Chris Cohen presenta su cuarto álbum en solitario, ‘Paint A Room’. Esta nueva entrega, lanzada a través del sello Hardly Art, marca un cambio en el enfoque creativo del músico estadounidense. En contraste con sus trabajos anteriores, donde Cohen solía componer y grabar en solitario, ‘Paint A Room’ es el resultado de un proceso más colaborativo. El artista trabajó junto a una banda compuesta por Davin Givhan en el bajo, Josh da Costa en la batería y Jay Israelson en los teclados, con quienes ha estado tocando en directo durante casi una década. Esta dinámica grupal se refleja en la textura sonora del álbum, que presenta una mayor riqueza y complejidad en comparación con sus obras previas.
El disco cuenta con diez canciones que exploran una variedad de estilos y texturas musicales. Cohen incorpora elementos de jazz, pop psicodélico y rock independiente, creando un sonido que resulta a la vez familiar y novedoso. Las influencias de artistas como Jorge Ben, Milton Nascimento y Gary McFarland se pueden percibir en ciertos pasajes del álbum, aunque Cohen logra mantener su identidad musical distintiva. La producción de ‘Paint A Room’ se caracteriza por su atención al detalle y su sofisticación. Los arreglos de viento, a cargo de Jeff Parker en ‘Damage’ y Josh Johnson en varias pistas, añaden capas de profundidad a las composiciones. La inclusión de instrumentos como flautas, saxofones y clarinetes contribuye a crear una atmósfera que evoca los sonidos de la costa oeste estadounidense de los años 70 y 80.
Líricamente, Cohen aborda temas más directos y personales en comparación con sus trabajos anteriores. Las canciones exploran cuestiones sociales, reflexiones existenciales y experiencias personales. ‘Damage’, por ejemplo, trata sobre la violencia estatal y la negación de la humanidad del otro, mientras que ‘Sunever’ aborda la experiencia de un niño transgénero y la fluidez de las categorías de identidad. Aprovechando que el músico tocará con su banda en Madrid en el mes de diciembre, hemos tenido el placer de entrevistarle.
Este álbum tiene un enfoque muy diferente en cuanto a la colaboración musical en comparación con tus proyectos anteriores, donde solías grabar solo y desarrollar canciones a partir de una pequeña idea hasta llegar a su complejidad final. Al ceder más control en este disco y permitir que otros músicos aportaran sus ideas, ¿qué impacto crees que tuvo esto en el resultado final y en tu proceso creativo personal?
Sobre el resultado final, es difícil decirlo. Estoy demasiado cerca del trabajo para analizarlo, pero diré que me sorprendió en algunos aspectos cómo quedó. Y esa era, más o menos, la idea. El proceso creativo fue el mismo en cuanto a escribir las canciones, pero la experiencia de arreglar y ejecutarlo fue muy diferente. Fue más una experiencia social, no tan solitaria y aislada como en el pasado. En general, fue un placer hacerlo.
Desde la infancia, la meditación trascendental ha sido parte de tu vida, algo que mencionas como clave para observar tus pensamientos y tu relación con el mundo. En ‘Painting A Room’, donde exploras temas tan introspectivos, ¿cómo influye esta práctica en la atmósfera o las letras de tus canciones?
La meditación me permite acercarme más a algo más “mío”, que creo que la música también hace. Pero no intento que mi música sea necesariamente introspectiva o sobre meditación. En este disco quería que las canciones miraran más hacia afuera, al mundo, más que en mis discos anteriores. Esperaba usar la música, como la meditación, como una forma de acercarme indirectamente a algo fundamental o verdadero, dándome un respiro de la tiranía de mi mente.
La canción ‘Sunever’ toca temas profundos sobre identidad y fluidez en un mundo que a menudo intenta imponer categorías rígidas. ¿Qué te inspiró a escribir esta canción desde esa perspectiva y cómo ves el impacto de estas categorías en la sociedad?
Creo que las categorías pueden tener un impacto muy corrosivo en nuestras vidas y, por supuesto, están muy arraigadas en la cultura de la que provengo. Escribí esta canción porque un niño que quiero estaba teniendo serios problemas relacionados con el género y la adultez que se acercaba. Solo quería enviarle un “mensaje”, como dice la letra, para decirle que creo en su derecho y en su capacidad de definirse a su manera, y que creo que sobrevivirá.
"No intento que mi música sea necesariamente introspectiva o sobre meditación. En este disco quería que las canciones miraran más hacia afuera, al mundo, más que en mis discos anteriores."
Has recorrido un largo camino con tres álbumes previos en los que has explorado conflictos personales y cuestiones sociales complejas. Ahora, cinco años después, con ‘Painting A Room’, ¿qué elementos del álbum reflejan más fielmente tu evolución tanto personal como musical?
No estoy seguro de si he evolucionado personalmente o musicalmente, pero creo que las condiciones simplemente cambian de forma natural y todos respondemos a nuestra manera. En discos anteriores, venía de una experiencia de colaboración intensa con otros y durante un tiempo solo quería hacer música en privado, sin hablar de ella hasta que estuviera terminada. Y después de hacer eso durante un tiempo y echar de menos la compañía de otros, además de tener acceso a un presupuesto de grabación adecuado que me permitiera contratar gente, pensé: “vale, vamos a hacer un disco más de banda”. También había músicos con los que estaba trabajando y sentía que tenía una conexión fuerte, y eso también me inspiró.
Este álbum se creó en un entorno nuevo, una casa alquilada en Altadena, y cada lugar suele aportar una atmósfera única. ¿Cómo crees que este cambio de residencia influyó en el sonido de ‘Painting A Room’ y en el contenido lírico de tus canciones?
