente taaaan bien. No sé por qué, pero ciertos sentimientos, ese subidón de euforia al golpear la guitarra y el pedal de distorsión, nunca se siente viejo ni otra cosa que pura alegría.
España parece tener un lugar especial en la historia de The Pains. Desde aquellos primeros conciertos hasta el reciente anuncio de esta gira, ¿puedes recordar un momento específico durante tu tiempo aquí que sientas que moldeó o cambió tu perspectiva como artista?
Bueno, por supuesto nuestra primera vez fue en el Primavera Sound, y no puedo decirte lo surrealista que fue. Hasta ese momento, tocábamos principalmente en pequeños clubes, ya fuera para nuestros amigos en Nueva York o para una comunidad cerrada de fans del indiepop en el Reino Unido. Dormíamos en los suelos de amigos y solo intentábamos llegar de un lugar a otro. Y luego llegamos a España y tocamos ante miles de personas que conocían las letras de nuestras canciones, y simplemente no se sentía real.
Después de eso, tuvimos la suerte de que Houston Party nos hizo posible hacer giras en España regularmente y visitar lugares a los que quizá no todas las bandas llegan. Recuerdo las noches de fiesta en festivales hasta altas horas, bebiendo calimocho, tocando en una playa en San Sebastián, Lemon Pop Fest, Contempopranea, un festival de mariscos en Galicia, y otro festival precioso en lo alto de una montaña que era un parque de atracciones. Recuerdo noches en las que tocábamos y luego nos subíamos a una furgoneta para conducir toda la noche hasta el próximo show. España siempre se sintió enorme y llena de posibilidades y alegría, y tan diferente de un lugar a otro. Pero donde sea que estuviéramos, siempre sentíamos que no había un lugar mejor para nuestra música, ni una conexión más fuerte con nuestros fans y amigos.
Vuestro éxito inicial estuvo ligado a la era de MySpace, una época en la que las bandas emergentes podían conectarse directamente con su audiencia. Ahora, con plataformas como Spotify y TikTok dominando la escena, ¿qué opinas sobre cómo ha cambiado el camino para las bandas jóvenes?
Creo que MySpace hizo un buen trabajo al crear comunidades reales de artistas en internet de maneras que plataformas como Spotify no capturan tan bien. Las bandas en MySpace se conectaban un poco menos por un "sonido compartido" y más por amistad y admiración compartida. Podías mirar el top 8 de una banda y ver las bandas que les gustaban, y no se trataba de encajar en una lista de reproducción juntas. Estoy seguro de que hay cosas buenas en cómo la gente descubre música ahora, pero es un poco "antisocial". Los artistas en Spotify suelen ser proyectos en solitario grabados en casa, por lo que hay menos interacción real entre los artistas que se agrupan juntos.
"Con perspectiva, si busco una temática común en las canciones del primer disco, es que hay muchas sobre amigos o personas que conocí que no lograron pasar sus vidas jóvenes sin heridas."
En varias entrevistas has mencionado cómo ‘The Echo of Pleasure’ capturó un período de transición y emociones intensas. Ahora que ha pasado tiempo y tienes perspectiva, ¿cómo ves ese álbum? ¿Todavía te conectas con ese estado emocional?
No quiero hacer demasiado drama de esa etapa en mi vida ni actuar como si fuera único, ya que casi todo el mundo que está a punto de convertirse en padre ha pasado por lo mismo. Pero, por supuesto, es un cambio muy abrupto en la forma en que te entiendes a ti mismo, cómo tu propia vida se ve de repente subsumida por la de otro. Me preocupaba cómo habitar esa nueva identidad como padre, qué quedaría de mi antiguo yo, qué se descartaría inevitablemente.
Tus álbumes siempre han mantenido una fuerte cohesión emocional y estética. Ahora que muchos oyentes consumen música como pistas individuales, ¿qué papel crees que juegan los álbumes completos como proyectos artísticos en el panorama actual?
Todavía me gusta la idea de los álbumes como la manifestación completa del momento artístico de una banda: aquí hay 10 canciones que reflejan lo que sentimos y quiénes somos ahora. Pero entiendo que la gente puede agrupar la música de maneras que tienen sentido para ellos. Después de todo, ¿no son las listas de reproducción simplemente los mixtapes modernos, una colección personalizada de música para ti mismo o para compartir con un amigo? Muchas de nuestras canciones más queridas (‘A Teenager in Love’, ‘This Love is Fucking Right!’, ‘Stay Alive’, ‘Contender’, ‘Even in Dreams’, ‘Anne with an E’, etc.) nunca fueron lanzadas como sencillos. Así que tal vez internet tiene una mejor idea de qué canciones funcionan por sí solas de lo que nosotros jamás tuvimos.
En todas nuestras entrevistas, nos gusta que los artistas dejen una pregunta para la próxima banda con la que hablemos. ¿Qué pregunta dejarías tú?
¿Cuál es tu canción (o álbum) favorita de The Kinks?
Y en esa línea, tengo una para ti de Chris Cohen: ¿Por qué haces música?
Es satisfactorio, incluso si nunca estoy realmente satisfecho.
