El debut de Blood, 'Loving You Backwards', emerge como una obra que desafía expectativas y trasciende géneros. Concebido en el aislamiento de Filadelfia durante la pandemia, el álbum refleja una metamorfosis artística y personal del grupo. La mudanza a Filadelfia marcó un punto de inflexión para Blood, permitiéndoles sumergirse en un proceso creativo intenso y colaborativo. Este ambiente propició una exploración sonora que se aleja de sus raíces punk, abrazando una paleta musical más expansiva y matizada. El título del álbum sugiere una introspección poco convencional sobre las relaciones y el amor propio. Las composiciones navegan por territorios emocionales complejos, abordando inseguridades arraigadas y el proceso de autodescubrimiento. Temas como la sexualidad, la psicología y las dinámicas familiares se entrelazan a lo largo del disco, creando un tapiz sonoro rico en texturas y significados.
Musicalmente, 'Loving You Backwards' oscila entre baladas íntimas y explosiones de energía post-rock. Esta diversidad estilística refleja la evolución de Blood, quienes han abandonado conscientemente las limitaciones de género para seguir sus instintos creativos. El resultado es un álbum que sorprende constantemente al oyente, transitando fluidamente entre momentos de vulnerabilidad y arrebatos de intensidad. La producción, a cargo de Daniel Enrique Howard, juega un papel crucial en la cohesión del álbum. Su enfoque equilibrado y abierto permitió a la banda explorar nuevas direcciones sonoras, como evidencian las innovadoras texturas en temas como 'Holy Family'.
Líricamente, el álbum aborda temas como la identidad queer, la crítica social y las complejidades de las relaciones interpersonales. Estas exploraciones se presentan con una honestidad descarnada, resultado de un proceso creativo que priorizó la vulnerabilidad y la comunicación abierta entre los miembros de la banda. 'Loving You Backwards' marca una evolución significativa para Blood. El disco no solo representa un alejamiento de sus inicios punk, sino también una expansión de su paleta emocional y musical. La banda demuestra una madurez artística al abordar temas personales y universales con una sensibilidad refinada.
En resumen, este debut es un testimonio del crecimiento de Blood como artistas y como individuos. 'Loving You Backwards' se presenta como un viaje sonoro y emocional que invita a múltiples escuchas, revelando nuevas capas de complejidad con cada inmersión. Es un álbum que desafía categorizaciones fáciles, ofreciendo en su lugar una experiencia musical profundamente personal y universalmente resonante. Aprovechando lo reciente de este lanzamiento, hemos tenido el placer de entrevistar a su vocalista Tim O’Brien.
En 2021, os mudasteis a Filadelfia, lo que supuso un nuevo comienzo. Pensando en este gran cambio en vuestras vidas: ¿Cómo creéis que el traslado a Filadelfia y el hecho de vivir juntos afectó a la evolución de vuestro sonido y al ambiente creativo del grupo?
Mudarnos a Filadelfia nos permitió aislarnos en nuestro propio mundo. Siempre me han inspirado los artistas que se encierran e intentan crear algo peculiar a partir de las vibraciones de los demás. Pienso en el Dungeon de Outkast, por ejemplo. Creo que todos nos sumergimos en el colectivo durante un tiempo y creamos música que se siente mucho más subconsciente y expansiva. Lo hacíamos todo juntos porque era la pandemia. En este entorno, hay mucho menos que puedas ocultar, así que creo que todos fuimos más generosos con la honestidad que ofrecimos a la música.
El título del álbum, ‘Loving You Backwards’, sugiere un enfoque interesante de las relaciones. Considerando este planteamiento poco convencional: ¿Puedes explicar cómo se manifiesta este concepto de ‘abordar una relación al revés’ en vuestras letras y música?
Creo que está por todo el disco, tanto de forma abstracta como evidente. Se trata esencialmente de enfrentarse a las inseguridades más arraigadas y debilitantes mientras te enamoras. Estoy agradecido de haber tenido la música para ayudar en ese proceso. Siento que canciones como ‘Oh Forget’ y ‘Holy Family’, que fueron escritas por la banda en la misma sesión, tienen esta sensación. Esas canciones, para mí, se sentían como intentar volver atrás en el tiempo ancestralmente para ver el dolor del presente con una perspectiva mucho más amplia.
En la información del álbum, dijiste que te sentiste más libre a la hora de mostrar los “matices femeninos” de tu voz en este disco. Profundizando en esto: ¿Cómo refleja esta decisión una evolución personal y artística más amplia?
