Después de terminar la gira de presentación de ‘An Overview on Phenomenal Nature’ te pusiste rápidamente a componer un nuevo disco que al final no te gustó, desechándolo y comenzando de nuevo con la composición de este nuevo LP. ¿Qué aprendizajes o cambios implementaste en tu proceso creativo para asegurarte de que ‘My Light, My Destroyer’ tuviese todos esos detalles que carecía el anterior disco?

Me di cuenta de que necesitaba seguir adelante, ante todo. Creo que al principio no funcionaba lo que estaba componiendo porque había vivido mucho en los últimos años y regresé a casa agotada después de las giras. Tenía muy poco que decir, pero quería hacer un buen trabajo y terminarlo de la mejor forma posible. Cuando intentas hacer un álbum, solo cumplir con el trabajo es algo que algunas personas pueden hacer y hacerlo muy bien. Pero en mi caso, sabía que faltaba una chispa de verdad. Sentía que tenía que contar cosas importantes sobre lo que había vivido, pero todavía no había llegado al punto adecuado para hacerlo correctamente.

Algunas de las canciones que aparecen en este disco, provienen de ideas que has ido recogiendo durante años, apuntándolas en tus cuadernos. ¿Te ocurre muchas veces que al revisar ideas del pasado adquieren matices muy diferentes en el presente y que pueden resultar muy útiles para tus canciones?

Sí, diría que es casi como un proceso inverso. A veces empiezo a escribir una canción y me lleva años entender lo que intento procesar. Solo con el tiempo puedo mirar atrás y decir: "Oh, ahora empiezo a entender por lo que estaba pasando". Pero cuando estás en medio de ello, a veces es muy difícil verlo, algo así como ese refrán que habla de lo complicado que es ver el bosque a través de los árboles. Creo que, en este momento, no soy el única que ha experimentado esta especie de desarrollo detenido con lo que estaba procesando en 2019, antes de que nos enfrentáramos de repente a una pausa global en la vida tal como la conocíamos. Con esa pausa global, también vino una interrupción de las ideas y emociones que estaba procesando en ese momento, en favor de lidiar con un presente caótico.

Es como si hubiera tardado seis años en procesarlo todo, pero en realidad fueran dos años porque durante cuatro de esos años estaba más enfocada en sobrevivir, como si mi casa estuviera en llamas y no pudiera prestar atención a quitar la maleza del jardín. Creo que solo ahora me he dado el espacio y el permiso para empezar a entender algunas cosas a un nivel más profundo porque ya no estaba simplemente tratando de sobrevivir, lo cual es algo bueno. Y creo que, sí, estoy empezando a ocuparme de las partes de mí que estaban un poco magulladas y agotadas al final de estos cuatro años que hemos vivido.

"Estoy empezando a ocuparme de las partes de mí que estaban un poco magulladas y agotadas al final de estos cuatro años que hemos vivido."

A lo largo de tus canciones siempre se desprende esa sensación de cómo tu día a día y las historias más comunes forman una parte importante de las cosas que te inspiran, tal y como ocurre por ejemplo en ‘Delphinium Blue’. ¿Sientes que los pequeños detalles del día a día son importantes dentro de tu proceso creativo?

Totalmente. Es algo que me ocurre mucho. Acerca de este tema, Luke Temple, un compositor que me encanta y a quien conozco desde hace unos 20 años, dijo algo que me marcó. Un amigo mío hizo un curso de composición con él, y comentó algo como: "Mira tu vida cotidiana con la misma compasión con la que verías un evento trágico o un acontecimiento que cambia la vida". Es una de las cosas más difíciles de hacer, pero es importante prestar atención a los pequeños detalles del día a día.

Creo que es fundamental practicar una especie de consciencia sobre los hechos cotidianos que vivimos cada día y eso es lo que intento hacer siempre. En ‘Delphinium Blue’ se ve claramente. La canción transcurre durante un año en el que realizo tareas muy mundanas. A través de ese año, empiezo a entender mi vida haciendo esas cosas cotidianas, observando las mismas flores cada día. Así, puedo ver la línea temporal más amplia que estoy viviendo. Las flores se convierten en un punto de referencia útil con su propio espacio, tiempo y reglas. De forma similar, nuestro desarrollo emocional tiene su propio ritmo. Estoy muy agradecida por esa etapa de mi vida.

‘Betelgeuse’ es una de las canciones más especiales del disco, ya que incluyes la voz de tu madre en una noche mirando las estrellas, construyendo el tema de una forma muy delicada alrededor de ella. ¿Sientes que el grabar esta conversación te ayudó a encontrar nuevas temáticas e ideas acerca de lo que querías mostrar en este disco?

