En su más reciente entrega, 'Shirt' (Domino, 2024), Aaron Maine, la mente creativa detrás de Porches, nos transporta a un universo sonoro donde las expectativas son constantemente desafiadas y redefinidas. Este nuevo trabajo discográfico se alza como un hito en la evolución artística de Maine, donde se entrelazan, con asombrosa maestría, los matices del rock alternativo con una introspección lírica que cala profundo. Cada pista del álbum se despliega con audacia instrumental, tejiendo un tapiz sonoro que oscila entre momentos de una intensidad desgarradora y pasajes de una calma inquietante, casi espectral. Esta dualidad revela la complejidad emocional que Maine busca transmitir, ofreciendo al oyente una experiencia tan familiar como desconcertante, pero siempre intrigante.
En el plano lírico, 'Shirt' se sumerge en aguas profundas, abordando con sutileza temas universales como la identidad, la nostalgia y esa ineludible incertidumbre existencial que todos enfrentamos en algún punto. Maine recurre a personajes recurrentes y metáforas hábilmente trabajadas para crear una narrativa que, lejos de imponer una interpretación, invita al oyente a explorar sus propias proyecciones y reflexiones dentro de las canciones. Esta apertura hacia la subjetividad es uno de los grandes logros del álbum, haciendo de cada escucha una experiencia única y personal.
La producción merece, sin duda, una mención especial. En ella, Maine y su equipo logran capturar la crudeza y la inmediatez de una actuación en vivo, pero sin perder ese toque contemporáneo y pulido que se espera de una obra moderna. Esta hábil yuxtaposición entre lo orgánico y lo procesado genera una tensión palpable, un delicado equilibrio que atrapa la atención del oyente de principio a fin, sin concesiones. Uno de los aspectos más fascinantes del álbum es su constante flirteo con la dualidad entre sinceridad e ironía. Maine juega con las expectativas del público, desvelando momentos de vulnerabilidad desarmante, sólo para entrelazarlos con pinceladas sardónicas sobre la cultura contemporánea. Este juego de contrastes no sólo enriquece el álbum, sino que lo convierte en una obra polifacética, donde cada capa de ironía o emoción genuina es tan significativa como la anterior.
En definitiva, 'Shirt' marca un paso audaz y decidido en la trayectoria artística de Aaron Maine. Con una fusión magistral de sonidos intensos, letras profundamente evocadoras y una producción impecable, el álbum ofrece una experiencia sonora que desafía, provoca y finalmente recompensa a quienes se atreven a adentrarse en su complejidad. Aunque su propuesta puede resultar desconcertante en una primera escucha, la profundidad de su contenido invita a repetidas inmersiones, revelando nuevos matices y significados en cada sesión. Aprovechando la inminencia de este lanzamiento, hemos tenido el privilegio de conversar con Aaron, quien nos comparte las claves de esta obra cautivadora.
Sin lugar a dudas, este es el disco en el que más destacan las guitarras y un espíritu marcadamente rock y grunge. ¿Cuando empezaste a componer estas nuevas canciones, tenías claro que querías explorar estos territorios más contundentes a nivel sonoro?
Sí, definitivamente lo hice. Durante la gira de nuestro último disco, la banda empezó a tocar las canciones a un volumen muy alto, y los arreglos se volvieron bastante crudos, casi rock grunge. Resultaba realmente emocionante de interpretar, y el público respondía a esos momentos de tristeza desenfrenada. Así que quise tomar esa energía y llevarla más allá en este disco. Me propuse hacer un álbum más potente, una especie de "híper grunge". Quería usar guitarras distorsionadas, batería en vivo y sonidos de bajo para luego cortarlos en la producción, saturarlos un poco y hacer que sonaran inquietantes y modernos. Esa era la idea para los paisajes sonoros nostálgicos de este álbum.
Siento que este disco es mucho más visceral, tanto en lo lírico como en lo interpretativo. ¿Crees que el contenido de las canciones propició que los sonidos resulten tan crudos?
Sí, creo que hay mucha intensidad, ansiedad y tensión en las letras. Supongo que se influenciaron mutuamente. Cantar con una guitarra potente saca letras más oscuras y angulares, y producir en torno a emociones intensas o viscerales te lleva a reflejarlo en el sonido. Así que fue un disco intenso de hacer. El contenido y la atmósfera del proceso fue un lugar interesante para habitar durante dos años, sacando a la luz esas emociones crudas desde lo más profundo de mí.