Cuando la banda empezó, hubo una enorme explosión de energía que se expresaba principalmente en rabia. Fue una gran exteriorización de mucha agresión que hasta entonces había dirigido hacia mí interior. Siempre he tenido la sensación de que mis opiniones fuertes y mi voz nunca se tomaban en serio. Esto viene de ser queer, pero también de crecer con una mentalidad radical en el Beltway de Washington D.C. Cualquiera de la capital del país entiende que, si desafías el statu quo allí, te encontrarás con los golpes más fascistas de condescendencia. Desde muy jóvenes se anima a la gente a alinearse con el poder. Si no lo haces, tus ideas serán recibidas con arrogancia y desprecio, porque las ideas amenazan el control de los pocos ricos e influyentes en los que tus compañeros intentan convertirse.
El primer disco de Blood trataba sobre esto. Habla de tener un mundo interior político y sexual que se quedó atrapado antes de los labios, en una rabia silenciosa durante mucho tiempo. Cuando salió, se sentía muy brutal y masculino porque quería que los pensamientos penetraran y devolvieran violentamente el golpe a la gente arrogante con la que crecí. Después de tener mucho tiempo para expresar esos pensamientos en un escenario, pude ver otras partes más matizadas, tranquilas y hermosas de mí que estaban ocultas bajo los manifiestos. ‘Loving You Backwards’ es un documento de ese proceso. Este disco representa un despojamiento de la persona que aúlla al mundo y muestra una mirada hacia el entendimiento de su propio ser.
"Mudarnos a Filadelfia nos permitió aislarnos en nuestro propio mundo. Siempre me han inspirado los artistas que se encierran e intentan crear algo peculiar a partir de las vibraciones de los demás."
La banda tuvo revisiones semanales de salud mental durante el proceso creativo. Teniendo en cuenta lo importante que es la salud mental en la creación artística: ¿Cómo influyeron estas reuniones en vuestro proceso creativo y en los temas del álbum?
Nos ayudó a ser más vulnerables y honestos entre nosotros en todos los aspectos de la vida. Nos ayudó a ver a la persona completa que teníamos delante y aportó un sentido mucho mayor de empatía y ternura en la música.
El productor Daniel Enrique Howard también fue clave en la realización del álbum. Pensando en esta colaboración crucial: ¿Cómo describirías el trabajo con él y cómo cambió vuestro enfoque musical?
Dan fue una figura mágica para nosotros desde el principio. Su generosidad como amigo y colaborador es incalculable y no tendríamos un disco sin él. Es la voz de la razón más equilibrada y abierta en la sala. La mayoría de nosotros en la banda defendemos siempre mucho nuestras ideas y podemos meternos en líos hablando. Dan fue el antídoto perfecto para esto y era genial diciendo exactamente lo que necesitábamos escuchar en el momento adecuado. Además, canciones como ‘Holy Family’ se convirtieron en creaciones completamente nuevas con las ideas de Dan y su brillante producción. Las trompetas en esa canción me dejan sin aliento cada vez.
Leí que abandonasteis “cualquier apego previo al punk o a nociones de género”. Reflexionando sobre este cambio radical: ¿Cómo gestionasteis este proceso de deconstrucción y reinvención musical?
Me encanta estar en esta banda porque originalmente escribíamos música ‘punk’, sea lo que sea eso, pero a ninguno de nosotros nos importa mantener nociones de género en nuestra música y a ninguno nos importaba mantener un sonido punk. Cuando nos pusimos manos a la obra, simplemente queríamos tocar lo que nos saliera y en realidad disfrutamos más con las canciones que se sentían más alejadas de nuestro primer EP.
Siempre has estado muy interesado en la historia queer. Considerando lo importante que es esta influencia: ¿Qué papel juega el estudio de la historia queer en el concepto y las letras de ‘Loving You Backwards’?
No creo que sea muy relevante para este disco. No hay una canción sobre Harry Hay ni nada por el estilo. Solo diría que se manifiesta en el interés general de las letras por la sexualidad, la psicología y el linaje familiar. Leo demasiadas memorias gay, así que esa sensibilidad puede aparecer a veces.
"Este disco representa un despojamiento de la persona que aúlla al mundo y muestra una mirada hacia el entendimiento de su propio ser."
La canción ‘One Dimensional Man’ parece abordar temas complejos sobre sexualidad y opresión. Profundizando en el significado de esta canción: ¿Puedes explicar con más detalle los conceptos y experiencias que inspiraron estas letras?
Me gusta cómo Marcuse describe la sexualidad como una fuerza que puede liberarnos de nuestro destino de convertirnos en borregos clónicos en la sociedad moderna. Sin embargo, me da miedo lo lejos que han llegado las fuerzas asimilacionistas dentro de la cultura queer. Muchos aspectos de la vida gay se han vuelto tan uniformes que a menudo podemos sentirnos completamente ajenos de una historia que es profundamente radical y que está vinculada a una lucha de clases más amplia. Esta canción es una pulla a mí mismo y a otros queers modernos que con demasiada frecuencia olvidan que hay una semilla revolucionaria dentro de su deseo.