Sí, creo que hay pequeños puntos de referencia a lo largo del camino que realmente captan mi atención y esta conversación me ayudó a agudizarlos. Creo que esto aparece en diferentes canciones. En ‘Delphinium Blue’, por ejemplo, es una flor la que me llama la atención. En ‘Only One’, es un cartel en la ventana de un salón de masajes. Cuando estoy con mi madre, es una estrella en el cielo nocturno. Estas cosas son puntos de referencia para mí en mi camino y me orientan en la vida.
Me he obsesionado totalmente con los planetarios, el cielo nocturno y las constelaciones. La astrofísica de salón se ha convertido en mi hobby, lo que hago en mi tiempo libre para relajarme y obtener nuevas perspectivas en mi vida. Me ayuda a volver de mis experiencias con una nueva visión.

Una de las ideas más importantes de este disco creo que es aquella de mantener la curiosidad por todas las cosas que te rodean y que surgen en la vida. ¿Sientes que esta temática es algo que siempre te ha preocupado mucho y que componiendo estas canciones has encontrado alguna forma de lograr que esta curiosidad sea más permanente en tu vida?

Definitivamente, creo que la curiosidad es algo que hay que practicar. No es simplemente innata, aunque está dentro de todos nosotros. Creo que está incorporada porque la naturaleza lo quiso así. La naturaleza siempre sugiere seguir adelante y si de verdad te interesa conocerla más en profundidad, no te quedes con las ganas. Siento que hay una relación simbiótica entre nuestra curiosidad, nuestro sentido de asombro y el mundo que nos rodea.

Es muy fácil pasar por la vida sin mirar al cielo, sin fijarse en los árboles y en los pájaros. Durante la mayor parte de mi vida, nunca había oído la cacofonía de sonidos de los pájaros en Nueva York. Pero cuando empecé a observar aves, de repente, podía identificarlos a todos y tenía mi propio manual para lo que estaba escuchando. La curiosidad fue lo que me llevó a ese entendimiento. Pero primero, antes de que surgiera la curiosidad, tuvo que haber un pájaro que se pusiera delante de mí y me dijera: "¿Alguna vez has pensado en esto?" Y yo respondí: "No, no lo había hecho, pero ahora estoy lista para empezar a pensarlo". Y antes de darme cuenta, podía diferenciar entre un cardenal, un jilguero, un halcón y un águila, y todos los pájaros a mi alrededor.

Luego, podría ir a España y no haber escuchado nunca antes esos cantos de aves. Sería un paisaje sonoro completamente nuevo. Donde quiera que vaya, siempre hay más que aprender. Es un aprendizaje de por vida. Cualquier cosa en el mundo natural lleva una o muchas vidas para comprenderla. Creo que toda la humanidad ha estado trabajando en eso y es importante que este espíritu continúe.

"Creo que es fundamental practicar una especie de consciencia sobre los hechos cotidianos que vivimos cada día y eso es lo que intento hacer siempre."

Relacionado también con la forma de mantener la curiosidad por todo lo que te rodea. ¿El hecho de tener a una profesora de ciencias naturales como madre sientes que desde pequeña también te ha ayudado a tener una visión más curiosa e inquieta de todo lo que te rodea?

Sí, creo que es una combinación de naturaleza y crianza. En mi caso, mi madre creó un ambiente donde podía ser curiosa. Siempre está compartiendo datos asombrosos. El otro día, estábamos en el porche y estaba leyendo las noticias, y de repente dice: "¿Sabías que encontraron un pez de 250 kilos en el río Hudson?" O "¿Sabías que hay dos asteroides en camino hacia la Tierra que podrían destruir una ciudad entera?" Y luego, "Espera, ¿has visto ese pájaro pasar?". Así es ella.

Creo que también estoy predispuesta genéticamente a ver el mundo de una manera similar. A nivel neurológico, creo que mi cerebro tiende a observar el mundo y querer entenderlo de cierta forma. A veces me distraigo fácilmente porque tengo una experiencia sensorial muy intensa al moverme por el mundo. Esa divergencia neurológica es algo que realmente valoro y sobre lo que estoy aprendiendo cada día más. Estudio mi cerebro con curiosidad: ¿por qué funciona de esta manera? ¿Qué significa eso para mí? ¿Cómo puedo dirigirlo hacia cosas que me aporten bienestar en lugar de enfermedad?