En un disco con canciones tan variadas, ¿hubo alguna en particular que te revelara hacia dónde querías llevar el álbum?
Buena observación. Creo que la primera canción, 'Crying in the End', tiene guitarras acústicas aceleradas y luego un cambio dramático en el que todo se distorsiona. Canto más alto que nunca, casi gritando en lo más alto de mi registro. Cuando lo hice, pensé: "Esa es la energía". Quería que fuera inesperado, extasiado, con una sensación de incredulidad, como si el sol estuviera abriéndose y yendo con convicción. Sentí que con esa canción vislumbré lo que el disco podría ser, y mantuve esa energía durante todo el proceso.
"Me propuse hacer un álbum más potente, una especie de "híper grunge". Quería usar guitarras distorsionadas, batería en vivo y sonidos de bajo para luego cortarlos en la producción, saturarlos un poco y hacer que sonaran inquietantes y modernos."
La portada del disco es una foto tuya de joven, algo que conecta con las historias dentro de las canciones. ¿Crees que en este álbum exploras recuerdos de tu juventud?
Siento que la portada refleja una especie de tensión interna entre mi yo de 12 años y mi versión actual, una versión que ahora está más marcada por la angustia, los años y tal vez una dosis de mayor sabiduría, aunque también de cinismo. Es como un diálogo entre esas dos partes de mí mismo: por un lado, el anhelo de esa inocencia pura y genuina que existía en esa etapa temprana de mi vida, una inocencia que miro con nostalgia, pero que sé, en el fondo, que probablemente nunca regresará. Ese juego entre lo que fue y lo que soy ahora es algo que me resulta fascinante y que intenté capturar en la portada.
A lo largo del disco aparecen varios personajes, como Sally y 'the goat'. ¿Sientes que las canciones están conectadas a través de ellos?
Siempre me ha gustado incluir personajes. En mi anterior disco estaba Julie Range Rover. Para mí, son como pilares que ayudan a avanzar. Los repito a lo largo del álbum casi como si fuera una obra de teatro. Me dan licencia creativa para crear figuras con las que puedo interactuar, representando a diferentes personas y experiencias que he vivido. Además, puedo proyectar algunas de mis características en estos personajes, examinarme a través de ellos y plasmar mi monólogo interior en sus interacciones.
El disco muestra contrastes entre momentos de gran tensión y otros más tranquilos, a veces incluso dentro de una misma canción, como en ‘Sally’. ¿Buscabas navegar entre diferentes estados de ánimo?
Sí, esa yuxtaposición entre estados de ánimo y ambientes extremos fue fundamental en la creación del disco, y generó mucha de la tensión y ansiedad que se siente a lo largo de todo el trabajo. En algunas canciones, esa mezcla ocurre de forma gradual, casi como una evolución natural dentro de la propia pieza; mientras que en otras, ambos estados de ánimo están presentes al mismo tiempo, casi superpuestos, creando una sensación de caos controlado. Mientras componía y producía, me sentía constantemente inquieto, como si estuviera caminando en una cuerda floja, intentando capturar con la mayor precisión posible ese movimiento continuo de incertidumbre y desequilibrio. Me atraía mucho la idea de mezclar elementos que, a primera vista, podrían parecer imposibles de combinar, como ciertos sonidos o letras, y ver cómo interactuaban entre sí. Me gusta enfrentar géneros musicales que normalmente no se encuentran en el mismo espacio y observar qué sucedía cuando los ponía en diálogo, buscando siempre ese punto de fricción que, para mí, es donde surge algo verdaderamente interesante.
A menudo, las letras parecen moverse entre el sarcasmo y la sátira. ¿Te interesa escribir desde esa ambigüedad?
Sí, es lo que ocurre en mi cabeza. Muchas veces todo lo veo increíblemente importante y personal, pero luego adquiere una angustia existencial que me obliga a reírme de mí mismo. Es como si mi mente estuviera en una aceleración frenética durante todo esto. Estos discos son una instantánea de lo que siento durante el período en que los escribo, y trato de representarlo musicalmente lo mejor que puedo.
"Siento que la portada refleja una especie de tensión interna entre mi yo de 12 años y mi versión actual, una versión que ahora está más marcada por la angustia, los años y tal vez una dosis de mayor sabiduría, aunque también de cinismo."
‘Bread Believer’ parece sugerir que se puede creer en cualquier cosa. ¿Es una idea que está presente en el álbum?
