Este nuevo disco fue grabado entre 2020 y 2021 principalmente a través del intercambio de ficheros. ¿Sentís que este proceso os resultó en ocasiones bastante limitante o también le encontrasteis sus ventajas?

Honestamente, una vez que empezamos, fue liberador. Como durante todo el proceso estaba ya involucrada la grabación de los temas, pudimos tomarnos nuestro tiempo e ir experimentado y descubriendo cosas en cuanto a texturas y arreglos. Esto hizo que el proceso de escritura fuese más lento, al no poder saltar ideas en tiempo real, pero la grabación en sí fue divertida y aprendimos mucho haciéndola.

 

Se podría decir que este TiIl The Ground es vuestro disco del confinamiento. ¿Consideráis que de alguna forma la incertidumbre y el carácter tan extraño de aquellos días se acabaron filtrando en las canciones?

Sin duda. No teníamos realmente planeado escribir un álbum en 2020, simplemente no podíamos hacer nada más, así que todo esto fue sacado de este año increíblemente oscuro y tumultuoso, especialmente en Minneapolis. Ocupando nuestra cabeza en hacer música, al menos parecía que la realidad quedaba más lejana.

Como inspiración a la hora de componer estas canciones, habéis citado las películas de terror, el tarot y algún que otro texto religioso. ¿Cuánto protagonismo tuvieron estos elementos en estas canciones?

Como dije, no teníamos planeado escribir un álbum en 2020. Lanzamos nuestro segundo álbum Goodbye, Nowhere! ese año, y planeábamos simplemente hacer giras y tocar presentando estas canciones. Pero como no podíamos realmente juntarnos, me obligué a empezar a escribir. Lo experimenté como si viviese aislado en una cabaña en mitad del bosque, algo muy distópico, ya que no podía salir de casa. Así que todas las preocupaciones que me rondaban la cabeza en ese momento las usé como una especie de estímulo para comenzar a escribir, y creé esta visión ficticia a través de la cual escribí sobre cómo me sentía, porque al final todas nuestras canciones siempre se tratan de sentimientos.

"Siempre hemos amado la música lenta y soñadora. Low justo son de Minnesota, de donde somos, y haberlos visto actuar tantas veces durante tantos años dejó una gran impresión. "

Sin lugar a dudas, este nuevo disco muestra una cara más relacionada con las influencias slowcore, desarrollando unas canciones más reposadas y de atmósferas más densas. ¿Sentís que últimamente os ha llamado mucho la atención este tipo de sonidos y queríais potenciarlos en vuestra música?

Definitivamente, siempre hemos amado la música lenta y soñadora. Low justo son de Minnesota, de donde somos, y haberlos visto actuar tantas veces durante tantos años dejó una gran impresión. En realidad, desde nuestros comienzos siempre hemos tenido algunas canciones más lentas y sombrías. Este álbum simplemente lo sentimos como la primera vez que hemos dejado que ese lado nuestro sea la característica principal de una referencia, con la música más acelerada tomando un papel secundario.

Siempre me han gustado mucho como a lo largo de vuestras canciones reflejáis contrastes muy pronunciados entre momentos de gran intensidad guitarrera y otros en los que os sumergís en sonidos más relajados e incluso evasivos, como puede ser el caso de ‘Feelin Dumb’. ¿Creéis que en la composición de vuestros temas os gusta potenciar mucho estos contrastes?

Supongo que sí. Creo que hace que las canciones sean más dramáticas o emocionales cuando hay grandes contrastes sónicos en lugar de un solo sentimiento que se prolonga en el tiempo. No creo que haya una forma de hacer canciones que sea mejor que otra, pero nuestra banda siempre ha encontrado un espacio emocional en el que sentirse cómoda a través de estos contrastes.

Creo que ‘Heavy’ es una de las canciones más impresionantes de vuestra trayectoria, contando con un inicio de lo más fulgurante y un cierto tono melancólico. ¿Cuándo compusisteis la canción tuvisteis la sensación de que iba a ser importante dentro de este disco?

Definitivamente, fue la primera canción que escribí para el álbum. Simplemente tocaba todos los días, esperando a que algo empezara a formarse y una vez que escribí esos acordes principales, el resto del sonido y la sensación del álbum derivó de ahí. Es una de mis canciones favoritas que hemos hecho, seguro. Coincido sin lugar a dudas contigo.

Otra de las canciones más ásperas y ruidosas del disco es ‘Gothic’, mostrando unas distorsiones de lo más poderosas y alcanzando casi matices épicos en su final. ¿Veis esta canción como un punto de inflexión del disco que sugiere sensaciones muy diferentes al resto de la referencia?

Sentí que necesitábamos una canción más rápida y más cargada de estrés para marcar una especie de punto emocional máximo. La ansiedad es un tema importante en el álbum, pero ninguna de las canciones es particularmente inductora de ansiedad. ‘Gothic’ se llamaba originalmente ‘The Tower’ en referencia a la carta del tarot donde básicamente todo se desmorona, y líricamente se trata de un profundo arrepentimiento, así que idealmente sirve como ese momento de pánico en nuestra metáfora de la cabaña en el bosque que te comenté antes.

"Estoy mucho más interesado en crear una sensación de lugar y sentimiento que en una especie de narrativa, ya que eso hace que las canciones me parezcan más amplias o universales. "

Tanto en ‘Heavy’ como en ‘Gothic’ me gusta mucho como lográis superponer vuestras voces, aportando a las canciones un cierto toque más emotivo. ¿Desde dentro sentís que este recurso resulta bastante importante en estos temas?