‘Omakase’ es una canción de vital importancia en el disco, ya que incluye el título del disco y todas las cosas que este sugiere. Buscando en internet, he encontrado que significa algo así como “lo dejo a tu elección”, en referencia cuando un cliente deja a elección del chef su elección en un restaurante. ¿Cómo crees que conecta esta palabra con el título del disco y todo lo que sugiere?

Me gusta mucho este término porque puede tener múltiples referencias. Primero, hay una fresa en Estados Unidos que se cultiva en laboratorios y se llama omakase berry. Se llama así porque es una de las fresas más dulces que existen, ya que han descubierto cómo cultivarlas de una manera especial. No están modificadas genéticamente, solo se cultivan en un ambiente muy controlado. Son muy caras, cuestan como 30 dólares por seis fresas, así que no puedo permitírmelas. Son como algo inalcanzable para mí.

En contraste, pienso en un coyote, que es muy salvaje y astuto, y me veo reflejado en esa comparación. También mencionaste la definición de “omakase” que significa "como desees". Cuando aprendí eso, me pareció una idea hermosa. Las letras de apertura de la canción tienen una sensación romántica, casi como una canción de amor, un género que no suelo explorar.

Esta canción juega con la idea de pedir a alguien que me haga sentir tan seguro que pueda desmoronarme completamente en sus manos y luego recomponerme. Es como una petición a esa persona que puede sostener ese espacio de cuidado. Tiene que ver con la noción de "aftercare" en inglés, que es el cuidado después de una experiencia intensa. “Omakase” tiene esa sensación de que alguien está dispuesto a cuidar de mí, o de las partes de nosotros mismos que necesitan ser vistas en esos momentos íntimos. Así que, como muchas de mis canciones, trata de muchas cosas, dependiendo de lo que queramos hablar.

Me gusta mucho como el disco está plagado de sonidos ambiente y conversaciones que se integran a la perfección con la parte instrumental y la parte lírica. ¿Sientes que fue complicado para ti escoger cuáles de estos sonidos te encajaban en el disco?

Sí, algunos de los sonidos más ambientales en las grabaciones de campo. A veces escucho algo y, una vez que lo he incluido, no puedo imaginar la canción sin ello. En ese punto, se vuelven inseparables y realmente escucho los sonidos como música. Escucho el diálogo como música. Si lo desglosas, es muy musical. La paleta sonora de este disco realmente surge de mi experiencia vivida. A veces, encuentro muy reconfortante usar grabaciones de campo cuando te adentras en lugares poéticos muy abstractos, pero vuelves a la Tierra en cuanto escuchas precisamente esas grabaciones. Te lleva de vuelta al momento presente. Mi colaborador Andrew Lapin me explicó que las grabaciones de campo son localizadoras; te llevan directamente allí. Es genial poder hacer eso en un disco, ya que pueden ir a cualquier parte y crear mundos abstractos. Hablamos mucho de los álbumes como construcción de mundos y atmosféricos, pero es divertido traer esa atmósfera de vuelta a casa con las grabaciones de campo.

Me ha parecido muy bonito el guiño que haces en este disco con ‘Hayley’, la canción que cierra el disco y que se llama igual que otra de tu disco anterior, cambiando solo la y que aparece en el medio. ¿Sientes que cuando en tu anterior disco compusiste ‘Hailey’ quedó incompleta de algún modo y de ahí incluiste su final en este disco?

En realidad, si consideramos ‘Halley’ de mi primer álbum ‘Play Till You Win’, es la tercera que aparece de esta serie. Mi amigo Ian Davis escribió la primera y luego yo escribí la segunda. Es sobre mi amiga Hailey Gates y mi admiración por esta mujer increíble. La llamé y le dije que le iba a enviar mi álbum. Ella es la voz que habla en ‘Omakase’. Le dije: "¿Cantarás en mi disco?" y antes de que pudiera terminar la frase, me respondió: "Obviamente, sí. Tenemos que seguir con esto". Y yo pensé, genial. Luego me dijo en broma: "¿Y por qué no hay una canción con mi nombre esta vez? No me puedo creer que no hayas nombrado otra canción con mi nombre". Y le respondí que en realidad había una canción sin título todavía. Entonces me dijo: "Obviamente, la vas a llamar 'Halley', ¿no?". Y yo le dije que sí.

Así que ahora tengo tres canciones llamadas "Hailey", cada una con una ortografía diferente. Aún quedan más formas de escribirlo, quizá tenga que tener una hija y llamarla Hailey, o al menos ponerle ese nombre a un sombrero o algo así.

"Me he obsesionado totalmente con los planetarios, el cielo nocturno y las constelaciones. La astrofísica de salón se ha convertido en mi hobby, lo que hago en mi tiempo libre para relajarme y obtener nuevas perspectivas en mi vida. Me ayuda a volver de mis experiencias con una nueva visión."