Esa canción surgió de manera completamente espontánea, casi como si ya estuviera ahí y simplemente tuviera que dejar que fluyera. Para mí, 'Bread' representa muchas cosas, como el dinero, el capitalismo, e incluso la fe en un sentido más amplio. Es un símbolo que encierra distintas capas de significado. Aunque la canción en ningún momento dice explícitamente que deberías ser un 'Bread Believer', sí sugiere de alguna manera que podrías serlo, si eliges verlo así. Me gusta pensar en ella como un juego sobre hasta qué punto te tomas a ti mismo y tus creencias de forma seria. Es una reflexión sobre cómo esas convicciones que tenemos pueden ser, al mismo tiempo, una fuente de esperanza o inspiración, pero también algo que podría volverse tonto, mezquino o hasta absurdo, dependiendo de la perspectiva desde la que se mire. Esa dualidad, esa mezcla entre lo profundo y lo banal, es algo que me interesa mucho explorar, y creo que esa canción capta bien ese balance entre lo que creemos y cómo esas creencias pueden ser tanto un refugio como una trampa.
En la canción 'USA' aparecen temas como la religión, el patriotismo y el ecologismo. ¿Qué querías expresar?
Es una canción cargada de ironía que escribí un 4 de julio, lo cual no es casualidad. En ella, decidí adoptar ciertos tropos estadounidenses que, a menudo, pueden ser interpretados como violentos, posesivos e incluso oscuros. Me interesaba jugar con esos elementos, no solo porque forman parte de la identidad cultural del país, sino también porque se prestan para una reflexión más amplia. El coro, en el que canto “singing you and I were meant to”, es una admisión de que, independientemente de nuestras ideas o posturas individuales, soy tan parte de América como cualquier otra persona que vive aquí. Todos, de alguna manera, estamos entrelazados en esta compleja trama de lo que significa ser estadounidense. Aunque mis ideas o creencias puedan ser distintas a las de otros, no puedo evitar ser cómplice, en cierto modo, de lo que ocurre en este país, simplemente por el hecho de formar parte de él. Sin embargo, quiero dejar claro que no es una canción que busque hacer una declaración política explícita; más bien, es una reflexión personal sobre el patriotismo extraño y a veces bizarro que se siente tan intensamente durante esa festividad en particular. Es como si el 4 de julio exacerbara todos esos sentimientos contradictorios, y la canción es mi forma de explorar y exponer esa dualidad.
‘Music’, la canción que cierra el disco, parece ser una declaración de intenciones sobre el rock and roll. ¿Qué significa para ti?
Es una lectura literal. He perseguido este sueño durante años, y he tenido la suerte de tener el tiempo para hacerlo. Al final, te sientas, miras atrás y piensas: "Todo lo que era era rock and roll", algo épico y hermoso, pero también sin sentido. Es un ajuste de cuentas con esa fantasía dramática, que podría ser cualquier sueño: astronauta, estrella del béisbol... Perseguir ese tipo de sueño siempre tiene paralelismos interesantes para mí.
Tus canciones suelen durar poco más de dos minutos, pero en ese tiempo ocurren muchas cosas. ¿Tu forma de componer está relacionada con eliminar detalles superficiales?
Totalmente. Me encanta editar las canciones para que sean lo más concisas posible. Quiero que suenen punk, limpias, directas y que no pidan demasiado tiempo de atención. Algunos lo valoran, otros no, pero siempre busco lo corto y dulce, llegar al punto lo más rápido posible, casi como una sobrecarga sensorial.
"Me gusta enfrentar géneros musicales que normalmente no se encuentran en el mismo espacio y observar qué sucedía cuando los ponía en diálogo, buscando siempre ese punto de fricción que, para mí, es donde surge algo verdaderamente interesante."
En todas nuestras entrevistas, nos gusta que dejéis una pregunta para la siguiente banda. ¿Cuál es la tuya?
Me gustaría saber qué les impulsa a seguir escribiendo música, qué descubren sobre esa compulsión, porque siento que, pase lo que pase en mi carrera, lo haría todos los días. Tengo curiosidad por saber cómo lo viven otros artistas.
Finalmente, Jess Cornelius te dejó una pregunta: ¿Tienes otras salidas creativas además de la música?
Interesante pregunta. Realmente, no tengo ninguna otra. Solía pintar o escribir en mi diario, pero la música satisface totalmente mi impulso creativo. Quizá socializar, observar a la gente y aprender de ellos sea una forma de creatividad, aunque no sé si eso cuenta como tal. Es más bien investigación u observación, en lugar de expresar mis propias emociones para que otros las consuman.