El álbum se describe como una mezcla de “baladas desgarradoras” con elementos de “pop raro” y vibraciones post-rock. Dada esta diversidad musical: ¿Cómo conseguís equilibrar estos diferentes estilos en vuestra música?
No nos gusta improvisar. La mayoría de estas canciones empezaban con acordes de guitarra que sentíamos que tenían más fuerza e interés y luego intentábamos escribir la canción basándonos en el instinto. Dejamos que cada uno escribiera su propia parte e intentamos trabajar rápidamente, pero dándonos la oportunidad de respirar cuando era necesario. No hacemos reglas en torno al género o al tipo de música que se nos permite hacer y, por suerte, creo que hasta ahora ha funcionado.
Después de terminar este disco, la mitad de la banda se fue. Pensando en este gran cambio: ¿Cómo afectó a la visión y al futuro de Blood?
Por un momento, consideramos que la banda podría haber terminado. Con el tiempo, me di cuenta de que eso sería una pena y, gracias a Tyler y Zach, seguimos adelante y construimos una nueva formación con la diversión y el crecimiento musical como guía.
Tenéis raíces en Austin antes de mudaros a Filadelfia. Considerando estas dos escenas musicales diferentes: ¿Cómo influyó vuestra experiencia en Austin en la música que creasteis en Filadelfia? ¿Notáis diferencias significativas entre las dos fases?
La música que creamos en Filadelfia trataba sobre el aislamiento y el análisis del yo y la familia. Las canciones de Austin se crearon con más conciencia de que serían interpretadas en directo. Creo que siempre hubo un sentido del exhibicionismo realmente divertido y extremo en nuestra música de Texas.
‘Bone Dry’ marca definitivamente un cambio de paradigma creativo dentro de la banda. Profundizando en este momento crucial: ¿Puedes explicar este cambio y cómo afectó a vuestro proceso creativo?
Durante un tiempo este otoño fuimos un cuarteto y escribimos canciones a una velocidad vertiginosa. Escribimos esta canción muy rápido y todos los aspectos de su composición y grabación ocurrieron con muy poco esfuerzo. Fue el ejemplo más claro de cómo seguir el instinto y no pensar demasiado o dudar puede llevar a algo maravilloso que de otra manera quizás no te habrías permitido conseguir.
"Muchos aspectos de la vida gay se han vuelto tan uniformes que a menudo podemos sentirnos completamente ajenos de una historia que es profundamente radical y que está vinculada a una lucha de clases más amplia."
El sonido del álbum se compara tanto con la intimidad de Grouper como con la inmensidad de Talk Talk. Considerando estos contrastes: ¿Cómo abordáis la tensión entre lo íntimo y lo vasto en vuestra música?
Aunque este álbum trata emociones más sensibles y tiernas, nunca hemos renunciado a nuestro instinto musical de abstenernos de las progresiones de acordes consonantes y tradicionales. Julian escribe partes de guitarra hermosas que aún tienen mucha mordiente. Creo que hay muchos momentos musicales que parecen inofensivos, pero que no son fáciles de digerir. Nos han llamado provocadores antes.
La canción ‘Holy Family’ parece tocar temas de familia y redención. Reflexionando sobre el contenido emocional de esta canción: ¿Qué os inspiró a explorar estos conceptos en vuestra música?
Como mucha otra gente, la pandemia creó muchos cambios intensos en mi familia y en mi relación conmigo mismo. Siempre me han interesado estos conceptos y se remonta al primer EP, con canciones como ‘Progeny of the Agency’. Sin embargo, a medida que te haces mayor, los asuntos familiares se vuelven aún más extraños y tienes que ser más reflexivo sobre cómo ayudar a que las cosas mejoren para la próxima generación de chiflados. Es broma, ¡os quiero, familia!
‘Loving You Backwards’ es el álbum debut de Blood. Mirando hacia atrás y hacia adelante: ¿Cómo veis la evolución de Blood desde el principio hasta ahora, y qué esperáis para el futuro del grupo?
El plan siempre ha sido escribir música que disfrutemos y ofrecer el mejor espectáculo posible al público. Quiero que la gente obtenga el valor de su dinero y más cada vez.
En todas nuestras entrevistas, nos gusta pedir a las bandas que dejen una pregunta para la próxima banda que entrevistaremos. ¿Cuál es la vuestra?
¿Queréis tener hijos?
De igual manera, tengo una para vosotros de Annie de Chastity Belt: ¿Cuál es vuestra canción favorita de karaoke?
Creo que ‘If It Makes You Happy’ de Sheryl Crow.