Tanto en la portada de tu anterior disco como en este nuevo, la luz y el cielo propios del atardecer son claros protagonistas. ¿Sientes que esas horas del día te resultan de lo más inspiradoras?

Sí, es curioso. No me di cuenta de que mi disco anterior también era como un crepúsculo. Pero lo gracioso es que este disco es muy reciente; lo terminé en diciembre, así que todavía estoy procesándolo. Todas las observaciones que me has hecho me hacen decir: "¡Vaya, es verdad!"

Siempre me ha fascinado el crepúsculo. Es un momento ambiguo, justo antes y justo después de algo. Es como el bardo, ese limbo, esos espacios liminales me parecen muy interesantes. En este disco, el álbum comienza al amanecer. En la mitad del disco está ‘Aurora, IL’, que también significa amanecer, y al final está ‘Only One’ donde vuelve a decaer la luz. No era mi intención seguir este patrón, pero al mirar el álbum desde una perspectiva más amplia, me doy cuenta de que quizás es verdad que la luz cambiante a lo largo del día está presente. Si escribes lo suficiente sobre el amanecer, estos temas acabarán surgiendo.

Creo que simplemente escribo sobre lo que me interesa, y los temas emergen no porque intente forzarlos, sino porque siguen apareciendo de forma natural. Voy a seguir viendo las mismas cosas desde diferentes ángulos. Es como si pudiéramos escuchar la misma cosa contada de mil maneras diferentes. Todos hemos oído hablar de lo mismo, pero siempre puedes mirarlo desde una perspectiva nueva.

‘Aurora, IL’ es una canción en la que si no me equivoco te ves reflejada en cierta medida en el personaje de Captain Kirk. ¿Qué aspectos de ese personaje te llamaron la atención a la hora de componer le canción?

Me gustó incluir a Captain Kirk en el álbum para ofrecer una perspectiva astral, para alejarme de mi propia experiencia y ver las cosas desde una perspectiva más amplia. Me estaba volviendo muy miope y limitada cuando me sentía atrapada. No lograba salir de los propios bucles en los que me metía. Sentía que estaba en medio de la nada, como si estuviera en el espacio exterior y mi vida siguiera adelante sin mí. Entonces, Captain Kirk estaba ahí para recordarme que todos mis problemas son parte de este pequeño punto azul. Si tengo eso en mente, puedo relajarme un poco, y eso es lo que necesitaba escuchar. Necesitaba que alguien me dijera: "Relájate, todo va a estar bien. Volverás a tocar en directo, te recuperarás del COVID y tu vida continuará". Así que, en cierto modo, Captain Kirk vino a recordarme eso, o yo le llamé para que me lo recordara.

Si no me equivoco, escritoras como Anne Carson y Maggie Nelson son influyentes para ti. ¿Cómo crees que la literatura ha moldeado tu enfoque de la composición musical?

Alguien me hizo ver recientemente que mucho de mi trabajo está muy orientado a los impulsos. A menudo, me inspiro en las cosas que me rodean, ya sea algo que alguien ha dicho, un libro de Anne Carson o una cita de Maggie Nelson. Siento que estoy en diálogo constante con las cosas que me inspiran. Si miras mis canciones desde esa perspectiva, verás que es casi como si fuera un estudiante en una clase con todos estos temas que he elegido para escribir sobre ellos. En lugar de escribir un ensayo, elijo la opción creativa de escribir una canción. No sé si esto fue parte de tu educación, pero en mi escuela, a veces teníamos la opción divertida si teníamos una mente más creativa, y yo siempre elegía esa opción. Siento que sigo tratando de ser un estudiante en mi vida.

"Hablamos mucho de los álbumes como construcción de mundos y atmosféricos, pero es divertido traer esa atmósfera de vuelta a casa con las grabaciones de campo."

En todas nuestras entrevistas nos gusta que la persona entrevistada deje una pregunta para la siguiente persona a entrevistar. ¿Cuál es la tuya?

Tengo curiosidad por saber cuál es el snack favorito de la banda cuando están de gira.

Del mismo modo tenemos una para ti a cargo de Derek de A Country Western, dice así: ¿cuál es la ciudad en la que mejor se come?

Estoy muy tentada de decir Barcelona ahora mismo, pero creo que el mejor lugar para comer es en esta ciudad, Nueva York. Aunque en realidad solo quiero decir: ven aquí a mi casa, te invito a comer. Podemos preparar algo rico (risas).