Algunas canciones vinieron directamente del mundo que me rodeaba, como ‘Cobb Estate’ o ‘Randy's Chimes’, inspiradas en mi vida diaria: paseos con el perro por las colinas de las montañas de San Gabriel, los sonidos y vistas de mi entorno inmediato. Fue una existencia suburbana tranquila durante unos años mientras hacía el disco. Me tumbaba en el patio trasero mirando los árboles altos, y estoy muy agradecido de haber podido hacer eso.
La pandemia trajo cambios significativos para muchos artistas en el ámbito creativo. Durante el tiempo que trabajaste en este álbum, ¿hubo algún concepto o sentimiento predominante que te sirviera de impulso creativo en esos tiempos de incertidumbre?
Simplemente me tomé mi tiempo e intenté disfrutar. Quería la oportunidad de explorar y trabajar con otras personas. La pandemia llegó justo cuando había terminado todas las giras que iba a hacer para mi tercer disco. Y mientras trabajaba en mi disco, también trabajé en la música de muchas otras personas, y eso fue un gran trabajo para tener.
‘Physical Address’ parece jugar con fragmentos de la realidad cotidiana, tomando frases que escribiste en formularios de desempleo. ¿Qué te llevó a usar esta técnica de “corta y pega” en una canción y cómo crees que refleja lo que muchos buscamos en nuestras vidas?
Simplemente me di cuenta de que había muchas palabras extrañas en ese formulario cuando las sacabas de contexto, y me pareció un buen desafío tratar de limitar mi propia aportación. Intenté usar solo palabras que aparecían en el formulario y descubrí que tomaba un carácter que resonaba con mi experiencia. Además, llenar ese formulario en 2020 fue tan importante. Fue una suerte si podías obtener ese dinero de desempleo, y no todos lo consiguieron. Así que, supongo que mi canción conmemora eso.
"Algunas canciones vinieron directamente del mundo que me rodeaba, como ‘Cobb Estate’ o ‘Randy's Chimes’, inspiradas en mi vida diaria: paseos con el perro por las colinas de las montañas de San Gabriel, los sonidos y vistas de mi entorno inmediato."
El álbum explora temas sociales profundos, como la violencia estructural, especialmente en canciones como ‘Damage’. A través de esta canción, donde hablas de “cómo imponemos poder sobre personas con menos poder”, ¿qué aspectos específicos de este tema querías destacar?
Quería escribir una canción para convencer a la gente de que no necesitamos policías ni prisiones para estar seguros, presentar esa idea de forma melódica y agradable, porque sé que mucha gente aún no está de acuerdo. En la canción intenté rastrear cómo la violencia estructural impregna nuestras vidas de principio a fin, y cómo esa violencia comienza con la idea de que algunas vidas son más valiosas que otras. Esta devaluación de la vida es la base del capitalismo, que la policía, las prisiones y el ejército están simplemente ahí para sostener.
En ‘Painting A Room’, mencionas que una de tus canciones explora el concepto de “estar siempre en transición”, reflejando la importancia de entender el cambio constante en nuestras vidas. ¿Cómo aborda este álbum esa idea de transición, tanto en tu vida personal como en la vida de los que te rodean?
Diría que para mí la música siempre trata sobre la transición; literalmente nos hace cambiar, al escucharla y al tocarla. La música es cómo he continuado adaptándome y encontrando mi lugar en el mundo, y creo que siempre lo hará de alguna manera. Al igual que las ondas de sonido, que no son más que cambios en la presión del aire, la música es la encarnación del cambio.
En tus canciones parece surgir una sensación de paz a partir de la vulnerabilidad. ¿Crees que el proceso de hacer este álbum te ayudó a reconciliar aspectos complejos de ti mismo?
‘Damage’, por ejemplo, podría ser una en la que reconcilié aspectos complejos de mí mismo; fue una manera de reflexionar sobre mis experiencias y los valores que me enseñaron, que a veces estaban en conflicto entre sí. Sonidos y palabras juntos hacen mucho más que solo palabras o solo sonidos. Dejo que la música misma guíe las palabras, ya que escribo la música primero y luego encajo las palabras en ella... así que, un poco como reorganizar las palabras en ‘Physical Address’, proporciona una estructura arbitraria que reencuadra lo que crees que querías decir y te lleva a cuestionarte. Puede ser un ejercicio para ver lo que realmente sientes o piensas sobre algo.
¿Sientes que hay algún tema o sentimiento recurrente que siempre aparece en tus álbumes, como una especie de “firma” que también se refleja en Painting A Room?
Eso espero; creo que la música representa, idealmente, una sombra del alma del músico, algo que no puedes describir exactamente, pero que reconoces cuando lo escuchas.
En todas nuestras entrevistas, nos gusta que los artistas dejen una pregunta para la próxima banda a la que entrevistemos. ¿Cuál es la tuya?
¿Por qué haces música?
De la misma manera, tengo una para ti de parte de Boyscott. Aquí va: ¿Cuál es tu experiencia más memorable en una gira? ¡Buena o mala!
Solemos recordar bien las comidas. Recientemente, Brad Germain de la tienda de discos ‘Into the Abyss’ en Hamilton, Ontario, nos sirvió a mi banda y a mí una sopa que me encantó. Tenía patatas, zanahorias, tomates, caldo de verduras y leche de coco; fue tan deliciosa y nutritiva que me hizo muy feliz y esa fue una noche maravillosa.
