Entrevistamos a

La Habitación Roja

"Uno hace las canciones que le gustaría escuchar, la mayoría de las veces es una necesidad vital y una auténtica terapia"

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El próximo 3 de febrero, uno de los grupos españoles independientes con más personalidad publicará nuevo disco. Estamos hablando de los valencianos La Habitación Roja y su esperado nuevo trabajo La Moneda en el Aire. Siempre intentándose superar, en esta nueva entrega han conseguido un sonido aún más brillante, sin dejar de lado su talento para sacar melodías y letras que representan fielmente las diversas situaciones humanas. Un disco de esos que cuando los escuchas notas inmediatamente la vitalidad y entrega que el grupo ha querido plasmar en cada canción. Aprovechando la publicación es este nuevo LP, hemos tenido la oportunidad de entrevistar a Jorge Martí, vocalista y guitarrista de la banda. Esto es todo lo que nos ha contado.

Antes de nada daros la enhorabuena por este nuevo trabajo. Suena igual de bien que todos los anteriores.

Muchas gracias, aunque he de decir que sonar, lo que se dice sonar, suena mejor.

Lo primero que nos llama la atención al escuchar este nuevo trabajo es el vitalismo y actitud con el que están abordadas las canciones. ¿Podríamos considerarlo como una respuesta a la melancolía que existía en ‘Fue Eléctrico’?

Pues sí, la verdad es que nace un poco de ahí. Cada disco suele ser una respuesta al anterior y aunque dentro de nuestras propias coordenadas y de lo que nos gusta, no hay dos discos LHR que sean iguales, al menos no en cuanto a planteamiento inicial. Otra cosa es que tengamos un sonido propio y reconocible, pero siempre intentamos con cada nueva grabación cambiar cosas. En esta ocasión nos parecía importante insuflar a las canciones de mayor vitalismo y actitud, y aunque tampoco es que todas sean la alegría de la huerta, sí que nos parecía importante que las canciones tuvieran esa fuerza positiva que igual no había en Fue Eléctrico, un disco que surgió de un momento realmente bajo en lo personal. Ahora sí que hemos tendido a elegir las canciones más vitalistas.

Al escuchar el disco, en seguida nos damos cuenta de que cada canción tiene arreglos muy cuidados principalmente a base de teclados, sintetizadores, algún coro… Todos estos detalles, ¿los buscásteis desde el inicio o surgieron a medida que fuisteis grabando los temas?

Queríamos desmarcarnos un poco de lo que funcionó en Fue Eléctrico, esas cosas que puede que sean marca de la casa. Puede que eso sí que fuera premeditado, pero también es verdad que no somos dogmáticos y nos gusta dar a cada canción lo que nos va apeteciendo. En esta ocasión hay muy pocas distorsiones, hay pocos muros de guitarras y hay más teclados, pero sigue sonando a LHR y eso es así también por Santi Garcia. Él quería cambios al igual que nosotros, pero quería que no se desvirtuara el sonido de la banda. Se trata, una vez más, de avanzar e intentar mejorar conforme a tus gustos y lo que te pide el cuerpo. Nos dejamos llevar por el “feeling” siempre.

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Algo que también sorprende es el cambio de sonidos de vuestras guitarras. En Universal sonaron potentes y limpias, en Fue Eléctrico más tenues y distorsionadas y en esta ocasión están al servicio total de las melodías. ¿Tratáis siempre de jugar con esta baza?

Siempre estamos al servicio de las canciones. Pau, que es el que más protagonismo a la guitarra suele tener, es un tipo inquieto y suele buscar cosas distintas cada vez, pero como te decía antes, tampoco somos unos cabezones y si hay alguna canción que pide a gritos un determinado tipo de sonido o de arreglo pues se lo damos. Lo importante es el resultado final, el conjunto y está bien ser original, pero más importante es para nosotros que la canción transmita algo especial y que esto sea lo más parecido al impulso inicial que nos hizo escribirla.

En el tema ‘De Cine’ observamos sintetizadores y un marcado ritmo bailable. Que yo recuerde, nunca os había escuchado con ritmos tan bailables. ¿Tuvo que ver algo Pau debido a su proyecto paralelo Lost Tapes? ¿Creéis que podéis trabajar más esta línea en un futuro?

