Entrevistamos a

Surfer Blood

"He regresado a casa por motivos personales, pero esto me ha ayudado a poner en perspectiva 10 años sin parar de dar conciertos y hacer discos."

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Surfer Blood están de regreso este próximo viernes con Carefree Theatre (Kanine Records, 2020), el quinto LP de su carrera donde John Paul Pitts y compañía apuestan por un formato de canción mucho más pop y directo que en su anterior Snowdonia (Joyful Noise, 2017). Teniendo como punto de partida el regreso de John a su hogar en West Palm Beach, Florida, el músico comenzó a elaborar unas canciones donde la inspiración melódica resulta extraordinaria, dejándose guiar por su instinto a la hora de explorar nuevas fórmulas en su música tales como construcciones más narrativas de los temas o una mayor limpieza en su sonido de guitarras. El resultado nos deja ante uno de los mejores y más inmediatos discos del grupo, todo ello intentando rendir homenaje al teatro en el que John pudo crecer como persona y ver a sus grupos favoritos en la adolescencia. Así es como el peso del pasado juega un papel importante a la hora de definir todas las cosas que han cambiado en la vida del músico desde que comenzase hace más de 10 años el grupo. Aprovechando lo inminente de este lanzamiento, entrevistamos a John Paul.

El título de este trabajo proviene del teatro de West Palm Beach en el cuál pasaste buena parte de tu juventud asistiendo a conciertos. ¿Cómo surgió la idea de homenajear a este lugar tan importante en tu vida?

Básicamente sentí que este lugar fue muy importante para mí, porque aquí en Florida parece que todo siempre está un poco desconectado del resto de Estados Unidos, y ya no te digo del resto del mundo, por lo que este teatro es donde únicamente venían las grandes bandas de gira que quería ver. Era esa la forma de aproximarse al resto del mundo sin moverse de Florida, algo que para mí era casi como un sueño. Este hecho siempre ha estado muy presente posteriormente cuando yo también me embarqué en giras con mi grupo. Luego llega esa parte en la que vives fuera de tu ciudad y tiendes a extrañar lo que tenías antes.

 

Al mismo tiempo, este teatro fue abandonado y demolido unos años después de que te fueses de la ciudad. ¿Crees que no resulta difícil dejarse llevar por la nostalgia de este lugar en alguna de las canciones del disco?

El teatro desapareció dos años antes de que surgiese como tal Surfer Blood, pero el simbolismo del lugar sigue ahí. Quizás en su momento no resultase tan devastador para mí porque estaba viviendo mi vida adulta, pero sentía mucha indignación por perder un lugar tan influyente no solo para mí, sino para muchas otras personas. Al parecer no tenía lugar en los futuros negocios que se desarrollarán en la zona. Toda una pena.

Acerca de algún que otro momento mítico en este lugar. ¿Tienes un especial recuerdo de alguno de los conciertos que viste en este lugar?

Sí, recuerdo muy bien la primera vez que vi a Wilco aquí. Los había comenzado a escuchar no mucho antes de su actuación y todavía desconocía bastante sobre ellos. Así que cuando vinieron aquí no me los perdí, ofreciendo un recital maravilloso. Además si no me equivoco fue el primer concierto que vi en este lugar, haciéndome gran fan del grupo después de él. Incluso tuve la oportunidad de conocer años más tarde a Jeff Tweedy en un festival, pero sin lugar a dudas recuerdo aún más memorable esta primera vez que los vi aquí.

Este es tu primer disco que compones después de regresar a casa tras muchos años fuera. ¿Crees que el hecho de escribirlo desde la ciudad donde empezó todo te ha hecho reflexionar más que de costumbre de como ha cambiado todo y los logros que has alcanzado con Surfer Blood?

Sin lugar a dudas las cosas son muy diferentes ahora. He regresado a casa por motivos personales, pero esto me ha ayudado a poner en perspectiva 10 años sin parar de dar conciertos y hacer discos. También por desgracia los miembros del grupo han ido cambiando, del mismo modo que mi forma de componer. Además el componer este disco ha sido mucho más sencillo que cuando compuse el debut en este mismo lugar. Nuestro debut fue como dar palos de ciego, tratando de lograr algo bueno sin saber hacia dónde me dirigía. Luego tuve la suerte de que se incorporasen el resto de miembro del grupo, algo que fue como un auténtico milagro. Éramos muy jóvenes y no teníamos ni idea de cómo grabar, pero al final salió todo bien.

En este nuevo trabajo he leído que tenías grabadas unas 25 demos, algo que ocurrió durante el verano de 2018. ¿Fue muy difícil escoger qué canciones formarían parte del disco o lo viste más o menos claro?