Diría que sí. Mi voz es bastante suave, y Seth, nuestro baterista, canta coros y su voz es mucho más fuerte. Una vez nos dimos cuenta de esto, hay veces que tratamos de explotar estas características, ya que ayudan a agregar intensidad y definen mejor las líneas vocales.

A lo largo de vuestra carrera, del mismo modo que en este disco, siempre habéis mostrado un tono muy confesional y escrito en primera persona vuestras letras. ¿Consideráis que os resulta imposible escribir sobre algo ficcionado en lo que no os sintáis involucrados de alguna forma?

Posiblemente. Solía pensar en cada canción que escribía como una especie de autorretrato. Siempre ha sido este proceso de transcribir emociones y experiencias en lugar de contar historias para mí. Estoy mucho más interesado en crear una sensación de lugar y sentimiento que en una especie de narrativa, ya que eso hace que las canciones me parezcan más amplias o universales. Al mismo tiempo, siempre me lo he planteado, pero no sé cómo escribir sobre los sentimientos de alguien más que los míos.

En relación a la pregunta anterior, también considero que a pesar de que las letras de este disco muestren cierta oscuridad, también tiene un componente por momentos bastante aliviador. ¿Sentís que muchas veces cuando exponéis vuestros pensamientos íntimos en las canciones también produce un sentimiento liberador?

Todo el proceso de creación en medio de la destrucción fue bastante central en este álbum, ya que eso es lo que estaba presenciando dentro de mí y a mi alrededor, de ahí viene el título Till the Ground. Pero más allá de eso, me prohibí deliberadamente escribir letras que fueran puramente desesperanzadoras o fatalistas. Llevo toda la vida luchando contra la depresión y las ideas suicidas, y cuando pienso en hacer arte que sucumba a ese sentimiento de desesperanza, me siento muy incómodo. Hacer música siempre ha servido como una forma de escapar, algo liberador y una razón para vivir para mí. Así que cuando escribo canciones, esa lucha de querer rendirse pero al final encontrar una manera de crecer y seguir adelante estará naturalmente presente, supongo.

‘In Wisconsin’ creo que es un tema también en el que mostráis muy bien el equilibrio entre todos los contrastes que residen a lo largo de la referencia, siendo una de esas canciones que alcanza un momento rompedor cuando lanzáis esa pregunta de “are you with me now?” ¿Hubo alguna experiencia concreta que os llevase a componerla?

Esta canción es un poco diferente a las demás en el sentido de que es en realidad una canción de amor para mi esposa, Bree. Hay un puñado de canciones que he escrito para ella en nuestro catálogo, y encuentran su camino en álbumes que de otra manera estarían llenos de existencialismo. ‘In Wisconsin’ en realidad tiene algunas referencias musicales a esas otras canciones que tal vez los oyentes habituales captarán.

"Todo el proceso de creación en medio de la destrucción fue bastante central en este álbum, ya que eso es lo que estaba presenciando dentro de mí y a mi alrededor, de ahí viene el título Till the Ground. Pero más allá de eso, me prohibí deliberadamente escribir letras que fueran puramente desesperanzadoras o fatalistas. "

Aunque el tema final ‘Death Looms’ posea momentos bastante desoladores, la forma de presentarlo instrumentalmente parece invitar a una cierta esperanza. ¿Desde dentro sentís que este tema conserva algún atisbo esperanzador?

¡Espero que sí! Las letras de esta canción en realidad proporcionaron el título para todo el álbum "what was lost was broken anyhow/ tear it down/ till the ground/ take my hand and start again". El mensaje completo que proporciona el tema es el de reconstruirlo todo después de que las cosas hayan terminado o se hayan perdido.

Vuestro anterior trabajo Echinacea nos dejó ante unas canciones de contenido bastante existencialista y acústicas, resultando muy diferentes a todo lo que habíais mostrado hasta la fecha. ¿Visteis este disco como una especie de experimento para vosotros o llevabais mucho tiempo queriendo lograr un disco de estas características?

Un "EP acústico" siempre ha sido algo que quería hacer, y estar en cuarentena parecía un buen momento para hacerlo. Echinacea y Chrysanthemum son como EP gemelos y tienen la sensación de ser más confesionales y de autor en solitario. Realmente los veo más como un puente o intermedio entre dos álbumes puramente al uso como son Goodbye, Nowhere! y Till the Ground.

 

Sois una banda que surgió en Minneapolis, ciudad en la que continuáis residiendo. ¿Cómo es vuestra relación con la ciudad y de qué forma impregna vuestra música?

Mayormente nos hemos considerado a nosotros mismos como una "banda del medio oeste" más que como una banda de Minneapolis, ya que somos originarios de ciudades más pequeñas y nos sentimos igualmente apoyados por otras ciudades de la región en este momento. Sin embargo, Minneapolis es una ciudad fantástica para desarrollar una banda, definitivamente ha moldeado quiénes somos al habernos formado aquí, y en este álbum en particular creo que juega un papel más importante. Las ciudades gemelas han pasado por mucho y es nuestro hogar.

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para la siguiente banda a entrevistar. ¿Cuál es la vuestra?

A medida que tú mismo creces y cambias, ¿cómo fomentas esa misma renovación en tu música? ¿Cómo tratas de no depender demasiado de las viejas rutinas o ecuaciones?

También tengo una para vosotros a cargo de Rick de Pile: ¿cuál es el mayor reto al que te enfrentas en su carrera musical y qué haces para superarlo?

Creo que mi mayor desafío es sentirme confinado a un espacio que he creado para mí mismo, sentir que tengo que crear ciertas cosas de cierta manera debido a las ideas que tengo o que otras personas tienen sobre lo que estoy haciendo. Realmente, lo único que importa es seguir tu propia creatividad y satisfacción creativa, y necesito dejar que eso sea mi brújula, por así decirlo.