Queríamos llevar más allá lo que hicimos con ‘Ayer’, pero sin tener que llegar a hacer una remezcla. Como bien dices no tenemos muchas canciones bailables, está bien tener alguna y además es un campo en el que se pueden probar un montón de cosas en el estudio. Así que eso hemos hecho: coger una canción con buenas melodías y potencial y llevarla a otro terreno distinto. No creo que lo de Lost Tapes haya tenido mucho que ver, aunque sí que es verdad que las aventuras paralelas que tienen muchos de los miembros del grupo al final acaban enriqueciendo a LHR, pues no suponen más experiencia y más conocimientos. En este caso concreto es más una cosas de todos, Pau incluido. Queríamos que hubiera en el disco al menos una canción que se pudiera pinchar y bailar. Ha sido muy divertido hacer este tema y me parece que es una canción que nos va a dar muchas alegrías. Sí que podríamos hacer más cosas así en el futuro. Creo que lo podemos hacer bien y es un terreno en el que poder desarrollar nuevas ideas. Pero no es éste un disco de música de baile. A mí me gustan discos como Parklife de Blur, que tienen un poco de todo, siempre que quede bien el conjunto. Así que es eso lo que intentamos.

En algunos temas del álbum como es el caso de ‘Donde no Existía el miedo’ o quizás más claramente ‘Carlos y Esther’, observamos unas letras que podrían ser interpretadas a partir de la situación social de regresión que estamos viviendo. ¿Existe realmente una influencia clara de los difíciles momentos que estamos pasando?

¡Por supuesto! Antes que músicos somos ciudadanos y tenemos nuestras ideas, que inevitablemente se ven reflejadas en nuestras canciones y estas están inspiradas principalmente en nuestras vidas y en lo que nos rodea. Así que si despiden a tus hermanos o tus padres, si tus hermanos pequeños no tienen futuro alguno en este país, pues eso va calando en lo que haces. Lo importante es que al final las canciones tengan un equilibrio y mantengan su validez en el tiempo, pero las pinceladas de actualidad siempre estarán ahí, pues uno escribe y toca como vive. Como dice la frase: Somos lo que comemos, pero en este caso aplicado a la música.

Volviendo otra vez al tema lírico, siempre habéis destacado por hablar de temas en los que muchas personas se ven reflejadas creando auténticos himnos. En este disco esto no es una excepción. ¿Creéis que lo más importante en la música es hacer partícipe al público de vuestros temas?

Lo más importante es expresar lo que sientes y decir lo que quieres contar con tus propias palabras. No pretendemos hacer partícipe al público, pero sí que agradecemos que éste lo sea. Uno hace las canciones que le gustaría escuchar, la mayoría de las veces es una necesidad vital y una auténtica terapia, pero todo cobra más sentido si cabe cuando ves que la gente se siente identificado con ellas. Esa es una de las partes más gratificantes de la música.

Habéis viajado hasta los míticos estudios Rockefield de Gales para grabar este trabajo. ¿Cómo surgió esta posibilidad?

Santi Garcia iba a repetir como nuestro productor, de hecho él tiene mucha parte de culpa en cómo se ha trabajado en este disco. Su mujer es de Monmouth, así que conocía el estudio y a la familia Ward, los dueños del mismo. Una noche de esas en las que todos estábamos chateando nos dijo que qué nos parecería grabar allí. Nos metimos en la web, vimos qué grupos habían grabado y pensamos: ¡joder!

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Todos los grupos son parte de nuestras influencias. Santi dijo que iba a ver precios y posibilidades y en Mushroom Pillow no vieron la idea descabellada. Hemos estado grabando dos veces en Chicago, así que esto está más cerca. Era una forma de hacer las cosas más excitantes si cabe y no nos equivocamos. Fue la bomba grabar allí y nunca lo olvidaremos. Era una apuesta arriesgada, pues al acabar contrato y no tener uno nuevo firmado adelantamos nosotros el dinero de todo el disco aún a riesgo de que Mushroom Pillow no quisiera afrontar esos gastos de grabación. Al final parece que todo ha salido bien, hemos grabado allí, hemos renovado por MP y hemos hecho un gran disco.