Lo cierto es que no tenía ninguna meta cuando me puse a componer este nuevo disco. Sabía que quizás tenía que ser más conciso con las canciones, intentar que fuesen más directas y compactas. Era consciente de que nuestro último disco tenía algunas canciones bastante largas con partes muy diversas. Solo tenía ocho canciones pero duraban todas mucho. Como artista, siempre estoy interesado en poder hacer las cosas de una forma diferente, buscando nuevas fórmulas para que los discos no se parezcan. Por lo tanto llegó un momento que sentí que tenía que irme despojando de cosas que había escrito. Al final lo bueno es que nos dio tiempo a tener todos los discos grabados y en formato físico antes del encierro causado por el Covid, sintiéndome bastante afortunado respecto a lo que les ha ocurrido a otras bandas en este tiempo.

"No tenía ninguna meta cuando me puse a componer este nuevo disco. Sabía que quizás tenía que ser más conciso con las canciones, intentar que fuesen más directas y compactas. "

En este nuevo disco aparece la canción ‘Parkland (Into the Silence)’, una canción que se encuentra basada en los tiroteos que hubo cerca de tu ciudad hace dos años. ¿Te resultó difícil escribir una canción tan devastadora que al mismo tiempo implica una gran sensibilidad a la hora de hablar sobre el suceso?

A la hora de escribir el tema me centré en la forma en la que reaccioné ante tal terrible tragedia. Desafortunadamente en Estados Unidos es algo que a lo mejor pasa una docena de veces en un año, pero siempre lo tengo muy presente. Es un hecho muy triste porque unas semanas después se da por olvidado hasta que sucede de nuevo. En este caso tuvo más trascendencia que ocupar las conversaciones habituales de la semana siguiente al hecho, habiendo grandes manifestaciones a lo largo de los Estados Unidos. Me sentí muy inspirado por la forma en la que la gente se movilizó. Es muy sencillo ver todo esto desde fuera, pero en cualquier momento te puede afectar y cambiar tu vida por completo. Quizás cuando era más joven no estaba tan concienciado con estas situaciones, por lo que me enorgullecí mucho de la forma en la que respondió mi ciudad ante esta situación.

‘Summer Trope’ es un tema en el cual las letras llegan de una forma más narrativa, incluyendo la historia de un prisionero y un tiburón. ¿Para ti resulta difícil sentirte inspirado por personajes ficticios en lugar de dejarte llevar por experiencias reales que te han ocurrido a ti o a los de tu alrededor?

Esta canción tiene su punto de partida en algo que me pasó cuando estaba viviendo cerca de San Francisco. Mientras estaba conduciendo por la bahía de Bridge detuve mi mirada en la prisión de Alcatraz, porque más o menos todas las semana pasaba por allí ya que vivía en Oakland por aquel entonces. Al mismo tiempo, había escuchado muchas historias de gente que había muerto allí. Ese lugar es un punto destacado en el mapa, por lo que dejé volar mi imaginación acerca de las cosas que podían haber sucedido en él. No conozco realmente a nadie que se lo haya comido un tiburón como relato en la canción, pero creo que parecía una buena historia. Al final veo esta canción como una especie de experimento para la banda. Comencé a través de unas progresiones de acordes muy setenteras, metiéndoles bastantes efectos a la guitarra. Me gusta la idea de poder tirar de imaginación para contar historias en mis canciones, obteniendo al mismo tiempo uno de los temas más convincentes del disco.

 

Creo que ‘Dewar’ es una de mis canciones favoritas del disco, sonando de lo más pasional a pesar de incluir algún momento bastante triste. ¿En qué te inspiraste para escribir este tema?

Esta vuelve a ser una de las canciones más narrativas del disco. La inspiración proviene de mi padre, que fue tanto un buen hombre como un buen padre, pero provenía de un mundo muy duro y tradicional. Él fue ingeniero durante toda su vida y vi un documental sobre el Proyecto Manhattan de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos estaban desarrollando la bomba atómica. Tuve la impresión de que mucha de la gente que trabaja en ese proyecto no sabía las consecuencias de lo que estaban haciendo, lo devastador que iba a ser todo eso. Al final pasó el horror que pasó y toda su implicación en cómo este país no podía ser de confianza en al menos 50 años posteriores al suceso. Al final articulé un poco esta historia entorno a una parte de su vida para lograr lo más cerca que ha estado Surfer Blood a una ópera rock.

Quizás ‘Karen’ es una de las canciones más radiantes que has compuesto, siendo el vídeo un fiel reflejo de lo que encierra el tema. ¿Escogiste este tema como primer single debido a que querías mostrar como tus canciones también pueden encerrar un lado más luminoso?