Centrándonos de nuevo en el lugar de grabación, quizás podamos intuir alguna influencia de las grandes bandas que han grabado allí. Por ejemplo las guitarras crudas en ‘Donde no Existía el miedo’ me recuerdan a partes de los Pixies o los sintetizadores de ‘La Casa en Silencio’ tienen un estilo parecido a los empleados por New Order. ¿Opináis que se puede escuchar en vuestro trabajo realmente alguna influencia de las grandes bandas que han grabado en este lugar?

Es que todas las bandas que han grabado allí son bandas que nos han influido. Las que nombras y muchas otras que me vienen a la cabeza ahora como The Verve, Suede, Super Furry Animals, Oasis, Teenage Fanclub, The Boo Radleys etc… Todas son parte de nuestra educación musical desde siempre. Esas influencias siempre han estado presentes en nuestra música, pero puede que el hecho de haber grabado allí haya potenciado eso, porque es que cuando uno ve la lista de grupos… Es que son todos grupos que nos gustan.

Fue Eléctrico ocupó un lugar privilegiado en la discografía de los fans de la Habitación Roja, teniendo también una excelente acogida por la crítica. ‘La Moneda en el Aire’ tiene pinta de que también va a calar muy hondo. ¿Cuándo comenzáis a grabar un trabajo pensáis en la acogida que pueda tener por parte del público?

Cuando va cogiendo forma el disco puedes llegar a emocionarte con la idea de que la gente vaya a sentir lo que tú estás sintiendo cuando escuchas las canciones. Es parte de la grandeza y el privilegio de poder hacer lo que te gusta y tener gente detrás que te respalda. Pero intentamos ser siempre honestos y hacer lo que nos gusta y apetece en cada momento, por eso estamos hablando de nuestro noveno disco. LHR es un grupo mejor o peor, pero es un grupo de verdad.

Vuestra actividad en directo es realmente increíble. Prácticamente no habéis dejado de tocar en estos dos últimos años. ¿Resulta difícil sacar tiempo para escribir o realmente las canciones van surgiendo como algo natural?

Sacar tiempo para escribir se hace cada vez más difícil, pero no tanto por las giras. Yo diría que las obligaciones domésticas y el hecho en mi caso o en el de Jose de ser padres hace que las cosas se compliquen, que tengas menos tiempo que antes. Es verdad también que hemos girado mucho y que el disco se grabó en medio de conciertos en festivales y demás, pero bueno, nos parece un privilegio poder grabar y una suerte que nos sigan llamando para tocar, así que encantados de ir un poco estresados. Eso sí, las canciones van saliendo de forma natural y las vamos guardando en la “nevera” hasta el momento en el que vemos la necesidad de grabarlas. Entonces repasamos el material y elegimos las mejores.

Siempre que entrevistamos a un grupo nos gusta que nos dejen una pregunta para el siguiente grupo a entrevista., ¿Cuál es la tuya?

¿Cuándo sabes que la vida de un grupo se ha terminado de verdad?

Del mismo modo, tenemos una pregunta para ti a cargo de Martí Maymó de Manel. ¿Cuándo sabes que un tema está realmente terminado?

Pues te daría dos respuestas: A nivel de composición para mí está acabado cuando tienes una melodía y una letra que te llenan completamente y te transmiten lo que a priori había motivado que te pusieras a escribir y a componer. Si tienes eso ya tienes mucho ganado, y luego se trata de sublimarlo o estropearlo. Y la segunda respuesta sería que está terminado al 100% cuando se ha grabado, masterizado y editado, porque entonces ya no hay vuelta atrás y ya pasa la canción a dominio público, de manera que ya no puedes hacer nada por cambiarla aunque quieras.

Muchísimas gracias por tu tiempo y seguro que nos vemos próximamente en algún concierto.

Gracias a vosotros por vuestras preguntas y por escuchar el disco con atención.

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Noé R. Rivas

Joven teleco que escribe sobre grupos guays. Woods y Jeremy Jay me molan mucho.

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