Lo cierto es que nunca consideré mucho darle el formato con el que el tema ha sido publicado. También creo que la melodía a mí me suena un poco triste. De hecho esta canción fue una especie de idea antigua que tuve, quizás surgió al mismo tiempo en el que escribí algunas de las primeras canciones de este disco y no sabía cómo rematarla. Al final encontré como resolverla de una forma muy rápida y todo el mundo que la escuchaba decía que era muy pegadiza. Por lo tanto no me quedó otra cosa que meterla como primer single del disco, algo que al final parece acertado.

"Me gusta la idea de poder tirar de imaginación para contar historias en mis canciones"

‘Unconditional’ es otra de mis canciones favoritas del disco, gozando también de una melodía muy poderosa. ¿Ves esta canción como en la que más te acercas al amor en este disco?

Quizás tiene más que ver con el sentimiento de traición. Habla de cómo estuve con una persona durante seis años y de una forma muy rápida todo se acabó. Había sido engañado por mi pareja y me sentía muy mal por cómo había llegado el final. Necesitaba dar salida a los sentimientos tan doloroso que sentía, por lo que hice este tema. Quizás en este caso el dolor es más tangible para mí que en el resto de canciones del trabajo.

Este año se cumple el décimo aniversario de la publicación de tu debut Astro Coast, editando una edición especial a la par de haber ofrecido un concierto en streaming interpretando este disco. Con el paso del tiempo, ¿qué perspectiva tienes hoy en día de él?

Recuerdo que estaba en la universidad y que según salía de clase me iba directamente a casa para trabajar en este disco durante horas. En ese momento la banda solo estaba formada por el batería y yo. También recuerdo que me quedaba hasta tarde y que amanecía a veces dormido sobre el teclado del ordenador, grabando fragmentos extraños de forma accidental. Una vez recuerdo que me desperté totalmente asustado porque me quedé dormido con la guitarra y al despertarme pulsé una tecla sin querer, reproduciéndose un sonido raro y asustándome mucho.

 

Hace unas semanas has publicado un EP que iba a ser vendido durante vuestra gira de verano. En él aparecen las voces de Samira Winter y Pip Blom. ¿Cómo surgió la idea de que apareciesen en este EP?

Habíamos girado con estas bandas anteriormente. Con Samira Winter hemos hecho dos giras juntos y con Pip Blom estuvimos en Europa en 2017. Cuando teníamos el LP terminado, teníamos unas 16 canciones y con los descartes queríamos probar algo diferente. No solo cambiar las voces, sino también darle una vuelta a las armonías. Un día pensé que estaba aburrido de mi voz, algo que le pasa a mucha gente que cuando escucha su voz grabada la odia. En mi caso llegó un momento en que me ocurrió un poco eso a mí, por lo que pensé que sería mejor que las cantase otra persona. En un principio también me daba un poco de apuro pedírselo a alguien, pero me obligué a mí mismo y se lo pedí a Samira y a Pip Blom. Le escribí un email y les encantó a la idea. El proceso fue de lo más divertido y los cambios quedaron geniales.

Este próximo trabajo será publicado por Kanine Records, el sello en el que editaste también tu disco debut. ¿Fue esta decisión muy premeditada?

Resulta interesante porque parece que lo hemos retomado justo donde lo dejamos. Las cosas cambian pero la gente importante sigue ahí, algo que ocurre en este sello. Resulta muy cómodo trabajar con ellos y siempre entienden muy bien lo que buscamos. Nos coordinamos muy bien siempre a la hora de promocionar la música y es un buen sentimiento comprobar lo familiar que resulta todo.

"Cuando estaba componiendo Astro Man recuerdo que me quedaba hasta tarde y que amanecía a veces dormido sobre el teclado del ordenador."

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para la siguiente banda a entrevistar. ¿Cuál es la tuya?

Siempre me he interesado por saber si cuando la gente compone canciones escribe primero la letra o primero la música, porque conozco a varias personas que escriben páginas y páginas de letras y luego ya les buscan música.

Tengo también una para ti a cargo de la banda española Pájara Rey. Vas a tu bar preferido o a uno en el que piensas: “este es bueno”. ¿Qué tapa te pedirías?

Me encanta la comida india, por lo que siempre procuramos buscar cuando llevamos varios días de gira algún restaurante indio. Siempre tratamos de cenar después de los conciertos, no siendo que me venga algún eructo encima del escenario y resulte muy embarazoso. El secreto cuando estás de gira es que la comida siempre sea fuerte para aguantar bien el día. Volviendo a la pregunta, cualquier cosa que pida en un restaurante indio va a estar bien.

Noé R. Rivas

Joven teleco que escribe sobre grupos guays. Woods y Jeremy Jay me molan mucho.

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